Luces en la Pantalla Pensamientos en el Aire

“Las Viudas de los Jueves” de Marcelo Piñeiro

2010-07-30T00:00:00.008-02:00

Película argentina (en realidad es una co-producción con España) del año 2009 dirigida por un experiente director de tal país. Marcelo Piñeiro se encargó de llevar a la pantalla grande “El Método”, “Kamchatka”, “Plata Quemada”, “Cenizas del Paraíso”, “Caballos Salvajes” y aquella película que modificaría profundamente todo fogón que fuese realizado por los grupitos de jóvenes del Río de la Plata con una guitarra: “Tango Feroz, la Leyenda de Tanguito”.

Esta es una película bastante especial, puesto que, junto a “El Secreto de Sus Ojos” (Ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera 2010) se presenta como uno de los grandes e importantes estrenos argentinos del año anterior (pues, se estrenó en el 2009). Elemento que no es poco significativo, gracias al levantamiento (aunque estuve a punto de poner “upraising”, término que creo, lamentablemente a veces se haría más adecuado... sí, en lo que al cine argentino refiere...) de una industria si no prominente sí capaz, que logra ser interesante y también... lucrativa (y esto, no se malentienda, no implica ningún juicio de valor).

La película en concreto da una sensación de algo de esto... creo. ¿Por qué? Por un lado porque nos mete de lleno en la vida de un “Country”. Esa burbuja de cristal ideal para gente de mucho dinero en donde se crea un submundo de lujo y confort. Por otro lado por su elenco, en el cual encontramos a varias figuras pesadas del cine (y la televisión) argentino actual. Empezando por Pablo Echarri, nos encontraremos con Leonardo Sbaraglia, Juan Diego Botto, Ernesto Alterio, Juana Viale, Gabriela Toscano, Gloria Carra y Ana Calentano entre otros.

O sea, para una situación propia de elites... un reparto de elite ¿no?

La película se basa en la novela homónima de Claudia Piñeiro. La misma fue best-seller en Argentina y en el 2005 ganó el Premio Clarín.

El guión fue adaptado para la pantalla por el director junto a Marcelo Figueras. A cargo de la fotografía está Alfredo Mayo, Roque Baños se encarga de la música, Marío Gargallo Climent de la escenografía y Ana Markarián del vestuario.

A modo de sinopsis podríamos decir que en ese paisaje de “ensueño” que es el country algo pasa. Nos encontramos en el año 2001, en el cual Argentina sufrió una fuerte crisis financiera y... y en una de las climatizadas piscinas del lugar aparecen en flotantes imágenes tres cuerpos: Los mismos son de algunos de los protagonistas.

A partir de allí, nos internaremos en un gran flashback donde... digamos que haremos un recorrido que nos permitirá ir entendiendo como tal cosa puede haber sucedido.

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Como ven, estamos ante una estructura bastante clásica que, bien se puede decir, no es solamente la de muchas películas; si no también la de muchas series. ¿A qué me refiero? Si vamos a hablar de películas podemos mencionar (simplemente para no perder la costumbre) al “Ciudadano” de Orson Welles. También se me ocurre pensar (aunque el guión es algo más complejo en este ejemplo) en “Antes que el diablo sepa que estás muerto” (donde se nos presenta un hecho “x” que, a medida que hagamos “ese viaje”, podremos ir entendiendo). Pienso también en series pues, algunas, como ser (miren qué ejemplos! Jeje) “Archivos X” o “Los Simuladores” partían (al menos en esos capítulos unitarios con principio y fin) de un hecho “x” que se iría comprendiendo a medida que hiciésemos ese camino. En “Archivos X” esto era, a su forma, más típico, pues trataba de investigaciones. En “Simuladores” ya la cosa cambia un poco. ¡Y me olvidaba de un ejemplo fundamental! CSI! (Y todas las variantes, sub series, y sagas como ser CSI Miami, CSI New York, CSI Punta del Este, CSI Young, etc).

Por otro lado, respecto al film podemos decir que en términos técnicos está bien y/o muy bien. Creo que algo que sería destacable sería lo referido a la puesta en escena (la imágenes logradas o construidas [puesto que no sé si el country en cuestión existe o no... y si alguien sabe ¡qué cuente!]). Pues, realmente llega a impresionar el lujo con el que viven los chicos.
De cualquier forma, creo que no hay muchas cosas... digamos “destacables” (lo cual no quiere decir que no sirvan o que no funcionen) en cuanto a elementos técnicos.

Si tengo que reconocer que hubo un par de cosas que me chocaron un poco: Una es la referida a esas primeras (y, tal vez paradojicamente) “bellas” imágenes de los ahogados. Los juegos de luz y los efectos especiales para tal cosa me dejaron un regusto un poco agridulce.
Otra se refiere a un recurso (que sería más bien de montaje y dirección) usado cuando uno de los personajes (uno que le ha sabido dar algunos golpes a la mujer, por cierto) le pega a una bola de tenis. Así nos encontramos con sucesivos planos y “contra” planos en donde el chico le pega a la pelota de tenis con su raqueta. La vemos a ella que, aparentemente con dolor lo mira. Nuevo plano de golpe a la bola de tenis. Nuevo plano de ella (las duraciones de uno y otro se van acortando). Nuevo plano del golpe de raqueta (el volumen va subiendo y ese “raquetazo” se parece cada vez más al sonido de un látigo). Nuevo plano de ella.
En fin ¿Qué es lo que pasa con este “recurso”? Primero que ya sabemos que estamos viendo a una pareja que ha vivido más de un hecho de violencia. Es más, el tratamiento bastante explícito de tales escenas, así como su repetición ante nuestros ojos hacen de este recurso usado en el partido de tenis algo que, a mi entender, tiene efectos diferentes a los que debería. ¿A qué me refiero? Básicamente, a que el recurso me parece enfático y redundante. Además que no tiene mucha conexión con la propuesta de la película en sí (digamos que me refiero a eso del punto de vista y de la forma, del tratamiento estético que se hace a lo largo de un film).

Y este problema que a su forma “denuncio” en la susodicha escena no es el único y nos habla, a mi entender, de varios otros de la película. Estos otros se refieren, básicamente a algunos puntos. Por un lado tenemos la redundancia y el enfatismo en algunos hechos y situaciones. Por otro, tenemos realmente varias líneas argumentales que no siempre se “hilan” demasiado bien. Por otro lado, una vez se nos ha presentado el country, los tópicos tratados (desde una postura “crítica” que más o menos ya hemos entendido) se repiten en lo que parecería empezar a ser un extraño monólogo discursivo. Con esto me refiero a que no aparecen nuevos elementos. También (al menos a mi me paso) a medida que el film pase, iremos perdiendo interés en varias cosas: Por ejemplo, los problemas de pareja de algunos. O una cierta historia donde se sugiere una cierta relación homosexual.
También podríamos mencionar a la duración del film, o a la estructura de ese guión que, básicamente, lleva a un estancamiento argumental. Esto, a mi entender, lleva que el espectador se aburra.
Además de esto tenemos así como algunos puntos a favor otros en contra en lo referido a las actuaciones. Por ejemplo, bastante se ha dicho de lo poco creíble que está Echarri. Y yo, que si bien creo entender tal sensación no creo que debamos señalar responsabilidad en la performance de tal actor. Al contrario, yo señalaría que hay problemas en el “armado” y “unido” de personajes y situaciones. A Echarri lo felicitaría por animarse a hacer un papel bien distinto a los que habitúa. Además de esto señalaría el particular maquillaje con el cual lo vemos (su cara tiene un tratamiento que, creo, delata años de cama solar, sol y piscinas con cloro).

En fin, para mi estamos ante un film que cae, durante la mayor parte de su duración en una terrible y redundante embolia. De cualquier forma las consecuencias no son tan nefastas debido a: 1. Algunos personajes (como ser la hija del abogado), 2. El buen hacer técnico y 3. (y extrañamente para mi) lo bien realizada que resulta la media hora final.
Es extraño, pues creo que nos encontramos ante una película bastante mala en varios aspectos. Pero tiene algunos elementos que, a mi entender, logran que sea salvada del olvido y la indiferencia. Estos elementos del film serían: 1. La cuestión histórica abordada y mostrada de forma acertada solo a través de la TV, referida a la crisis argentina del 2001. 2. El mostrar un country “en su interna” (pues, a pesar de todo, yo nunca había tenido la oportunidad de ver un country tan bien descripto). 3. La discusión en la piscina que se da de noche, las consecuencias de ello, la forma en que nos enteramos de ello y lo que pasa luego con “Las Viudas de los Jueves”.

En fin, hablamos de un film con sus particularidades. Siendo una muy buena película en algunos aspectos falla en otros (tal vez más básicos e importantes) gracias a redundancia, enfatismo y falta de inteligencia que hacen del film una piedra con la que hemos de cargar. Por otro lado y a pesar de todo el film tiene algunas virtudes que lo hacen valeroso. De cualquier forma: Yo no se los recomiendo, a menos que tengan algún interés específico (ya sea por la temática abordada y/o el elenco).

“El Frente” de Martin Ritt

2010-07-28T00:00:00.002-02:00

Tal vez un poco a contracorriente de los títulos que este film ha recibido en español (“El Testaferro”, “La Tapadera”) he decidido colocar aquí uno que se adapta más, a mi entender, al sentido del título original en sí. Además de ser una fiel traducción del mismo. El Título original del film estrenado en 1976 en Estados Unidos es “The Front”.

El mismo es protagonizado por Woody Allen. El tal señor que en esta ocasión, ya habiendo oficiado como director, humorista y músico en varios otros lugares acepta poner su piel y su cara en este proyecto.

Por su parte, Martin Ritt es un director que venía trabajando hacía ya unos buenos años tanto en cine como teatro y televisión. Respecto a su filmografía (bastante extensa y productiva, por cierto) puedo decir que solo vi una muy buena película suya anterior llamada “Hud”. La misma nos presentaba un drama familiar (de esos que no pocas veces se dan cuando cuestiones referidas a herencias y propiedades surgen en forma conflictiva en una familia) encabezada por la actuación de un excelente (¡y terrible!) Paul Newman.

Ritt se caracterizó por tratar y retratar temáticas sociales y dramáticas, problemas realistas del acontecer cotidiano. No es casual que junto a su nombre podamos leer un adjetivo anglosajón como el de “Blacklisted”. Este último se refiere a que el tal señor, a principios de los años 50 en un Estados Unidos convulso y en plena guerra fría había sido colocado (junto a muchos artistas y trabajadores ya sea de teatro, cine o televisión) en una “Lista Negra”. Pues, Blacklist sería tal cosa.

Él no había sido el único que “padeció” los tiempos del Comité de Acciones Antinorteamericanas. Pues, este Comité, liderado por el General McCarthy (no es casual que a este período histórico de los Estados Unidos se lo haya llamado “Macarthismo”), que se dedicaba fundamentalmente a “enlistar” a comunistas o simpatizantes de; llevó a que muchos de los nombres que se manejarán entre sus oficinas no pudieran trabajar. Hay algunos casos bien conocidos de tal cosa; uno es el de Chaplin (que se iría a Inglaterra) o Arthur Miller. También podríamos mencionar al guionista de “Espartaco” y al director de la, para mí, mejor película bélica que he tenido la oportunidad de ver “Johnny Cogió Su Fusil”; me refiero a Dalton Trumbo. También Elia Kazan tuvo problemas con el Comité. Y después. Pues parece ser que este director dijo en voz alta el nombre de algún compañero al cual después no le permitieron trabajar (lo cual también llevó a que mucha gente no lo quisiera ni ver posteriormente...).

En fin; otro “Blacklisted”, que si bien no tan conocido aquí importa mucho fue Walter Bernstein, guionista del film que nos ocupa.

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A modo de sinopsis podríamos decir que nos encontramos en un bar con un jovial cajero. El personaje se llama Howard Prince y es representado por Woody Allen.
Habría que decir que, si bien ya en un primer momento lo vemos “jugando” con una moza del lugar (si le da o no dinero) y lanzando algunos de esos enunciados de los cuales sus propios films se atiborran, nos lo encontraremos representando algunas cosas no habitualmente vistas en su performance. De cualquier forma, si alguien creyese que Woody Allen actúa siempre haciendo de sí mismo, aquí estaríamos ante un caso de tal categoría. Además, voy a decir algo tal vez paradójico; pero en ninguna película que yo haya visto de él parece haber estado más parecido físicamente a sí mismo que en esta. ¿? No se preocupen: Yo tampoco entendí.
En fin, el hecho es que este personaje es un simpático flaquito que con un trabajo de no mucha monta y un particular sentido del humor se dedica a hacer cosas como llevar pequeñas apuestas, o pedirle dinero a otros (como a su hermano, quien comentará que no entiende por qué hace eso si él [Howard] siempre fue más inteligente...).
Un día, llegará al lugar donde trabaja un amigo de esta flaquito Howard. Este amigo es un escritor exitoso llamado Alfred Miller (parecido el nombre con el de Arthur ¿no?), con quien se conoce desde hace tiempo. Alfred tiene una propuesta que hacerle. Pues, estamos a principios de los 50 en Estados Unidos y lo han metido en la lista negra. Como tiene una familia y varias responsabilidades de las que hacerse cargo le propondrá a Howard que le presté su firma para poder presentar sus guiones y seguir así, trabajando. Esto a Howard le vendrá bien, pues cobrará una parte de lo que al otro le paguen por lo que (a él le parece muy simple) presentarse y decir “Aquí tienen el guión que escribí”.
Esta será la premisa argumental de la cual parte esta trama realista y basada en hechos reales. Poco a poco iremos viendo como algunas cosas se suceden, algunos problemas surgen y crecen... y veremos como la situación se irá haciendo más sofocante.

En la producción podremos encontrarnos con un par de nombres habituales en las películas de Allen: Jack Rollins y Charles H. Joffe que comparten tal nómina con el propio director (que también fue un “blacklisted”). La fotografía es Michael Chapman (también habitué de Allen por esos años) y en el reparto nos encontraremos con algunos nombres: Michael Murphy, Andrea Marcovicci, Herschel Bernardi y Remak Ramsay. De cualquier forma, es posible que el personaje más recordado del film sea el del obeso Zero Mostel.

La película en términos formales está bien. Ni más ni menos. Tanto la puesta en escena como la fotografía y la música son funcionales a la historia que se pretende contar. La película, más allá de algunos elementos de comedia (seguramente inherentes al tener a Woody Allen ocupando el papel que ocupa en la nómina) podría ser caracterizada, sin miedo a equivocaciones, como sobria y prolija.
No encontraremos en la misma ni grandes virtuosismos, giros frenéticos o carcajadas a más no poder. Esto no quiere decir tampoco que no nos encontremos ante un guión potente y hábil que sabe expresarse. Al mismo, y a pesar de que las otras son superiores, podríamos encontrarle alguna característica común con las películas de István Szabó “Mephisto” y “Coronel Redl”.

Este fue un film que se hizo con la intención de dar cuenta, de tener presente y de no olvidar lo que había sucedido en Estados Unidos dos décadas antes. Por eso el mismo consiste, de por sí, en un excelente acercamiento histórico para quien este interesado en saber sobre tal período. Me animaré a decir que es allí donde está su mayor fuerza e importancia. Y me animaré a pensar que es también por esto que Woody Allen quiso protagonizar el film. Propio de un período que no le toco vivir como a la mayoría de los otros nombres que nos encontramos ya sea en el reparto como en otros roles. Blackenlistados.
A su vez, no estará de más mencionar que estos “front”-mans como el que Allen interpreta realmente existieron; y es posible que hayan sido necesarios para la supervivencia de más de uno.

Sobre el film en sí me interesa destacar un par de escenas: Por un lado la escena que (creo/espero) muchos nunca olvidarán y que se centra en Mostel. Por otro, el primer plano de Woody Allen cuando vea desde lejos un velatorio, que es de lo que más presente me ha quedado del film.

En fin. La verdad es que es un film muy recomendable. Muy “típico” en sus formas, pero bastante sólido en sus planteos; que implican una cierta funcionalidad histórica, un aviso y un dar cuenta que no estará de más. Aún más para quien no sepa sobre el Macarthismo. Destacable e imprescindible para quien quiera abordar, estudiar y/o saber más sobre aquel período de Estados Unidos. Muy buena.

“La Ola “ de Dennis Gansel

2010-07-26T00:00:00.003-02:00

Esta película de título original "Die Welle", estrenada en el 2008 fue realizada en Alemania. La misma nos sitúa frente a un profesor en una Escuela Secundaria. Este, interpretado por un hábil Jürgen Vogel no es un profesor como cualquiera. Escucha RAMONES y vestido de cuero llega a la institución en la cual trabaja. Podríamos decir que es el típico profesor que agrada a los alumnos, por su jovialidad (y, tal vez, paradigmáticamente en este caso) por seguir siendo a su forma un adolescente. Podríamos decir que es un “típico profesor con onda”.

Él enseña historia. Y, a un primer vistazo y gracias al primer diálogo podríamos preguntarnos cómo es tal cosa posible. Por otro lado en la institución se avecina “La semana del proyecto”. Esto se refiere a que, durante una semana, diferentes profesores prepararán junto a sus alumnos un tema. Él, como buen rebelde que nos han presentado, pensaba dar un tema que conocía bien: Anarquía. Pero resulta que, debido a que otro profesor ya ha tomado para sí tal clase se verá teniendo que dar otra: Autocracia. Si usted no sabe lo que esto quiere decir, no se preocupe, pues en la clase el profe nos lo va a explicar. Lo que sí podríamos decir (y podríamos preguntarnos ¿se podría no decir al hablar de ésta película?) es que el nazismo era un régimen autocrático. Así también podríamos referirnos al régimen de Stalin.

En fin, el hecho es que nos encontraremos con que el lunes este profesor comenzará a impartir las clases sobre tal materia. Mencionemos que la película tiene una estructura donde los días van a ir apareciendo escritos subdividiendo la estructura de ésta historia que duraría una semana. La autocracia no parece ser el tema preferido del profesor, ni sobre el cuál más sepa, pero el profe se dará maña para enseñar sobre tal cosa.

Más allá de discusiones sobre métodos pedagógicos podemos decir que él usa una forma bastante especial.de impartir sus clases. Lo que pasa es que en la clase se irá dando una dinámica donde, en parte gracias a las ideas y a las propuestas de los jóvenes, se irán tomando algunas medidas. Por ejemplo: Todos empezarán a usar camisas blancas (lo que “los iguala”, entre otras cosas), tendrán un líder (el profe) y, paso a paso irán proponiendo una serie de cosas. Ya, casi a mitad de semana tendremos una agrupación (que, conforme han pasado los pocos días ha aumentado en número), que no solamente recibe al profe con un monocorde saludo masificado, sino que también tendrá un nombre (“La Ola”), un logo y un saludo distintivo.

Esto último viene a colación y queda asociado con el equipo de waterpolo del cual, algunos alumnos de la clase, son miembros. Siendo a su vez, el profe el entrenador. Esto a su vez permitirá que veamos varios jóvenes musculosos, bellos y fuertes; así como chicas. En fin, carne cortesía del casting (no del catering), carne “pa` quien guste”.

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Una de las cuestiones más interesantes respecto a la película es la de la historia que le da origen. Y no sólo me refiero al nazismo. Pues, en 1967, en una escuela de California había un profesor de historia (¡efectivamente! ¡En los sesenta en Estados Unidos no habían solamente hippies y políticos que mandaban a los jóvenes no hippies a destrozarse en Vietnam!) que hizo un cierto experimento. El mismo se llamó “La Tercer Ola”.
Para contextuar un poco podemos decir también que en Palo Alto, donde la experiencia se realizó, nos encontramos en aquel momento con un movimiento bastante interesante. Pues, algunos científicos “ciberneticos” realizaron diferentes experiencias (sean del estilo o no) que hoy en día se pueden conocer a partir de estudios de Psicología Sistemica. Parece que la misma es una corriente psicológica que (seguramente) poco casualmente tuvo su origen en aquellos lares por aquellos tiempos. Aclaremos también que los científicos “ciberneticos” no eran robots. Jeje. ¡Que eso vino después!
En fin, en el tal experimento, el dicho profesor (el real) hizo una experiencia de una semana. Este señor, llamado Ron Jones no sólo escribió sobre los impresionantes efectos de tal experiencia; sino que a su vez colaboró en la creación de la película.
O sea, prestó sus escritos, apuntes y comentarios. Es más, hay una cuestión que se presenta como bastante interesante. Pues, cuando se enteró de que el profesor de la película vivía junto a un lago y estaba en pareja con otra profesora de la misma institución donde él trabajaba exclamó: “Eso mismo me pasó a mi!”. Bueno, también pudo haber dicho “Yo también” o “Me Too!”; pero más allá de que el entrecomillado no señale citas literales se entenderá... espero.

En fin. Tanto la experiencia de Palo Alto como la presentada en la película parten de preguntas que podríamos enunciar, más o menos con la siguiente forma: “¿Es posible que ocurra una dictadura en esta forma de estado libre y democrático, de bienestar y felicidad en el cual vivimos?”, o “¿Es posible que vuelva a existir un régimen totalitario como el Nazi?”. Les voy a pasar a recomendar un film de Alain Resnais que, sin meterse directamente con experiencias-experimentales como éstas, a fin de cuentas responde a la pregunta. Además es un documental (¡No se asusten amantes de la ficción! ¡Es corto y realmente vale la pena!) que, a mí entender, puede ser catalogado con tranquilidad (y después de verlo: sin ella) como Obra Maestra. El mismo se llama “Noche y Niebla” y se los recomiendo encarecidamente.

Pero bueno, que nos encontraremos frente a la ficcionalización y recreación de una experiencia de tal tipo. Si quieren saber cómo termina han de ver el film (o ponerse a leer, que tampoco es tan mala idea...).
Eso sí, sin decir algunas cosas sobre el cómo termina diré algunas cosas de/sobre el cómo transcurre. ¡Extraño espécimen cinematográfico! Este film que fue muy visto en su país de origen. Que ganó premios y buenas críticas allí como en varios festivales de cine independiente (o no). ¡Que se llevó un par de euros más de los que había costado!
El film comienza con un cierto ritmo trepidante (que tiene “esa cierta veta videoclipera” en varios momentos) que nos introducirá en una high school abarrotada de chicos y chicas lindos.
Las actuaciones individuales están, a mi entender, bien. Y tendremos un guión que no particularmente hábil o deslumbrante se deja llevar. Tendremos bastante música adolescente (¿A los RAMONES ya los mencioné no?) que nos introducirán en un paisaje visual alegre, fresco y joven. Muchos planos con sol y luz solar harán al patrimonio visual y de color del film. Entre los actores quien a mi entender más se destaca es el profe (en quien pudimos habernos fijado al ver “Good Bye Lenin”). Los chicos parecen mostrar buenas dotes actorales.
Lamentablemente (a partir de aquí voy a despotricar) las mismas no han sabido ser aprovechadas por una dirección de actores que no solamente falla en eso; si no que también en el apuro constante que tiene en diálogos (que genera la sensación, al momento de verlos, de que son irreales) y que no tiene suficiente guión para sostenerse. A su vez, la creación de personajes también está venida a menos y los móviles de los jóvenes no solamente se muestran demasiado simplistas, naifes o estereotipados; sino que varios de los pasajes del film también lo hacen así. Si bien en términos de fotografía (de iluminación) nos encontramos ante una película que si no es muy interesante “pasa”, en términos de encuadre podremos preguntarnos si hay algún criterio estético que el director haya conocido. Pues, en este sentido, a parte de algún momento de imagen submarina (y, aunque estemos en una piscina) no mucha más cosa encontraremos interesante.
Así como fácilmente podemos encontrar a esa cierta high-school-estereotipation que Hollywood ha sabido explotar bastante, nos encontramos con la música; muchas veces y facilongamente usada para “marcar” las caracterizaciones de los personajes.
A mi entender hablamos de una película que se piensa específicamente para un público juvenil y que lo trata como si no pudiese pensar o no supiera Niagara de historia (¡Fa! ¡Qué frío que hace che! ¡Qué me acaba de dar un escalofrío!). En parte, y en este sentido me hace recordar a otra espantosa película alemana que ha llegado a éstos parajes con una poco convincente “K”; pero con una atractiva “propuesta” que se terminaba al abrir la tapa del DVD. En fin, que me refiero a otra película que (a mi entender... y disculpen... pues sé que a varios el film les ha gustado) se ha dado en llamar “Los Edukadores”.
Hago la conexión entre ambos films no sólo porque ambas tienen un logo grafiteado con el cual se caracterizan, sino por el público al cual parecen apuntar y (a mi entender) por lo mal que lo hacen.

De cualquier forma debo decir que, para mi, la película mejora en su momento final (casualmente el menos “Basado en hechos reales” de toda ésta historia). A pesar de lo cual no puedo dejar de considerarla una película que media entre “mala” y “mediocre” y que no les recomiendo en absoluto. Lo que les diría en todo caso es: háganme caso, la hayan visto o no, miren el documental de Resnais.

“La Conversación” de Francis Ford Coppola

2010-07-22T00:00:00.004-02:00

“The conversation” es una película muy especial. Realizada por Francis Ford Coppola entre medio de las dos primeras “El padrino” (posteriormente realizaría “Apocalipsis Now”) nos encontramos con una realización que se ha alejado bastante de esos primeros tiempos del director. En los cuales, es posible imaginar, debía sudar la gota gorda para conseguir presupuestos viendose en la necesidad de realizar películas como “Dementia 13”.

En fin, seguramente aprovechando su fama y buen momento el director se lanza a hacer una película de muy diferente tono al que tendrían las otras mencionadas (y, seguramente la mayoría de sus otros films, pese a que no he tenido la oportunidad de apreciarlos a todos... AÚN! jeje).

La película se realiza en 1974 y nos encontraremos viendo un gran plano general de una plaza al mediodía poblada de bastantes personas. Con un zoom lento nos iremos acercando a un sector de la plaza, en él, gracias al movimiento (ya que nos llama la atención) nuestra vista se verá atraída por un mimo que allí anda, haciendo ridiculeces con la gente y algún que otro perro. Por allí veremos también a quien resultará ser nuestro protagonista, un tipo que, a primera vista podría ser un “don nadie”, “un ciudadano más”, etc.

Me es difícil dar cuenta de la sensación tan particular que este plano nos deja, pues, es largo y mientras aparecen algunos créditos escucharemos “sonidos raros”.

Pasamos a la pareja, conformada por una chica relativamente joven (tendrá más o menos 30 años ¿no?) y un joven vestido de empresario, de lentes, con pinta de inteligente, flaco y pálido con quien la chica charla. Escuchamos parte de esta conversación (de la cual no llegamos a entender mucho) al tiempo que nos vamos enterando de algunas otras cosas. Nuestro protagonista no está allí de casualidad, se va a meter en una camioneta y vamos a descubrir que la conversación en cuestión está siendo grabada. En ese momento en la camioneta nos queda alguna impresión: Él (quien descubriremos se llama Harry Caul), es interpretado por Gene Hackman (quien hace una de las mejores actuaciones de su carrera) y es quien más en serio se toma el trabajo.

Un pequeño aparte: ¡Impresionante la significación pasible de ser dada (y estoy pensando en algo de lo vouyerista que en tanto espectadores y personas nos caracteriza) de las chicas que se miran en el “espejo” de la camioneta!

En fin. Iremos descubriendo que nuestro protagonista se dedica a “un cierto sector” de trabajo que se codea con el de la seguridad y el de los detectives privados. A él le pagan, por ejemplo, por grabar conversaciones. Y su cometido, propuesta e intención no es otro que realizar bien el trabajo que se le asigna, por el cual se lo contrata (pienso en el chico que trabajaba en el estacionamiento en “The Killing” y sonrío).

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El problema que vendría a resultar también “disparador” y premisa argumental estará dado porque cuando este señor va a entregar el material a su cliente, este no está para recibirle. Y es que hay un joven empresario (su cliente está en una buena posición y en una gran empresa) que casi querrá arrebatarle de las manos “las malditas cintas”. Este joven es interpretado por un jovensísimo Harrison Ford.
Esto genera algunos (varios) problemas. Especialmente para nuestro protagonista. A quien, a medida que estas cosas se vayan dando iremos conociendo. ¡Y a qué nivel! ¡Y de qué forma!

No estará de más decir que la película se llevó en Cannes la Palma de Oro y el Premio del Jurado, así como premios al montaje y el sonido en los BAFTA (¡y no es para menos!).
Bastante me he encontrado leyendo sobre cómo estamos a poco tiempo del caso Watergate (yo no tenía mucha idea de qué era, les recomiendo, aunque sea y por si no lo saben darse una vichadita aquí) y me apuré a ver ésta película después de encontrarme con que varias veces se había señalado su “cierto parecido”, “problemática común” o “abordaje de temas relacionados” con otras dos películas: Una es “Blow Up” de Antonioni, y la otra “Blow Out” (jeje) de Brian de Palma.
Y si, hay todo un universo común y ciertas temáticas abordadas, pero debo decir que me ha impresionado (valga la redundancia) la impresión que me ha dejado; pues, no puedo dejar de pensar que este es un film de Coppola que me lleva a pensar una y otra vez en Michael Haneke.
Creo que esto se debe a algunos parecidos concretos con, por ejemplo, “El Séptimo Continente” (es más, veía el destrozo de una cierta habitación aquí y me preguntaba que pasaría si dejaba el teléfono descolgado), pero además esta asociación está dada por la temáticas abordadas (y, por ejemplo el abordaje de “registros” audiovisuales que Haneke hace, siendo capaz y muy capaz de empezarnos un rewind en la cara, al igual que aquí se hace con el sonido).

Por otro lado es un film que puede llevarnos a pensar, de formas muy serias (pocas veces plasmadas en pantalla con tanta brillantez) temáticas referidas al cine y la locura, a las obsesiones (jeje, algunas con las cuales los Hermanos Coen se ríen en “Quemar Después de Leer” y que me llevan especial [y tal vez curiosamente] a pensar en aquel cuento de Quiroga donde [digamoslo de forma tal que no se diga demasiado sobre el mismo] una mujer buscaba con bastante ahínco un germen).
También, en la veta más realista (o más para “este otro lado”) no será difícil pensar en “Enemigo Público” (¡también con Gene Hackman!) o en películas como (amén de las tecnologías de tiempos más cercanos) “La Red”.
O sea, podemos irnos a reflexiones de hiperrealidad, o preguntarnos (parecerá más simple como pregunta aunque...) “¿Cuánto y en qué medida afectan o pueden llegar a afectar las (nuevas) tecnologías, las tecnificaciones diversas, registros de diversa índole, etc? ¿Qué pasa con la intimidad? ¿Qué pasa incluso con los secretos? ¿Qué consecuencias hay? ¿Cuáles son las posibilidades y de qué?”

¡Pero bueno! ¡Qué no es mi intención ponerme “filosofal” (estoy seguro de que si pudiera, ese adjetivo vendría y me golpearía, jeje)! Si lo que me propongo aquí es dar cuenta sobre una (en este caso, ya puedo ir adelantando tranquilamente) buena (al menos) película.

Junto a Gene Hackman tendremos en actuaciones a John Cazale (Freddy Corleone en “El padrino”), Allen Garfield, Cindy Williams, un jovensísimo Harrison Ford y a Robert Duvall. Respecto a las mismas debo decirles que las mismas funcionan y muy bien. A pesar de todo es (¡hace tiempo que no me pasaba!) el protagonista el que se lleva las palmas.

A cargo de la música (¡muy buena!), que es relevante en términos argumentales gracias a que nuestro protagonista toca el saxo y escucha jazz, tendremos a David Shire.
El sonido tendrá una importancia capital (al igual que en la posterior y ya mencionada película de Brian de Palma) y nos podremos impresionar ya sea por los efectos sonoros, por las ediciones y las “islas” de sonido que vemos, por la complejidad de las grabaciones, la direccionalidad de los micrófonos e incluso hasta por Jamesbonianas lapiceras. Se podría decir que el uso del sonido (¿el diseño sonoro?) del film está a un nivel de obra maestra. A cargo del mismo nos encontramos a Art Rochester, Nathan Boxer, Michael Evje y Walter Murch.
A cargo de la fotografía está Bill Butler, que, sin grandes virtuosismos en este sentido logra un trabajo en extremo realista, con iluminaciones tenues y paisajes donde si bien “siempre vemos” “nunca respiramos” (sensación que está dada también gracias a otros elementos). A cargo del montaje (que logra impregnar un ritmo que, a pesar de esa cierta “aparente lentitud” mantiene una tensión que, al menos a mí interés, lo intensificó progresivamente) tenemos a Richard Chew Walter Murch.

¡Pero quien se lleva unos buenos méritos también es Francis Ford! Y esto no solo por haber escrito, dirigido y producido el film. Sino (o junto a) una prolijidad en el hacer y en el decir, una claridad y una forma tan poco acostumbradas (en medio de lo que el estaba haciendo en el momento, por un lado y respecto al mainstream hollywoodense por otro) que son para sacarse el sombrero (aunque ya no se use y aunque también tenga sus ribetes de cine negro el film). Pero, en fin, ese micrófono que en un primer vistazo vemos pensando que es una escopeta, los contrapicados con techo y el water son altamente significativos (aunque “no los entendamos” [aunque no nos demos cuenta específica y/o explícitamente de los recursos usados] funcionan con una fuerza que cuando menos ha de causar[nos] admiración).
Y ya que estamos mencionando los recursos usados voy a mencionar uno que me llamó particularmente la atención. El mismo se refiere al uso del zoom (empezamos con ese gran, largo y antológico zoom in); recurso que se va a volver a usar de la misma forma pero que, también, veremos en determinado momento (clave) pasar de “in” a “out”. Cosa que, les digo, me parece magistral.

No estará de más mencionar que Slavoj Zizek le dedica una interesante reflexión que pueden encontrar en “The Pervert`s Guide To Cinema”. Así tampoco que el director ha dicho que este es su film más personal.

Y, en fin, creo que ésta es la palabra con la que definiría a esta película: Magistral. Eso no quiere decir que no estemos ante un film más o menos intimista, pero extremadamente inteligente en su forma (y en el contexto en el cual surge) que puede no ser necesariamente atractivo para un público mayor (aunque creo que puede ser fácilmente entendido por este). Una obra muy crítica también que a pesar de los años se mantiene (e incluso se [re]hace) terriblemente actual. Por mi parte, una película muy pero MUY recomendable.

"The Cutting Edge" de Wendy Apple

2010-07-20T00:00:00.002-02:00

Esta es una película que data del año 2004. Hablamos aquí de un documental. Y de un documental bastante particular, pues el mismo no se refiere a otra cosa que a eso que se hace en las “salas”, las “islas” de montaje: montar, editar, cortar.

Y yo me vengo a sentir un poco raro abordando este documental por algunas razones.

La primera se refiere a una cosa que, al menos a mí, a esta altura ya me da bastante miedo y es el tema de “cambio de perspectivas” en lo que refiere a “conocer” (ya sea un poco, ya sea mucho) sobre determinado “arte”, determinado “hacer”...

¿A qué me refiero? Me refiero a que (al menos es una sensación) yo tengo muy en cuenta y le doy mucha importancia a la significación que tiene el montaje en sí. Es más, he venido encontrándome con demasiados ejemplos donde los efectos de “manejo de la percepción de la realidad” a través de las imágenes (en movimiento) se me han hecho, como poco, impresionantes. Pero lo que se me ha hecho impresionante también es que por un lado, muchas veces, el público (el espectador) no lo note y que (a veces, al menos) el manejo sea tan evidente.

Así es que no me extraña que hoy en día se hable de, por ejemplo “hiperrealidad”, de que estamos en una sociedad de la imagen y de la información, de los mass media y de los medios de comunicación en general. Y es que, mientras voy enunciando estas palabras, me pasa sentir a su vez que hablo/pienso en una serie de elementos y procesos harto complejos al mismo tiempo que harto evidentes. Y es por eso que me sirve un poco problematizar lo que se refiere a la “propia perspectiva” (y, por suerte esto no lo hago sólo, sino que siempre se da en un menjunje de extraña forma donde aparecen las “visiones” y “opiniones” de otros). Es más, creo que en gran parte es allí donde se encuentra una de las razones fuertes para la existencia de este blog. Problematizar, tratar de compartir, comparar y discutir visiones, percepciones y opiniones me parece sano.

Además y junto a esto diré que también me encuentro actualmente con algunos problemas, referidos especialmente a “lo no común del sentido común”. Sentido este con el cual, como quien no quiere la cosa, me encuentro peleando habitualmente...

Pero, en fin. Que mi sensación frente a este documental es algo extraña. Por un lado lo considero “ilustrativo” y creo que se puede entender que da cuenta de en qué consiste el trabajo del editor de video ¡y eso está bien! Por otro, es como que me vengo a sorprender debido a que no siempre se tenga demasiado en cuenta en que consiste el mismo.

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¡Pero claro! Habitualmente al espectador puede no interesarle más que ver una buena película (o, al menos pasar el rato) y a través de las imágenes “se engulle” por los ojos (y los oídos) un montón de información que viene a ser la cristalización de una serie de trabajos múltiples, con muchas personas, que han implicado diversos roles, procesos y tiempos entre otras cosas (elementos muchos que seguramente no se me ocurran).
¡Y claro! Es lógico que cuando uno “afine” la mirada vea ciertas cosas que habitualmente no se verían... Pero ¿Cuántas veces y cuántas personas llegan a afinar la mirada? (Y esto en lo que respecta al cine, al audiovisual en sí... Pues si nos metemos con otros temas es posible que estas problemáticas se hagan bastante más complejas y diversificadas).

En fin. Estamos ante un documental que da cuenta de la labor del montajista, del editor de películas (aunque en mi concepción edición y montaje no son lo mismo necesariamente). Labor que es importantísima, que ha tenido un desarrollo histórico que incluye tanto a los Hermanos Lumiere, como a Edison (y su asistente), a D. W. Griffith, a Eisenstein, a Kuleshov, a varios soviéticos más, a varios movimientos sociales e históricos (ya sea la revolución rusa o la propaganda bélica) que vienen a vivir un corte posteriormente a los años dorados de Hollywood con estos franceses locos de la Nouvelle Vague y, especialmente, Godard con su “Sin Aliento”, etc. Claro! Todo esto haciendo como una “Introducción”, pues siempre todo es bastante más complejo y hay más que apreciar. Y lo digo pensando específicamente en gente que no ha tenido cabida dentro de este film como ser Melies (el primero que, si se quiere, hizo “Ciencia Ficción”), vanguardistas varios y diversos y múltiples ejemplos (muchos que no conoceré).
En fin, es en estas cosas (pensando en la gente que falta, en los ejemplos que se presentan [propios de Hollywood] y que [muchos] con apariencia de “ser novedosos” presentan recursos ya hace harto tiempo inventados y mejor usados, en ciertas “enseñanzas” algo maniqueas de este documental en sí, a modo de una somera introducción que elude decir algunas cosas o que dice otras que resultaron [al menos para un servidor] muy significativas como datos al pasar [por ejemplo: la forma en la que se aborda el “Efecto Kuleshov” me dejo con varias dudas]) Pero, en fin. Es un documental hecho desde la perspectiva del mainstream hollywoodense... Y es tomando tal cosa en cuenta que podemos considerar tanto su importancia, sus puntos fuertes como débiles. Pues, hay muchas otras formas de hacer cine, hay muchas formas de editar y de hacer montaje, de contar historias... Y Hollywood en realidad representa una fracción de tal cosa. Aunque hay que reconocerlo, lo que sí ha sabido hacer Hollywood y no muchos otros (jeje, el ejemplo de Melies resulta genial en este sentido) es sacar rédito económico de las obras. Pero, por favor: Es en parte nuestra responsabilidad tener muy claro que una película “muy vendida” no es necesariamente (¡ni de lejos!) una buena película. Que las formas creativas y novedosas a menudo surgen de lugares y contextos que si bien podrían no ser del todo impensados, son al menos (y muchas veces, para una visión “común”) recónditos o extraños.
Jeje. En fin, si en un documental de éstas características se abordara la obra ya sea de un Tarkovski, de un Sharunas Barthas, o incluso de un Stoll y Rebella la mano sería diferente.

De cualquier forma, y pese a éstas cosas que aquí señalo se ha de tener en cuenta que tenemos testimonios de James Cameron, Wes Craven, George Lucas, Sean Penn, Martin Scorsese, Ridley Scott, Steven Spielberg, Quentin Tarantino, Jodie Foster, Anthony Minghella, y de varios editores y montadores que no solo conocen su trabajo, sino que dan buena cuenta del mismo.

En fin. ¿Tú sabes cuál es el rol del montajista/editor? Si te gusta el cine (aunque podríamos incluir al audiovisual en general) y no lo haces te recomiendo veas el film. Si lo haces puede ser muy interesante por la gente que aparece, los ejemplos que se manejan y algunas cosas interesantes que se dicen (además de que, si encima sabes sobre historia del cine no estará de más tener un repaso ¿no?).
Recomendable. Aunque ver y abordar con precaución. Es un documental sobre edición que también ha sido editado.

“Robó, huyó y lo pescaron” de Woody Allen

2010-07-18T00:00:00.019-02:00

“Jeje” será lo primero que muchos pensaran al leer un título como éste. Ésta película de Woody Allen, que protagoniza y dirige, también conocida como “Toma el Dinero y Corre” y de título original “Take The Money and Run” es la primera película que el “alfeñique” “intelectual” “neoyorquino” dirigió.

Y es que su cara ya había conocido la pantalla grande, o al revés. Pero solo como actor. Ahora es el quien, a partir de un guión escrito junto a Mickey Rose se largará en la dirección de "bajo presupuesto" que, en su momento (1969), tuvo más repercusión que la esperada. Y es que este es un film con algunas particularidades.

Pues, a modo de documental (falso) se estará ante la peculiar biografía de Virgil Starkwell. Biografía de un niño que vivió su infancia en barrios pobres de Nueva York, que creció junto a la delincuencia, que nunca supo lo que era tener dinero, pero que siempre tuvo un algo que lo diferenciaría del resto.

¡Una ineptitud total para el crimen!

El espectador se encontrará ante una comedia de absurdos toques donde se pasa por la biografía de una persona que tiene como tal varias cosas extraordinarias. Se podría mencionar, a modo de ejemplo, el ir a robar un banco con un papel que diga “Esto es un asalto, actúe con naturalidad” y que el hombre que lo atienda no entienda la letra.

Así, con un particular humor nos encontraremos ante un film lleno de gags que casi podrían considerarse individuales. Algunos, propios de un humor muy inocente, “muy tonto” si se quiere. Pero no se vaya a malentender esto último, pues, este humor “tonto” es a un mismo tiempo en extremo inteligente. Además el mismo está impregnado en imágenes, guión y diálogos. Incluso hay chistes que se podrían catalogar como “de edición” (ejemplo: el manicomio del abuelo). Y sin lugar a dudas, podremos reírnos bastante con situaciones que aquí se dan.

Junto a este sentido del humor tendremos esa presentación documental tan significativa en este film (y que, tomando en cuenta la filmografía posterior de Allen tendrá muchísimos puntos en común con la genial “Zelig”). Gracias a la misma nos encontraremos a diferentes “testigos”, personas que han conocido mucho o poco a Virgil y que dan cuenta de aspectos de esta personalidad que a fin de cuentas, parece haber devenido en particular “celebridad”.

Así nos encontraremos ya sea con una maestra de escuela o un asistente social, con su esposa o con sus padres. Padres que se hacen especialmente relevantes e hilarantes y no solo gracias a sus discusiones, sino debido a que no quieren mostrar sus caras, por lo que aparecerán en pantalla con unas máscaras (típicas de cotillón) con gruesos bigotes negros, cejas y lentes.

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Así nos encontraremos con la historia de uno de los personajes, tal vez, más irrelevantes que la historia de Estados Unidos hubiese podido tener. Con una historia que, si no es relevante, será para muchos, al menos hilarante.
De cualquier forma diré que esta no es una película “de visionado obligado” o “que le vaya a gustar a mucha gente”. Pues, creo que se podría decir que es una de las películas más woodyallinescas de Woody Allen. Por eso, ha de tenerse cuidado. Creo que esta película gustaría más a quienes disfrutarán con humor al estilo Monthy Python (pienso en los bebes secuestrando padres en un supermercado) o que ya hayan reído con películas como “Bananas”, “Todo lo que usted quería saber sobre sexo y nunca se atrevió a preguntar”, “Annie Hall”, “Zelig”, “La Rosa Púrpura del Cairo”, “Ladrones de Medio Pelo” (que retoma varios aspectos de este film), etc. De cualquier forma creo que es junto a películas como “Bananas” y... y la del título con la palabra “Sexo” donde podría ser colocada esta obra.
Pues la misma toma más fuerza en sus gags, en su humor absurdo, en su dibujo de guión y en su historia contada a las risas que en algún mensaje más trascendental que se quiera dar o transmitir. A pesar de esto, ya se esbozan aquí varios temas que Allen trataría a lo largo de toda su vida (religión, psicoanálisis, relaciones amorosas, etc.)

Eso sí, no nos encontraremos aquí mucho de lo que podemos encontrar en películas realizadas por Allen en los últimos tiempos, con ejemplos como “Match Point” o “El Sueño de Cassandra”. Y que, si se quiere, podrían ser catalogadas como “menos woodyallinescas”. Pues un “clásico film de Woody Allen” sería uno en el cual él aparece, con cierto humor, donde se tratan problemas como el dinero, el amor, las relaciones, la muerte, etc. a las carcajadas.

Sobre los aspectos técnicos seguramente no haya demasiado que decir. Lester Schorr y Fouad Said se encargaron de la fotografía, Ralph Rosenblum del montaje (que tiene sus buenas particularidades) y Marvin Hamslich de la música (esto si es relevante por dos cosas: la música se destaca y aquí se daría inicio a un fructífera relación).

A su vez habría que destacar algunos personajes, entre los cuales encontramos a los geniales padres, a la “inocente” esposa que lo espera largo tiempo mientras está en la cárcel (la secuencia en la cocina, en la que ella le prepara el desayuno es muy relevante para entender al personaje, así como claro está: hilarante). Al pequeño Virgil, a sus compañeros en la cárcel y unidos por unas cadenas que... ¿logran trascender tal institución?

En fin, es posible pensar que hoy en día es una película recomendable especialmente para aquellos que admiren ya sea a Woody Allen en sí o que gusten de cierto sentido del humor. Una película muy valerosa para que algunos se echen (nos echemos) una buenas carcajadas, pero que hay que ver (a mi entender) sin pretensiones ni sobre expectativas. Admirándonos de la fuerza que logra tener este “alfeñique” e “inepto” a la hora de hacer reír. Muy recomendable.

“Señales del Futuro” de Alex Proyas

2010-07-16T00:00:00.010-02:00

La opera prima del director fue “El Cuervo”. Se puede pensar que en parte gracias a la muerte del hijo de Bruce Lee la película tuvo una repercusión bastante particular en taquillas. Eso sin quitarle méritos a la película protagonizada por Brandon Lee en la que accidentalmente vio el fin de sus días. Eso sí: no vio el fin del rodaje de la película que se termino y se le dedicó.

Más allá de este particular acontecimiento que difícilmente no llame la atención de quien lea (y no lo supiera) el director siguió con su carrera. En la misma nos encontramos films como “Dark City”, que, al igual que su opera prima se convirtió en “film de culto”, “Yo, Robot” y éste.

El film también es conocido como “Presagios” y lleva como título original “Knowing”. La cinta, estrenada en el 2009, tiene un elenco encabezado por Nicholas Cage. Cage ha sido en los últimos tiempos un vilipendiado actor que con fama irregular ha dado trabajos que, se dice, van de lo “malo” a lo “mediocre”. Tal vez entre algunos ejemplos de sus peores cosillas podamos mencionar a “Next”, película que tiene algunos puntos de encuentro con “Señales del Futuro”. A pesar de esto puede ser que su fama empiece a repuntar a partir de la elección de trabajos como sería el que realizó en la particular “Kick Ass”.

Sobre "Señales del Futuro" y a modo de sinopsis se puede decir que el espectador de encontrará a un padre soltero (y viudo), que es profesor de tecnología en un importante centro universitario en Boston. Vive con su hijo. El niño en cuestión se encontrará viendo como su padre llega tarde (nuevamente) a una de las festividades escolares, en la cual, se desenterrará una “Cápsula del Tiempo”.

Para entender esto habrá que remontarse cincuenta años atrás y descubrir que, en la escuela, se había decidido festejar la inauguración de dicha institución haciendo que los niños dieran cuenta de como veían el futuro, de cómo se imaginaban que serían las cosas en cincuenta años. Mientras que la mayoría de los niños hacían dibujos de cohetes, robots y etcéteras una niña (con no pocos elementos, visualmente hablando, de Merlina Adams) escribe a la mayor velocidad que le es posible una serie de números.

A cada alumno le dan un poco de “ese tiempo encapsulado” y, casualmente, es el hijo de Cage quien recibe el sobre que contiene una hojita con numeritos.

A partir de allí se empezará a desplegar una historia. Pues, se presenta la (terrible) hipótesis de que las cifras no estuviesen escritas al azar.

Así entraremos en una trama donde habrán cuotas de suspenso, un misterio por resolver y algunas vidas en juego: las de todo el Planeta Tierra.

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El espectador se encontrará con una película con elementos de cine “apocalíptico” (expresión que servirá especialmente en esta ocasión, gracias a su referencialidad bíblica) y de catástrofe.
Estarán presentes los efectos especiales que podrán hacernos pensar en películas tales como “El Día Que la Tierra se Detuvo”.
El guión, pese a que tiene algunos momentos que, mediando entre la sorpresa y el suspense, lograrán interesar y hasta sorprender; tiene varias fallas y un sostén bastante flojo.
Fotografía, música y puesta en escena estarán al servicio de un par de elementos: Por un lado de ese cierto y oscuro esquema visual que podríamos percibir como propio del director. Por otro, de ese cierto virtuosismo y regodeo visual que posiblemente hará las delicias de varios.
Hay dos escenas destacables en este sentido, especialmente a la hora de pensar en esto de “cine catástrofe”. Una se da en un subte y otra en una carretera con un avión. La escena del avión dejará boquiabierto a más de uno, así como ese esquema donde se trata de cortar lo menos posible, llevando a un plano secuencia de interesantes resultados. De cualquier forma, algo de realismo se pierde con el fuego “digitalizado”. Además, con antecedentes como “Niños del Hombre”, película con la cual ésta (y otras del estilo) comparten rasgos, la capacidad de Alex Proyas queda algo cuestionada. Esto es debido a que “Children Of Men” de Alfonso Cuarón era una película repleta de planos secuencias, con momentos impresionantes, atronadores y de un realismo que realmente “nos hacía estar allí”.

Más allá de estas consideraciones, poco a poco aparecerán en la trama algunos “personajes” que enfilarán al espectador por algunas cuestiones ya presentadas en el guión (aquello que el profesor, con una bola amarilla en las manos representando al sol, preguntaba: ¿el Universo está regido por algún determinismo o por un puro azar?). Serán elementos como estos los que nos llevarán a pensar en films como “Señales” (¿Será casual que a este lo hayan “traducido” como “Señales del Futuro”?). Así también podremos encontrar contacto con otro film de M. Night Shyamalan (quien ha ido perdiendo adeptos después del éxito de crítica y taquilla que significó “Sexto Sentido”) que es “The Happening” y con las mencionadas “El Día Que la Tierra se Detuvo” o “Next” (donde casualmente Cage puede ver el futuro, pero no más allá de los siguientes tres minutos).

A mi entender estamos ante una película floja, no demasiado inteligente, pero disfrutable a fin de cuentas como cine de entretenimiento, de apocalípticas palomitas y megalomaniacas pretensiones. Puede que atraiga especialmente a quien disfrute del cine catástrofe (digitalizado) y de avizorar las posibilidades por las cuales, de un minuto a otro, todo acabe. Personalmente, no la recomendaría.

“Aliens” de James Cameron

2010-07-14T00:00:00.004-02:00

También conocida como “Aliens: El Regreso” o más someramente “Alien 2” hablamos de la segunda película de la saga que se había iniciado en 1979 de la mano (en la dirección, al menos) de Ridley Scott con “El Octavo Pasajero”.

La misma fue dirigida por un joven James Cameron (“Titanic”, “Avatar”) que dependía del éxito de su primera película para saber si podría llevar a la pantalla grande su visión de esa historia de ciencia ficción que lo había emocionado. Y como la primera película era nada más y nada menos que “Terminator” pudo hacerlo.

Con varios problemas a la hora de llevar este proyecto a la realidad nos encontramos ante la más taquillera de las cuatro películas de la serie. En la misma, nos encontramos con...

Voy a hacer una pausa para decir y avisar que, si hay algún interesado en conocer sobre esta saga desde el principio, le convendría hacer clic más arriba, para ver el comentario sobre la película dirigida por el británico Ridley Scott. A su vez, le convendría empezar viendo ése primer film, pues, en esta segunda nos encontramos con que “se retoma” el universo de la primera.

De cualquier forma tal vez también podría ser interesante ver la opinión de alguien que haya empezado viendo la segunda. Si alguien se encuentra en tal situación y quiere dar cuenta sobre su parecer de la misma (si la película es clara, se entiende, qué le hizo pensar, cuáles fueron sus impresiones) le pediría y agradecería que deje su comentario.

Nos encontramos con Ellen Ripley, interpretada por Sigourney Weaver, que se despierta aquí como quien lo hace de un mal sueño. Y la cosa es bastante literal, puesto que después de quedar abandonada en el espacio y en un sueño profundo inducido por algunas de las maquinarias presentadas por ésta historia (la de “Alien”) se hace un “salvataje” de la misma.

Se la encuentra dormida junto a su gato (animal que tenía su relevancia en el film anterior) y nos enteramos con ella de que, desde la pasada tragedia de Nostromo (la nave mercante en la cual, originalmente, habían siete pasajeros) han pasado 57 años.

Varias sorpresas deparará para nuestra protagonista tal noticia, que no será la única. Pues un jovensísimo Paul Raiser (actor “de cara conocida” que ha trabajado más bien en televisión, siendo ubicable especialmente por la serie en la cual realizó varias temporadas junto a Helen Hunt “Loco Por Ti” [“Mad About You”]), representante de la Corporación Weyland-Yutani, no sólo se encargará de darle la noticia del tiempo pasado a Ripley, sino que a su vez será él quien le informe de un par de cosillas relevantes: 1. El planetoide donde habían aparecido “esos bichos” (denominados aquí “xenoformes”) está siendo habitado por 60 o 70 familias de colonos, quienes, gracias a la “Terraformación” (proceso que implica la creación artificial de atmósferas “humanamente habitables”) viven allí. 2. Algo habrá salido mal y pese a los avisos y la bronca de Ripley (a quien incluso se ha tratado de “loca” y a quien no se le ha dado mucha atención respecto al peligro [evidente si vimos la primer película] que implica el estar allí con la raza “xenoforme” más peligrosa con la cual la humanidad se haya cruzado en el universo) deberán volver al planeta para deshacerse del “enemigo”.

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James Cameron, quien firmó el guión en solitario retomó a partir de lo ocurrido en la Guerra de Vietnam la idea de que un grupo de militares (clara alusión a la milicia estadounidense) con mucho equipamiento y orgullo fuera en actitud pedante a enfrentarse con un enemigo desconocido. Así es que nos encontramos, en este film con un sobre-énfasis en el aspecto militar de la cuestión. Aspecto que la película anterior no tenía.

A su vez, hay algunos otros detalles inteligentes que toman forma (y “reforma”) aquí. Me refiero, por ejemplo a la idea de las máquinas capaces de “transformar atmósferas”, al comentario que Ripley hace después de saber que han pasado 57 años (idea que ya estaba presente en “Terminator”, donde teníamos a un personaje que viajaba en el tiempo para que otro no naciera) respecto a “¿Qué pasó? ¿En el tiempo que no estuve bajo la capacidad mental media?” (frente al cual me pregunto seriamente ¿no habrá inspirado al film “Ideocracia”?) y algunas cosas que nos enteraremos sobre ésa peculiar “raza” extraterrestre.

De cualquier forma no hablamos de un guión que sea “brillante”. O, tal vez lo que no haya sido brillante sea su forma de haberlo llevado a la pantalla grande. Pues, después de una ruidosa y ajetreada preproducción (por ejemplo, el director ya tenía el guión terminado cuando se armaron problemas con la productora porque la actriz principal y protagonista pedía “demasiado” dinero) el rodaje también fue problemático. Y esto no sólo implica al presupuesto (costó 18 millones y medio de dólares) sino al equipo británico de trabajo (que ya había trabajado con Scott, frente a quien Cameron aparecía como un “niñato”), a problemas con actores y varios etcéteras (la música y edición que se hizo se hizo a los apurones porque había que llegar “en fecha” a entregar el film terminado).

En fin, que yo me encontré con una película que tenía varias diferencias con su predecesora. Por un lado, nos encontramos aquí frente a un film confuso y disperso durante muchos (y, para mi gusto, demasiados) momentos. Si la otra, a mi entender, era “maestra” en lo referido a creación de espacialidad, texturas y ritmo aquí estos aspectos son dejados de lado y tratados con mucho menos cuidado. En la primera teníamos una película de ciencia ficción que en forma de thriller nos daba la información a cuenta gotas encerrándonos en una situación claustrofóbica donde podíamos sentir miedo en un sentido más bien psicológico. Aquí nos encontramos también con la ciencia ficción, pero en una película que sería más bien de acción y que, a pesar de tener aspectos interesantes en lo que a información refiere, no cuida el ritmo ni la forma de darnos tal información; al menos no como la otra lo hacía. Si en la otra teníamos suspense en un momento donde un personaje toma agua aquí tenemos una explicación poco pedagógica sobre armas que harán explotar al lugar. Si en la otra las discusiones eran importantes y nos hacían partícipes aquí tenemos un esquema donde hay muchas más exclamaciones violentas y no explicadas, muchas más acciones tomadas sin pensar (o al menos, de forma mucho menos reflexiva) donde expresiones de amistad y camaradería se conjugan con cuasi ataques de pánico y “palabrotas” dichas “con onda” (¿por qué será que en estos momentos pienso en el “Hasta la vista Baby” de Schwarzenegger?).

Si en la otra teníamos una película que con no demasiado presupuesto lograba a través del cuidado de sus elementos, de su producción y de su puesta en escena llevarnos realmente a “otra galaxia” aquí volvemos a un mundo mucho más real, más “terrenal”, de sudor, gritos y fuegos que se parece más al Vietnam que con tanto cine hemos creado en nuestra imaginación (así como el señor Cameron, me atreveré a decir). Y al referirme a esta creación colectiva-bélica e imaginaria no estoy diciendo que fuese o dejase de ser fiel y/o parecida a la realidad. O sea, no estoy diciendo que Vietnam no fuera así.

Y no se me malentienda. No estoy queriendo decir con esto que “Aliens” no debería ser una película de acción. Pues, creo que a pesar de “el cambio de género” u otras cuestiones el film podría funcionar y tener su grandeza de cualquier forma (así como lo hace “Terminator”, película a la cual tengo en estima). Los problemas que para mí surgen con este film se refieren a “lo desordenadas”, a “lo mal planteadas” que aparecen una serie de cuestiones. Y me refiero a cuestiones que, seguramente con un poco más de tiempo, menos apuro en el hacer y seguramente (imagino) más y/o mejor organización hubiesen hecho salir de ese huevo a una obra mucho “más terrible” (y, por ende mejor).

Pues aquí, algunas cuestiones se diluyen al pasar (la gran crítica a la compañía en la pasada aquí se matiza muchísimo en relación a la corporación, y no porque el tema no esté presente, si no por cómo está presentado, a mi entender). Así también podría ponerme a pensar (y cuestionar) si con la forma y el ritmo con el cual se hacen las cosas no se están, a fin de cuentas, afirmando aspectos que son a fin de cuentas propios de las mismas. ¿A qué me refiero? Me refiero concretamente a lo que podría ser una crítica al belicismo más estúpido e infundado, al que puede concebir al hombre como máquina de guerra. Incluso la cuestión podría reducirse a “la pedantería” de un ejército y nada más. Pues pienso que aquí, el ritmo de la película trata, en cierto sentido, de forma violenta al espectador; más haciéndolo saltar ante ruidos y explosiones que permitiéndole pensar. Y es aquí también donde surge (vuelve a surgir) una cuestión y una pregunta pues ¿no podría ser, acaso, que a fin de cuentas fuera justamente tal cosa (tales cosas) la que un público mayoritario buscara encontrar? Si me guiase simplemente por las respuestas de taquilla las conclusiones que habría de sacar no serían demasiado felices.

A su vez, creo que debiéramos tener en cuenta que a ésta película (y hoy, a la saga “Alien”) su fama la precede. Lo cual necesariamente tenía que estar pesando en que se hiciese el film, y en la respuesta del público. Creo que podemos estar de acuerdo en que preguntarnos por “¿Qué hubiese pasado con este film?” si las cosas hubiesen sido diferentes puede ser por un lado interesante, aunque por otro... puede no llevarnos a ningún lado (concreto, al menos). Jeje, el famoso “What if?” (que en español se referiría más o menos a “¿Qué tal si...?” “¿Qué hubiese sido si...?”).

A su vez, habría que agregar que este film tiene algunos elementos interesantes en lo referido al uso de tecnologías y efectos visuales (FX hoy) y no es raro (ni está de más) pensar en que casualmente es el mismo director el realizador de “Avatar”. Película con la cual, a mi entender, podríamos preguntarnos si no comparte problemas (y lo digo, sobre todo pensando en el “cuestionamiento bélico” pero hecho de una forma que puede llegar a ser contrapuesta a ese mismo cuestionamiento... ¿se entiende?).

En fin, después de la primera “Alien”, dirigida por Ridley Scott (casualmente, el director también de “Blade Runner”) nos encontramos con “Aliens” que cambia el tono y es dirigida por James Cameron (casualmente también, el director de “Avatar”). A mi entender ésta versión es, en primer lugar, muy diferente a la primera. En segundo lugar, mucho más confusa y “apurada”. En tercer lugar menos recomendable. Pero aquí debo hacer una pausa para (volver a) aclarar que ésta es una apreciación personal con la cual se puede discutir. De cualquier forma, si a mi me preguntan, no se las recomiendo.

Ya iremos viendo que deparará el resto de ésta saga que, a fin de cuentas, nos guste o no, resulta tan interesante de apreciar.

“Entre Copas” de Alexander Payne

2010-07-11T00:00:00.005-02:00

De título original “Sideways” nos encontramos ante una “traducción” (de título) perdonable porque, a fin de cuentas, da cuenta sobre el film. Pese a esto no es descartable la significación de “sideways” (side es lado y way vía), que vendría a ser un término muchas veces “autopístico” referido a “las vías de los lados”, “las vías no tan concurridas”, “las que no son las principales”, etc.

Y creo que se puede pensar en la significación de tal título.

Pero en fin. En este film indie (por no decir independiente) realizado en Estados Unidos en el 2004 nos encontraremos con dos amigos. Miles, que será el protagonista interpretado por un (y para muchos, hasta ahora desconocido [¡y me incluyo!]) Paul Giamatti que, “se levantará con el pie izquierdo”, pues tocan a su puerta para que corra su auto, que ha dejado mal estacionado. Después de salir en bata y cambiar de lugar al vehículo veremos a este personaje haciendo una llamada telefónica y poniendo escusas, que sabemos son mentira, por estar llegando tarde a algún lado. Acto seguido lo vemos darse un baño y “acicalarse” para emprender el principio de esta particular odisea.

Así llegaremos junto a este hombre de cuarenta años, gordito y pelado, que camina algo “trancado” al lugar donde está su amigo Jack. Una casa de buen pasar económico donde lo reciben (es la sensación que me dio) como una familia recibe a un niño de 12 años (que va a la casa de otro). Le ofrecen torta, para que pruebe entre dos y diga cuál le resulta mejor, le preguntan sobre la publicación de su novela (que aún no está terminada y no tiene a nadie que la publique, aún al menos) y... básicamente... pasa un momento bastante incómodo. Finalmente junto a su amigo (interpretado por Thomas Haden Church) emprenderán el viaje.

Viaje predeterminado a durar una semana (tenemos intertítulos que señalan que día es) y que tiene como escusa el casamiento de Jack (o, tal ves sería mejor decir “el fin de su soltería”). Así es que su amigo ha decidido que recorran una parte de California llena de viñedos (él es catador, además de profesor de literatura), jueguen al golf, coman bien, etc.

Pero los planes de Miles se verán contrariados por el planteo y afirmación que Jack hace. Ya que es su última semana de libertad “va a echarse uno”. Y si puede, hará que Miles también lo haga. Sin pretender decir mucho más sobre el film en sí, diré que tal cosa permitirá la entrada argumental de Maya (Virginia Madsen) y Stephanie (Sandra Oh).

Pero no creo que esta cierta sinopsis que he hecho aquí de cuenta de los diversos aspectos (inesperados, para mí) que podremos encontrar en este film.

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Este es el cuarto film del director. Y les diré que quiero conocer más del señor. La película se podría catalogar de extraño híbrido (sobre todo si pensásemos en catalogarla en algún género) pues, a pesar de que sea mayoritariamente y a grandes rasgos una comedia dramática tendremos bastante más (desde situaciones románticas hasta escenas de suspense [¡la billetera!] pasando por cuestiones más importantes, si se quiere); todo en un tono difícil de definir. Al menos en comparación a los productos/films con nichos de mercado ya más o menos preestablecidos y determinados (algo parecido pasa con cierta novela ¿no?).

El guión de la película fue adaptado para la pantalla por Alexander Payne y Jim Taylor, en base a la novela homónima de Rex Pickett. El mismo ha cosechada muchísimos premios, incluyendo el Oscar, Globo de Oro, BAFTA, etc. Si hablamos de la película en sí tendremos que sumarle varios premios más (que incluyen a actuaciones, música, dirección, etc.)

Sobre la misma les diré que al enfrentarme a ella no sabía muy bien qué era. Sí había visto el cartel y sabía que era más o menos independiente, más o menos “europea”.

Debido a tal cosa, en parte me sorprendió el tono del principio. Pues, después de los golpes de puerta iniciales nos encontramos con algún plano simétrico y una cierta música jazz. Se dieron un par de diálogos y yo estaba dudando, pues... si es por esto y esto... “mjmm puede que me lleve un garrón”. Después nuestro protagonista llega a lo de su amigo. La situación que por un lado es plausible pero que también puede ser “predeterminadamente graciosa sin serlo mucho” (esas sensaciones que tenía frente a “Amores de Diván”, por ejemplo). “Los intertítulos... mjmmm esto va mal... ¿quién me la había recomendado? ¿quién fue el maldito?” (Nótese que estoy haciendo una caricatura...). En fin. Las cosas no me parecían muy confiables y la forma de transcurrir de la película me estaba dando unos buenos sustos. Ahora, en determinado momento hacemos ese viaje a california y... “¡Mirá la fotografía de ese lugar de cata!”. Y empiezo a encontrarme con pequeños diálogos, situaciones... que puedo reconocer... “Y ¡ha! ¡Con qué pasión y con qué cuidado se encargan del tema de la cata, de los vinos, de tanta sapiencia sobre los mismos!” Me acordé por momentos, frente al tratamiento de texturas de “vinos”, del tratamiento de texturas de gomas y colores (sí, se que el ejemplo es diferente) que encontrábamos en “Caramel”. Mjmm.

Y ya dándose algunas situaciones más y yo más holgado “me voy dejando llevar”; pero no a la manera de un espectador pasivo, de alguien que simplemente “ve” lo que va pasando. No. Pues entro a apreciar ciertas cosas que habitualmente no se ven y que aquí están hechas con cierto cuidado especial. Y se da una situación donde estoy a las carcajadas, y luego el bar y esa charla, etc...

En fin, que "como quien no quiere la cosa" me fui encontrando frente a un film, a su forma imprevisible, a su forma simple, muy bien actuado, no pretencioso y en el entremedio una historia se va dando... y determinados temas se van dirimiendo y... en fin. Que me he encontrado con una grata sorpresa. Y cuando digo esto, podría parecer que me estoy refiriendo, que estoy adjetivando a una comedia con términos “light” o “soft” que a todos nos vendrían a quedar cómodos y que “¡hay qué buen rato que pasamos!” y no más. No. Aquí entramos a encontrarnos con circunstancias, con personas, con ciertos planteamientos hechos de ciertas formas que... mjmm... inevitablemente (así como si hablacemos de un vino [¡y qué me importa que no sea original comentar ésta película hablando de vinos!]) empezamos a sentir una substancia, junto al perfume de esa ligereza y esa alegría visual que no es la misma que internamente se viven en psicologías muy desarrolladas (mucho mérito hay aquí en esto de “creación de personajes”) ¡y qué actuaciones! ¡y qué diálogos! Pero no sólo, pues el film es muy visual también. Grandes carcajadas también, etc.

Creo que ya habrán captado la idea. Y es que nos encontramos ante un film donde no solamente nuestro protagonista cumple (¡y cómo!), sino que todos los personajes que por allí aparecen también lo harán... Con un nivel de profundidad... ¡y también superficialidad! Que nos lleva de la risa a la emoción, de la borrachera a la capacidad de la degustación emocional de un film en extremo inteligente; que sin artilugios, sin jugar en ningún momento con el espectador, tratándonos siempre con respeto e inteligencia se va desplegando con una (pequeña y singular) grandeza que podría ser inesperada.

¡Y la fotografía es impresionante! ¡Y la música también! ¡Y el montaje!

Y básicamente nos vamos encontrando con una historia que ni de lejos recorre los caminos típicos; pero lejos de pretenderse outsider se sabe “in”, solo "se para al costado". Estoy seguro que estamos ante una de esas películas que no solamente se disfrutan durante el visionado, que no sólo nos hacen volver a ellas en el pensamiento tiempo después, sino que podremos ver de forma y con perspectivas diferentes según el momento en el cual nos encontremos. Pues, hay mucha cosa aquí y, hay que decirlo, el nivel de la realización es de una excelencia (formal y humana) excepcional. Un diamante pulido a fuerza de inteligencia, buen gusto, humor y una delicadeza muy especial y sutil (lo cual no quiere decir que no nos encontremos con momentos que bien podríamos catalogar de “guarros”, mediando entre el slapstick y el humor gráfico sin nunca llegar a niveles como el de “Borat”; aunque sí si sugiriéndolos...).

En fin. Voy a procurar que se me entienda. No me interesa si a ti, usted o vosotros te/les gusta el cine “de entretenimiento” o el otro. No me interesa si cuando te/les hablan de una película francesa bostezan o dicen “O vui?”. Lo que yo les digo (y les pido escuchen/lean) es lo siguiente: Estamos ante una joyita improbable, brillante y multifacética que, si viven, al menos, sólo parcialmente como yo (y al parecer muchos, muchos otros) he tenido la oportunidad de vivir se encontrarán ente un gran visionado. Se las recomiendo encarecidamente. ¿Ok?

“Repulsión” de Roman Polanski

2010-07-08T00:00:00.011-02:00

Película de 1964 rodada en Inglaterra. Posteriormente a la monumental opera prima “El Cuchillo Bajo el Agua” Polanski es contratado por una empresa que quiere sacar buenas regalías. Así es que con Gérard Brach escriben un guión atípico hasta el momento.

El mismo nos sitúa frente a Carol. Más bien, frente al ojo de Carol, en uno de los primeros planos más memorables de la historia del cine, seguramente. Y, primer plano en tanto primero del film y en tanto primerísimo primer plano en tanto tamaño de encuadre que se ve alargado mientras corren los créditos principales, para terminar en ese primer plano hermoso (aunque no solo). Pues, no sé puede negar que Catherine Deneuve, quien protagoniza la cinta, es una belleza ante cámara. Belleza física, al menos. Pues, ya desde este principio (“raro” de por sí, podríamos decir) algo “raro” se avecina.

Y es que ese rostro de hermosas facciones esconde un no se qué que lo hace a un mismo tiempo extraño y distante. Pero cortemos y pasemos a enterarnos de que nuestra protagonista trabaja como manicura en una tienda de belleza. Allí, mujeres no muy bellas (al menos por lo que vemos) irán a llenar sus “rostros de piedra” con extrañas substancias, mientras se les hace un tratamiento que implica tanto el corte de uñas como la pintura de Revlon (aunque si es otra ¿quién se dará cuenta?). Carol camina por la calle (en donde siempre escuchamos jazz, cosa que puede hacer acordar bastante a “Sin Aliento”) y los hombres la miran, le tiran piropos. Ella continua su camino, aparentemente impávida, mientras la cámara nos hace una señalización peculiar sobre estos chicos en cuestión.

Carol vive con su hermana, quien se encarga de pelar papas y quien la dejará de lado para cenar conejo, pues su chico (el de su hermana) quiere comer afuera. Este hombre, jovial y que de alguna forma vendría a representar uno de los estereotipos de “macho” es el amante de su hermana. Es el quien deja su cepillo de dientes en el vaso de Carol. Cosa que, podrán imaginar, molesta mucho a la chica.

También habrá un chico relativamente apuesto y relativamente sensible que tratará de acercarse a Carol. ¿Lo conseguirá? Tal vez sí, tal vez no, tal vez en demasía... ¡Quién sabe!

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Este film de Polanski superó con creces las expectativas con que nacía. Me refiero a las monetarias, y a otras. Pues, hablamos de un film que ganó el Oso de Plata y el FIPRESCI en el Festival Internacional de Berlin de 1965. No está de más decir que, ya con su opera prima, el director de “El bebe de Rosemary” fue candidato al Oscar para la Mejor Película Extranjera. ¡Cuántos habrán tenido envidia! Jeje

El hecho es que el nombre de la película se hará notar (y sentir) a medida que vayamos viviendo con nuestra protagonista la acumulación de juicios y situaciones donde no solamente el sexo opuesto resulta ser una... una cosa nada agradable. Sino que a su vez Polanski, con ciertos elementos simbólicos, logrará introducirnos y llevarnos por uno de los recorridos sino más aterradores sí más terribles que pueden ocurrir en la mente humana.

Y es que algunas “grietas” inevitables en el día a día irán tomando para nuestra cada vez más extraña protagonista un nivel de importancia, pánico, asco y deseo (si, todo junto) bastante duro. Y no es que Polanski use solamente al conejo sin cocinar que quedó en la heladera, a los obreros, las comidas o las monjas (que, yo me reía, siempre y desde un principio se divierten más que nuestra protagonista).

Resultará que a pesar de los problemas en la relación con su hermana (quien también tiene algunos elementos de “prostituta”... con perdón) Carol se sentirá triste cuando ella y su molesto chico vayan por dos semanas de viaje a Italia.

De cualquier forma, mientras tanto solamente tiene que pagar el alquiler (que hubiese pagado si no hubiese sido por esa noche...).

El hecho es que la (poca) estabilidad mental de la chica se empezará a resquebrajar. Y aquí, así como en “La Tumba de las Luciernagas”, en “La Pianista”, o en “Nadie Sabe” empezaremos un (paradojicamente) lentísimo (y sufrido) tour de force hacia parajes que avizoramos pero, literalmente “no podremos dejar de ver”.

A cargo de la música tenemos a Chico Hamilton. Esto es relevante y no solamente por el ya mencionado jazz, sino por la importancia de la música a lo largo del film, por los golpes de batería que casi pueden hacernos saltar, etc. Y, en realidad, tenemos aquí una película que tiene una importancia fundamental en lo que al sonido refiere. Así el estridente sonido del teléfono, los pelotazos y risas de las monjas o los gemidos de su hermana mientras hace ciertas cosas en la habitación de al lado (escena monumental y ¡una humillación terrible!) tienen una importancia fundamental. Y yo me saco el sombrero (no uso, pero bueno...) frente a la inteligencia de Polanski a la hora de usarlo. Pues, ésta es una de esas películas donde al mismo (al sonido) se lo aprovecha en su "máxima" expresión (jeje, me sale pensar en “M, el Vámpiro”).

A su vez hay algunas cosas que me parecen destacables y por demás interesantes. Algunas de ellas se refieren a la inteligencia, a los relativos pocos recursos y a la sensación que da ver ciertos planos a cámara en mano. Ciertas escenas grabadas con una cierta falta de prolijidad que le llegan a dar un buen regusto artesanal al film.

Junto a esto tenemos el tema de las actuaciones. Jeje. ¡Y sé que si mucha gente leyera lo que voy a escribir ahora seguramente sería para lío! Pero es que me ha sorprendido encontrarme con lo bueno que está el film siendo tan malas las actuaciones. ¡Y no se me malentienda! Con esto no me refiero a que la Deneuve “sea rara”; me refiero, por ejemplo, a los exagerados movimientos de boca que en determinado momento le vemos hacer; a ciertos silencios y “paros” en las actuaciones (como ser la de su hermana) que al menos a mí me evidencian lo ficcional del film. ¡Lo extraño del caso está en que no le reste nada de mérito!

Y es que así podríamos mencionar a la (por momentos) contrastada fotografía que, si bien muy entendible, tiene también cierta “desprolijidad”.

Esto no le quita nada de mérito a los aspectos netamente positivos que nos encontramos; empezando por esos ojos donde (seguramente no se me entienda... pero bueno) ya no queda mirada, al conejo, a las monjas o al trabajo de texturas que empiezan a hacer que lo solido sea líquido, que lo inanimado cobre vida.

Además de esta desrealización hay algunos aspectos en este guión que a mi me han llevado a pensar en cierto pesimismo recalcitrante que Kubrick debía tener (¿también?) metido en las entrañas... Un aparte: ¿vieron que Polanski actúa en “Ojos Bien Cerrados"?... Y con esto del pesimismo no me refiero a otra cosa que a lo que, por ejemplo, pasa con el propietario del departamento que las hermanas alquilan...

En fin. Creo que ya habré dado una idea. Estamos ante un film muy valeroso que al día de su estreno representó un estremecedor y relativamente realista acercamiento a la locura (¡Podríamos mencionar también a “Un Tranvía Llamado Deseo” ¿no?) siendo presentado como un film de terror que, se podría decir, ronda más por lo que sería el drama psicológico (hoy en día ya más desarrollado... por ejemplo en la reciente “La Isla Siniestra”, la mencionada “La Pianista”, en “Una Mente Brillante”, “Julien Donkey Boy”, “Angel Baby”, “Claroscuro”, “Perfect Blue”, o la vieja y querida “Psycho”, etc.) y es uno de estos ejemplos que juntan dos tópicos: Cine y locura. Una historia contada de forma “barata” y con cierta “desprolijidad” que gracias a la gran inteligencia de quien se consagraría posteriormente como autor (Polanski) logra llevarnos por algunos pasillos oscuros que se van encerrando, estrechando... tocando algunas fibras que... que podría ser molesto sean tocadas. Una problematización grande (inteligente, relevante y que podría ser vista como bien “crítica” y “ética” para con su sociedad en su momento) respecto a la belleza, a la sexualidad, a lo masculino, lo femenino y las relaciones discursivas y visuales que se dan (pero paro jeje... ¡que se me sale el Foucault!).

En fin. Ya entenderán: Un film que les recomiendo mucho porque realmente (considero que) está muy bueno.

Aquí pueden ver el Trailer con Subtítulos. El mismo tiene la ventaja de ser interesante en un sentido histórico y de dar cuenta de lo que la película significó (o se pretendió que significara) en su momento.

“Sólo un sueño” de Sam Mendes

2010-07-06T00:00:00.005-02:00

Película del 2008 del director que llevó a la pantalla, como opera prima, a “Belleza Americana”. La misma es protagonizada por quienes, después de “Titanic” se vuelven a encontrar: Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. DiCaprio en algún momento dijo respecto a ésta película algo así como “¿qué hubiese pasado si la pareja de Titanic hubiese podido construir su vida posteriormente a la tragedia del barco? De eso se trata ésta película...”

Habrá que reconocer que una afirmación así hace que ya nos venga, de un sólo tirón, una idea bastante completa sobre “el qué será” ésta película. Esto pese a que las épocas son un poco diferentes: Pues en "Titanic” todo (bueno... la gran mayoría...) ocurría en 1914, mientras aquí nos situamos en la década del 50. Específicamente en Connecticut.

La película empieza y vemos a los protagonistas verse (¡valga la redundancia!) en un baile donde terminarán a las risas. Posteriormente nos encontramos en el estreno de una obra teatral (ella llegó a comentar que quería ser actriz). Ya habiéndonos enterado que los muchachos están casados volveremos en el auto con ellos. Se da una discusión (pues la obra fue pésima) que es bastante fuerte y marcará ya un par de cosas.

Por un lado, “no es la típica película de Hollywood”. Por otro, es dramática y aborda problemáticas que podrían ser de la vida cotidiana.

Así nos enteraremos que éstos dos viven en “Revolutionary Road” (título original del film) y que en su casa también viven dos niños (sus hijos).

DiCaprio tiene, como muchos, un trabajo que no lo llena y, visto que son (o se ven) algo “especiales” para el contexto surgirá una idea: Irse a vivir a París. Dejar la vida que no los llena ni los conforma y dar un real cambio a su vida.

Podríamos decir que ésta es la premisa argumental que hará despegar a la historia.

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Por lo hasta ahora dicho ya tendremos un par de datos sobre el film: es una adaptación de época y tiene a dos estrellas como protagonistas (no estará de más decir que al momento de hacerla la Winslet [“Titanic”, “Finding Neverland”, “El Lector”] estaba casada con el director).

A cargo de la producción tenemos a Bobby Cohen, Sam Mendes, y Scott Rudin. Quien se encargará de iluminarla no es otro que el gran Roger Deakins. El guión se lo debemos a Charles Leavitt y está basado en la novela homónima de Richard Yates.

A pesar de todos estos elementos, que podríamos considerar buenos indicadores, he de decir que, a mi entender, el resultado ha sido fallido. Y no es porque falte esfuerzo de estos dos actores a quienes aprecio y respeto, a pesar de que podríamos preguntarnos si el rostro de DiCaprio se acopla al de un adulto trabajador con esposa y dos hijos que lleva unos buenos años en su tediosa labor. De hecho no sabría decir bien a qué se debe.

Puedo pensar, por un lado en la dirección de Mendes o en problemas tanto en las actuaciones como en cómo se nos presentan los personajes y las actuaciones.

Mi sensación ha sido más o menos la siguiente: El trecho principal del film se sostiene, digamos, bastante bien. Pero después, cuando el drama empieza a ponerse más serio es como que no se logra dar con el tono. Para mí, allí hay problemas de dirección y bueno, el resultado (a pesar de tener algunas cosas buenas referidas, por ejemplo, al hijo de la señora Givings [representada por Kathy Bathes, que también estaba en “Titanic”]) no llega a ser “desastroso”, pero si inadecuado.

Hablo desde mi sensación: Es como si al director le faltara cierto “tacto” a la hora de abordar una dramática que nadie duda esté bien (y muy bien) llevada en la novela, pero que aquí termina resultando poco creíble e incómoda. Jeje, pienso: ¡Le falta Bergman al muchacho!

Y, así como (me) pasaba en “Tránsito” se nota la buena intención, pero esto no parece bastar.

¡Pero bueno! Hay ciertas cosas que no son muy salvables a pesar de la buena fotografía (a pesar de que Deakins está bastante tímido aquí) o la música (Thomas Neweman) que en momentos parece “enchufada”. Hay algo que no funciona y pareciera ser que si debiésemos atribuirle la responsabilidad por tal cosa a alguien sería al director, creo...

Pero, en fin; el hecho es que no se las recomiendo.

“Blow Out” de Brian de Palma

2010-07-03T00:00:00.015-02:00

También conocida como “Impacto” hablamos de una película de 1981. La misma es posterior a “Sisters”, “El Fantasma del Paraíso”, “Carrie”, “Furia” y “Vestida Para Matar”. A su vez es anterior a “Scarface”, “Doble de Cuerpo” (con la cual tiene muchísimos puntos de contacto) “Los Intocables”, “Carlito`s Way”, “Misión Imposible”, etc.

Varios cinéfilos que se precien de serlo saben que hablamos de la que podría ser denominada como la mejor etapa del director en lo que a su filmografía respecta. Pero, acercándonos a la película nos encontraremos con que la misma es protagonizada por John Travolta (muchos dicen que en su mejor actuación, lo cual yo no me animaría a terminar de afirmar, pero Travolta, después de su colaboración con el director en aquel pequeño papel de “Carrie” realmente cumple) y la genial Nancy Allen (quien fue esposa del director y también tiene un papel con algunas características similares en “Vestida Para Matar”).

Estamos ante un film que podríamos denominar como thriller o película de suspense; pero sin que falte esa veta crítica, divertida y gamberra que De Palma ha sabido poner en pantalla. A su vez, habría que decir que estamos ante uno de sus films “más completos”, “más perfectos” y a su vez (y con esto no se entienda que estoy develando algo de la trama) “más desencantados”.

A su vez, se podrán ver aquí las inevitables resonancias hitchcockianas en el cine del director (y ya estaremos en problemas con quien se anime a reducir a De Palma en una afirmación de “copión”) que también toman contacto con el film (de nombre muy parecido) de Antonioni (basado en cuento de Cortázar) que es “Blow Up”.

Pero más allá de estas consideraciones (que más o menos ampliaré) debemos decir que, a modo de sinopsis nos encontramos con un técnico de sonido (la primera escena es, a mi entender genial y se puede ver su contacto con “Doble de Cuerpo”) representado por Travolta. Él, junto al director (el personaje del director en la película) están preparando su quinta colaboración. La misma es de una película “Clase B” que sus hacedores saben, es una… (sinónimo: dícese de defecación de caballo) pero que a fin de cuentas ¡es su trabajo! ¡y lo que les permite vivir! Jeje.

En fin, que frente a una secuencia del próximo film a hacer hay una misión que se hace necesaria para el técnico de sonido: conseguir un buen grito (para una escena donde tenemos a una escultural rubia en una ducha que ve acercarse a sí una mano empuñando un cuchillo ensangrientado… y si… lo sabemos: “Psicosis”).

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Posteriormente nos encontraremos a este técnico de sonido de noche, en un parque que con un micrófono hiper dirigido (es como un teleobjetivo sonoro) está grabando sonidos. Árboles, una pareja que por allí pasa, un sapo, un búho serán sonidos de ese ecosistema llamado parque que Travolta irá grabando. Ahora, la cosa se hará problemática cuando a partir del ruido de un automóvil el muchacho vea como un vehículo se escracha contra unas barandas de un muro para ir a caer al lago que allí hay. Él saldrá corriendo y se lanzará al agua. Allí hay dos personas y él salvará a la chica (el conductor murió con el golpe del choque).

A partir de aquí ya nos encontraremos inmersos en la trama de este thriller que, ya podemos verlo, tiene elementos “ya conocidos” que vienen por distintos lados. Por un lado, el hombre inocente que se ve asediado por una situación que no lo es. A su vez, el elemento vouyerístico aquí pasa de ser el de la imagen (el mirón) para ser el del sonido (creo que en ese sentido este film tiene una importancia fundamental respecto a la cual dudo de que se haya podido tomar “debida” cuenta). Ambas cosas que vienen a ser los replanteamientos Palmeanos de tópicos Hitchockianos. Por otro lado, tenemos el elemento que la trama tiene en común con el film ya mencionado de Antonioni. El hombre, a través de su trabajo y “su arte” (en la película y cuento hablábamos de un fotógrafo) hace un registro, sin quererlo, de lo que es, posiblemente (al menos “tal vez”), un asesinato.

Respecto a la película podemos decir que tiene la música (empecemos por los oídos) de Pino Donaggio (colaborador habitual de De Palma que retoma los pasos de Bernard Herrmann en “Sisters”, “Vestida para Matar”, “Doble de Cuerpo”, etc) que, como siempre: Cumple.

Vilmos Zsigmond se encargará de la genial fotografía que tiene algunos momentos memorables, como ser el de un asesinato con una pared iluminada de rojo o el del rostro de nuestro protagonista iluminado por intermitentes luces azules, rojas y blancas (solo por mencionar y a modo de ejemplo).

Tendremos un montaje (y en la película no hablamos simplemente de “edición”, hablamos de “montaje”) de Paul Hirsch donde, entre otras cosas tenemos la habitual pantalla subdividida, un ritmo que en ningún momento para o pierde interés y una escena que es brutal. Y no me refiero a otra que a la de la “reconstrucción de lo escuchado” por parte de Travolta donde la labor del montaje (aunque inevitablemente también la de la dirección) se encuentra a un nivel que podemos catalogar con tranquilidad como de antología.

También hay que decir que estamos ante una puesta en escena en un todo brillante, que incluye ya sea las paredes del motel donde nuestro protagonista irá a parar con una chica, como planos aéreos donde seguimos con la vista un auto que pasa por en medio de gigantes edificaciones y prominentes desfiles. A su vez, ya tenemos aquí un antecedente de la escena del shopping (otra de antología) que se da en “Doble de Cuerpo” y que nos habla del impresionante diseño de producción que este genial De Palma ha sido capaz de llevar adelante.

La película figura como escrita y dirigida por De Palma y realmente, al menos yo la considero muy cercana a una Obra Maestra.

Ahora, me puedo imaginar a alguien leyendo y diciendo: “Bueno, entonces estamos ante un peliculón que si no llega a obra maestra anda cerca.” y, si bien a tal afirmación yo no le podría rebatir nada hay algunos problemas que surgen y en los cuales me veo en la necesidad de pensar.

Debemos decir que posteriormente al éxito que significó “Vestida Para Matar” de Palma realiza este film. Con mucha libertad realizó una película que tanto en términos técnicos, como de guión o referenciales ronda la excelencia. Además, protagonizando tenemos a Travolta, carita que tal vez asegurara aún más la respuesta del público.

Pero, ¡ho! a contracorriente de lo esperable, la respuesta en taquilla fue espantosa (lo cual podría llevarnos a pensar que es lógico que años después De Palma se esté preocupando más por hacer películas rentables que buenas… pero eso sería para un capítulo posterior) y no queda otra que (al menos habiendo apreciado positivamente la película) nos lleve a preguntarnos “¿Pero cómo ha sido tal cosa posible?”.

Por un lado me veo llevado a pensar en que la perfectibilidad del film en prácticamente todos los aspectos que lo conforman no nos permiten llegar a empatizar totalmente, ni a vivir “emocionalmente” la película. O, sea, se me ocurre que, de alguna forma es todo tan brillante, todo está tan bien armado que el espectador “casi no tiene lugar donde jugar”. ¿Se entiende? Es una idea extraña y recién se me ocurre, pero yo no me apuraría a descartarla.

Por otro lado, tenemos al personaje del técnico de sonido. El mismo tiene algunos aspectos en común con el personaje del “brillante hijo” de la película predecesora. Y es que, este joven brillante que preparaba su modelo para la ferie científica en la escuela y se verá teniendo un papel relevante en la trama de “Vestida Para Matar” es, en muchos sentidos, bastante parecido a De Palma.

A este respecto (y por lo que voy a decir) debo avisarles que en general no me gusta meterme demasiado con la vida de “los directores” o “las personas de cine”. Pues, a fin de cuentas lo importante es lo que se pone frente a nuestros ojos ¿no? (jeje, ¡¿cuán vouyeristas seremos nosotros?!). Pero, en fin, aquí va lo que está rondando por mi mente: De Palma, no solo al igual que el personaje de la película mencionada parece haber sido un joven brillante que participó en alguna “feria científica”. Hay otra cosa que me he venido a enterar del director y que también se presenta como muy relevante.

Un día, el joven (creo que tenía como 16 años) se entera de las sospechas de su madre respecto a que su padre está teniendo una relación con otra mujer. Así es que al día siguiente el joven toma una cámara y sigue a su padre (“Vértigo”). Así es que este muchacho presenta pruebas fehacientes de la infidelidad del padre ¡¡¡!!!

Otra historia que me viene a la mente es la de una anécdota que una vez escuché: Parece que una pareja fue a ver un documental al cine, el documental era del país y en un momento se hablaba sobre la prostitución. El tema es que tal cosa había sido ilustrada con alguna imagen y en la dicha imagen aparecía un auto, el auto de la pareja. El hecho es que la esposa se enteró por este medio de ciertas acciones de su esposo y esto llevo al divorcio.

Es aquí donde me parece muy relevante (e interesante), e incluso les diría que me da algo de miedo, el abordaje que se hace aquí (y no es la única que película de De Palma que lo hace, ni De Palma el único director que aborda las complejas relaciones entre ficción y realidad). Y es allí donde la relevancia y el significado de “ese grito” toman un papel, a mi entender, tan fundamental.

Pero, jeje, tal cosa no se las puedo explicar. Ustedes han de ver la película para entender tal cosa, si quieren.

Película que por otro lado es a un mismo tiempo joyita y peliculón, una obra monumental de un director brillante en su mejor momento y que yo les recomiendo emocionado.

“Atrápame si puedes” de Steven Spielberg

2010-07-01T00:00:00.015-02:00

Película del 2002 dirigida por (mal por quien le pese) un grosso que es Steven Spielberg. Se ha dicho que esta película, junto a “Inteligencia Artificial” y “Minority Report” conforma o podría conformar una especie de trilogía. No es de mi interés meterme con tal tipo de consideración, pero si ha de tenerse en cuenta que hablamos del director de éstas dos y de otras varias películas: “Tiburón”, “Encuentro Cercano del Tercer Tipo” (a este respecto creo que sería interesante revisar, aunque sea como curiosidad, lo que hay en el blog sobre “El Cuarto Tipo”), “Indiana Jones” (varias), “E. T.”, “El Imperio del Sol”, “Hook”, “Jurassic Park”, “La Lista de Schindler”, “Amistad”, “Rescatando al Soldado Ryan”, “La Guerra de los Mundos”, “Munich”, etc.
En fin, junto a este gran nombre en la dirección tendremos otros en el reparto. Nada más y nada menos que Leonardo DiCaprio (“Romeo y Julieta”, “Titanic”, “El Hombre de la Máscara de Hierro”, “Celebrity”, “La Playa”, “Gangs Of New York”, “El Aviador”, “Los Infiltrados”, “Diamante de Sangre”, “Revolutionary Road”, “La Isla Siniestra”) y Tom Hanks (“Despedida de Soltero”, “Philadephia”, “Forrest Gump”, “Apollo 13”, “Toy Story”, “Rescatando al Soldado Ryan”, “Tienes un Email”, “Milagros Inesperados”, “Náufrago”, “The Ladykillers”, “El Código Da Vinci”, “La Guerra de Charlie Wilson”, “Ángeles y Demonios”, etc) como protagonistas. Aunque también los estará acompañando por allí Christopher Walken (“Annie Hall”, “The Deer Hunter”, “Batman Returns”, “Amor Verdadero”, “Pulp Fiction”, “Antz”, “La Leyenda del Jinete Sin Cabeza”, “V de Venganza”, “Envidia”, “Man On Fire”, “Click”, etc).
Nos encontramos ante un film que “Inspirado en hechos reales” toma la historia de un tal Frank Abagnale Jr. Esta será una historia, un particular biopic (temprano, al menos) de la vida de un hombre que tenía algunas cosas del “Señor Ripley”. Hablamos de una especie de estafador dado en el arte de por ejemplo, falsificar cheques. El mismo que supo tomar la identidad ya sea de piloto de aviones, de doctor (en una clínica donde trabajó durante más de un año), de abogado, etc.
Un hombre muy especial que, lo más fuerte ¡realmente existió! De cualquier forma, ha de tenerse en cuenta que ya así como pasaba con “Una Mente Brillante” (también inspirada no solamente en hechos sino en una persona [un personaje también] real) la visión que tendremos frente a nuestros ojos no será exactamente como la real. Aclaración tal vez un poco tonta (jeje, pienso en la burla que frente a esto hacen los Coen en “Fargo”), pero bueno.
La situación que se nos presenta es la de un joven de 16 años (DiCaprio) que ve como se da el divorcio de sus padres mientras hacienda y algunos emisarios de la banca y/o el gobierno pretenden cobrar ciertas deudas que llevan al desbarrancamiento de “ciertas fantasías” de felicidad que, más o menos familiarmente, se habían forjado.
Digamos que esto será el punto inicial para que nuestro protagonista asuma, primero, el rol de profesor de francés y después, casi como quien no quiere la cosa; comience a hacer “movidas” que lo llevarán a actividades (ilícitas) como las ya mencionadas.

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Al ver un argumento con tales premisas creo que uno podría preguntarse “Bueno ¿Qué tipo de película será entonces?”. Puesto que la misma podría ser tanto un policial, como un drama o una película de suspenso ¿no?
Pero ¡Ho sorpresa! si tuviésemos que ponerle un rótulo genérico al film, seguramente el que más se acercaría a la misma sería el de comedia (¿dramática?).

Y es que nos veremos enfrentados a una serie de situaciones que son de por sí muy fuertes; pero algunas son tan, pero tan increíbles (al menos en la forma en que se nos presentan en el film, aunque es posible afirmar que seguramente haya sido parcialmente así en la vida real) que pueden dejarnos ya sea boquiabiertos, ya sea con una sonrisa pintada en el rostro.

Y es que ver que un “pibe” hace las cosas que este chico hace y algún ser real (también “pibe”) ha hecho resulta, cuando menos, en extremo sorprendente. A su vez, es muy llamativo en tanto el personaje logra y realiza cosas que, quiero pensar, a la mayoría de los mortales nos serían más o menos inimaginadas (o al menos irreales, nunca plausibles de salir de ese plano de lo que podríamos imaginar) mientras, a su vez, tiene cosas increíblemente “niñas” e “inmaduras”. Me explico: Ver a una persona que entrega cheques falsos, que logra hacerse pasar por doctor (estando a cargo de otros médicos) o abogado, que como un Don Juan controla, manipula y maneja las palabras de tal forma que no sólo se aprovecha de las gentes y las situaciones para su propio provecho sino que a su vez se hace querible y hasta cierto punto entendible es muy fuerte cuando pensamos en un chico pequeño que se siente triste porque sus padres se han divorciado y mantiene la fantasía de volver a su hogar (con ambos padres juntos), que lee cómics y ve películas en parte como divertimento y en parte como base desde la cual abordar la realidad: desde la fantasía (la escena “del juicio” es, a este respecto, no solamente “muy fuerte” sino hilarante).
Y es en estos rasgos tan peculiares de la personalidad de un personaje creado (amen de Spielberg y el guión de Jeff Nathanson) que al chocar (contraste pero también “particular convivencia”) con el agente del FBI se hacen tan especiales. Pues, el personaje de Tom Hanks que a todas luces se presenta gris y como la imagen que más o menos podemos llegar a tener del “hombre medio” se hace también muy fuerte. Esto debido a que, por un lado, funciona como contrapunto del chico, y por otro, por la extraña relación que entre ambos se establece (en la cual podemos encontrar algún que otro rasgo paterno-filial) y por otro debido a que este hombre termina viviendo (y a su forma admirando, al igual que nosotros en los 140 minutos de duración de la cinta) esa vida, ese mundo, esas acciones geniales y terribles que tal vez solamente la mente de un niño-genio podría, crear, maquinar y hacer funcionar.
De alguna forma se genera una especie de “transferencia” que nos permite, simplemente a través de la imagen del chico, vivir el mundo de forma diferente. Por otro lado, podríamos decir que él también ha sabido usar tal transferencia para “caracterizarse” como lo ha hecho. Creo que esto último es apreciable de forma patente cuando declara ante la chica que es doctor. Jeje.

Pero, en fin, resultará que estamos ante un film que a mi entender es muy ágil, muy ameno y muy original (al menos en argumento, que no en forma). Con una forma (ritmo, montaje) que como tal funciona y se hace lo suficientemente verosímil como para que la sigamos con ojos abiertos y sonrisas varias.

A su vez, hay que decir que en el plano actoral el film está muy bien (y, tal vez incluso para mi extrañeza a quien más destacaría sería a Walken).

El guión es inteligente y se aprovecha de la libertad que el “inspirado” le da para crear una fábula moderna que sin dejar de tener resquicios de realidad se va hacía otros parajes. Pese a esto se ha de tener en cuenta que estamos ante una efectiva adaptación de época que, coherente con la totalidad de la propuesta, no duda en estilizar lo mostrado para ser efectiva bajo ciertos parámetros. Igual cosa pasa con la fotografía, me parece. Y creo que se podría decir esto también de la música, recurso que se usa de forma explícita para situarnos en ese Estados Unidos (y un poco de mundo) propio de la década de los 60.

En fin, creo que estamos frente a un valeroso film de entretenimiento que no por esto deja de ser una propuesta inteligente y significativa. Un film que nos lleva a compenetrarnos en su trama y que pese a su duración se hace una propuesta ágil y divertida de seguir.
Y no creo que estas cosas sean propias en sí del mainstream hollywoodense. Yo achacaría más razones a que estamos ante un film realizado en un aparato industrial pero por gente que tiene manos más bien de artesanos. Y dígase lo que se diga, yo creo que Steven Spielberg es un gran director de cine y creo que aquí demuestra.
Una película ¿muy? ¿bastante? recomendable.

“El Ángel Ebrio” de Akira Kurosawa

2010-06-29T00:00:00.020-02:00

También conocida como “El Ángel Borracho” hablamos de una película que se conoció en Japón en 1948 con su título original “Yoidore tenshi”.

“El Emperador del Cine” realiza una película donde tendremos como protagonista a un médico dado a la bebida y que vive en el medio de un barrio pobre con varias problemáticas. El está especializado en una de ellas, la misma lleva el nombre de tuberculosis. Veremos cómo atiende a varios pacientes, pero habrá una cierta historia que se empezará a desarrollar con uno, un yakuza conocido en el barrio que llega al doctor aduciendo que tiene una herida debida a un golpe. Esto constituye una mentira que quedará evidenciada cuando el (enojado) doctor le saqué de la mano una bala. Bala que marcará el inicio de una peculiar relación, pues, el doctor sospecha que este otro puede tener tuberculosis.

¡Y es que la vida de yakuza, de mafioso y mujeriego tiene también sus problemas! ¿Cómo encargarse de comer bien? ¿De descansar? ¿De no fumar? ¿De no tomar? Jeje. Se podría afirmar, en un sentido sanitario, que “el crimen no paga”.

En fin. Frente al film nos encontramos con otros elementos llamativos. Pues, que protagonizaría el film Takashi Shimura era algo más o menos sabido. Ese actor “relativamente feo” que protagonizaría esa obra maestra llamada “Vivir” (por no mencionar su papel en “Los 7 Samurais” o el inicio de “Rashomon”) haría aquí (unos años antes, donde ya nos encontramos con un Kurosawa activo) de doctor.

Pero, en el “cast” del film aparecerían cierta sorpresa: Un tal Toshiro Mifune se presentaría para actuar. Habiendo ganado el papel de mafioso automáticamente este hombre que devendría en actor impresionó mucho a Kurosawa. Es el inicio de una fructífera relación cinematográfica (y me atrevo a pensar que, de una gran amistad).

Y es que Mifune, quien había participado en la Guerra (recuerden: hace tres años había finalizado la Segunda Guerra Mundial y era, justamente en Japón, donde un par de bombas con forma de hongo habían explotado) llegó a usar “cierta demacración” allí vívida para componer este papel. Papel que funcionó tan bien que fue ocupando más minutos en el metraje. ¡Incluso Kurosawa se tuvo que ver en la disquisición de sacar minutos del personaje de la versión final del film, para que no desequilibrara al protagonista! Jeje.

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En fin, en lo que a la trama respecta podemos agregar que en la relación (no exenta de humor ni de cierta violencia más propia de una relación amor-odio) entre los dos protagonistas empezarán a haber idas y vueltas. Pero así como seguimos a estos personajes seguimos a la vida de esa comunidad, unida a través de una especie de laguito que ha devenido en basural y en reservorio de enfermedades, en metáfora (y no) de los tiempos que corren.

Algunos problemas se darán cuando un maleante de la mafia local vuelva a los barrios después de salir de la cárcel. Pues, había dejado una mujer (que ahora ayuda al médico en su labor) y nadie sabe muy bien que hará, con qué actitud estará al salir... Solamente diré que “habrá problemas...”

Ya adentrándonos en un análisis de los diferentes aspectos de la película podríamos decir que estamos ante una película que podría considerarse como una especie de mezcla de neorrealismo (estamos a muy poquitos años de “tal movimiento cinematográfico” en Italia) y film noir (tomando, por supuesto, algunos elementos de expresionismo alemán, especialmente en la fotografía). Tenemos actuaciones muy “niponas” con esa expresividad (y esos “saques” típicos del país) propia del cine de Kurosawa en sí, mezclados en una historia que más allá de su enmarcamiento en tiempos y situaciones concretas logra esos vicios de internacionalidad que Kurosawa alcanzaría de forma aún más completa en filmografía posterior (y, también, próxima). De cualquier forma, “¡Ojo al gol!” pues es con este film que el director declararía “Me descubrí a mi mismo”. Para ir llevando ¿no?

En fin, en términos de fotografía, nos encontramos con la labor de Takeo Itô que, como ya he mencionado toma ciertos elementos del expresionismo alemán. Esto sobre todo para algunas secuencias de interiores (algunas nocturnas) que resaltan las emociones y las situaciones de forma inconfundible. Por otro lado, tenemos esos exteriores (y el lago es muy importante) y la confianza de estar ante un film donde no habrá elemento, encuadre o plano que no aporte al mismo. Pienso, por ejemplo en el viento que da sobre el lago, en el tren que se ve pasando desde abajo, anunciando el peligro, en el tumultuoso ruido de la ciudad, etc.

Así también será importante la labor de la música que, diegética por la mayoría de la primera parte del film después se atreverá a elevarse más para hacerse parte (extradiegética) de la totalidad que el film es y construye. A cargo de la misma tenemos a Fumio Hayasaka y también es muy destacable.

El montaje de Akikazu Kono será funcional a la historia y creo que lo que nos puede llamar la atención se refiere, más bien a los pasajes laterales entre escena y escena ya clásicos de Kurosawa.

El guión se lo debemos a Keinosuke Uekusa y a un Akira Kurosawa que se dedicó a investigar para la creación de ésta historia. Historia que de por sí está buena y puede jactarse de tener claridad. Claridad destacable la de Kurosawa fue también la que tuvo al llevarla a la pantalla.

Y es que, más allá de ser un film que puede ser considerado “clásico”, siendo de Kurosawa y en su primer colaboración con Toshiru Mifune tenemos algunos elementos que se destacan de por sí. Por un lado pienso en los elementos simbólicos que Kurosawa usa para contar la historia (ya sea la rosa o el lago, las posiciones corporales o la profundidad de campo), en los atrevidos encuadres (la variación de ángulos que habrá en determinados momentos será impresionante) y ese “expresionismo” dado donde se resaltan emociones ya sea en el maquillaje como en las actuaciones en contrastes o ángulos de cámara.

A ver... Sé que para quien lea esto todo podría estar sonando como “muy técnico”, pero hay que ver la película para poder apreciar la conjunción (y su funcionar tanto emocional como intelectual) en su fuerza. Jeje ¡Y para eso solo queda verla!

En fin. Ya se darán cuenta que este es un film que les recomiendo con ganas.

“Joint Security Area” de Park Chan Wook

2010-06-27T00:00:00.007-02:00

JSA es una película del 2000 realizada en Corea del Sur y a cargo de un director que posteriormente, gracias a la Trilogía de la Venganza sería muy conocido: Park Chan Wook. Su título original es “Gongdong gyeongbi guyeok” y la misma nos sitúa en una zona de conflicto: la división, el límite y frontera (que también podríamos pensar como punto de unión) entre las dos Coreas.

¿Qué dos Coreas? La del Sur y la del Norte. La del Norte históricamente comunista y la del Sur históricamente “capitalista” u “occidental”, meca actual de alta tecnología y de directores y filmes de gran valía. Uno de ellos el que nos ocupa.

A ésta película podríamos catalogarla en un primer momento como bélica, pero tal calificativo se hará problemático conforme al avance del minutaje del film.

En fin. Además de decir que en su momento recibió varios premios internacionales, que devino la película más taquillera en la historia de su país hasta el momento y que en el 2007 el presidente de Corea del Sur le obsequió el dvd del film al presidente de Corea del Norte podemos decir que la misma comienza partiendo de un incidente en la frontera.

El mismo, de alto voltaje (sobre todo en términos diplomáticos), por la tensa situación entre los dos países y sus fronteras.
¿Qué pasó? El tal incidente ha dejado dos soldados muertos y dos heridos. Esto es bastante problemático, pues cada uno de los países le atribuye al otro la responsabilidad por lo ocurrido. Pero el problema no está del todo claro. Además que es, de por sí, un incidente bastante problemático de por sí gracias a sus implicancias sociopolíticas.

Vista tal situación, ambas partes, ambas Coreas, dejarán la investigación a cargo de naciones neutrales: suizas y suecas. Encargada de la investigación resultará una joven suiza de bello rostro: Yeong-ae Lee. Ella es la Lady Venganza, quien personificaría al personaje del film que da fin a la trilogía arriba mencionada: “Simpatía por Lady Venganza”.

En fin, esta joven de rostro hermoso y mirada tranquila, que al correr el metraje irá demostrando algunas cualidades bastante particulares (como ser gran inteligencia) es la encargada de llevar adelante lo que empezará siendo una investigación pseudo-políciaca típica de cine negro.

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A su vez, ella aprendió el coreano en Suiza, donde vivió toda su vida y esta es la primera vez que llega a su país de origen. Sabemos que su padre es coreano y su madre suiza, pero no mucho más por ahora…

La chica comenzará la investigación y se encontrará con algunas incoherencias y contradicciones que surgen al contraponer los diferentes testimonios. Pues, tenemos un soldado que usó su arma. Sólo que los números no dan y hay una bala que sobra…

No es mi intención contar mucho más de la trama, pero creo necesario decir que la investigación (con una estructura bastante especial, que nos sumergirá en extensos flashbacks) llevará a que nos enteremos que (pese a que no sepamos bien qué pasó) soldados de guardia en la conflictiva frontera de ambas naciones, han hecho algo en un todo inverosímil: se hicieron amigos.

Creo que no conviene decir mucho más de la trama en sí. Me parece que estaría bueno que fuesen los interesados quienes se acercarán a ver cómo y qué es lo que pasó.

Sobre la película podemos decir que tiene a un elenco brillante que incluye a la mencionada Lady Venganza, así como a Byung-hun Lee (a quien podremos haber visto en “Cut”, el segmento de “Three Extremes”, o en “Hero”), a Kang-ho Song (uno de los más reputados actores de Corea del Sur, protagonista de “The Host” y quien tiene un papel importante en “Simpatía por el Señor Venganza”) y el cantante Tae-woo Kim.

Si tuviésemos que mencionar a un protagonista nos tendríamos que referir, por un lado a Byung-hun Lee y a la detective. A pesar de esto nos encontramos ante un film relativamente coral donde varios personajes tendrán su importancia y peso. Es de destacar el trabajo de todo el elenco y su pasaje por diferentes registros, los mismos que (cada uno siempre en su personaje) van desde escenas de extrema tensión y suspense hasta otros más humorísticos (por no decir que hay momentos donde es impresionante ver a estos adultos jugar tan “como niños”).

Respecto a la música y a la fotografía podemos decir que no se destacan. A ver, ésta frase no debe ser malentendida. La fotografía, en comparación al “virtuosismo visual” que Chan Wook mostraría en “La Trilogía de la Venganza” no se compara. Encontraremos bastantes paisajes lluviosos y una coloridad entre verde (militar) y embarrada (lo cual es muy correcto). En este sentido me hace recordar, aunque lejanamente, a otra película de un director surcoreano. El mismo, también genial (aunque de una forma diferente a Park Chan Wook), no es otro que Kim Ki-Duk y la película es “El Guardacostas”.

En fin, que ni la fotografía ni la música se han de destacar en tanto ambas están al servicio de la historia. Esto es positivo, puesto que ambas cosas le suman al film.

A su vez, habría que mencionar la labor de ese guión que tiene su complejidad y que, así como quien no quiere la cosa, va desenrollando una historia que, al menos, no será la que en un primer momento podíamos esperar. Con una estructura de flashbacks que van partiendo de lo que sería cine negro nos encontramos con otras cosas. El guión se basa en la novela "DMZ" de Sang-yeon Park y en su labor nos encontramos barajados varios nombres: Seong-san Jeong, Hyeon-seok Kim, Mu-yeong Lee y Chan-wook Park.

A su vez, creo que hay que tener en cuenta que gran parte de la importancia de este film está dada en relación al contexto y a la situación sociopolítica que aborda. ¡Je! Me acuerdo de Amos Gitai con el primer film judío que se filmo, en parte, en Jordania: “Zona Libre”, protagonizado por Natalie Portman, acompañada por ¡Carmen Maura!. Película con la cual, posiblemente fuera interesante hacer una comparación.

En fin, que creo que la importancia del film está dada también por tal situación. Así también el interés general que despierta y ha despertado y la reacción del público en taquillas.

Y a este respecto es importante decir que Chan Wook ya había realizado dos films anteriores que habían pasado sin pena ni gloria. Fue con este film que se hizo bien conocido en su país.

A su vez, hay que tener en cuenta que este licenciado en filosofía que ya había hecho críticas de cine no ha dejado de abordar (al menos en las películas que he visto) situaciones o comentarios de temáticas sino políticas si más o menos ideológicas (por ejemplo, la amante del sordomudo en “Simpatía por el Señor Venganza”).

También se podría hacer mención del particular sentido del humor que pertenece al director.

En fin. Estamos ante una película que considero muy buena. Ideal especialmente para quien le interese la situación de Corea. De cualquier forma hablamos de un film de temática más o menos universal que será de interés si uno se acerca. No es una obra maestra, pero si una muy buena película que resulta ideal contextualizar. En fin, se las recomiendo.

“Un Tranvía Llamado Deseo” de Elia Kazan

2010-06-25T00:00:00.008-02:00

Nos encontramos con una película, un clásico de 1951 dirigido en Estados Unidos por Elia Kazan. Kazan fue un gran director de cine que después de haber pisado las tablas (primeramente como actor y después como director) se hizo fama de gran director de actores, lo cual lo llevó a realizar trabajos para la gran pantalla. En esta época era en la que el señor estaba teniendo problemas con el McCarthismo (período conflictivo en Estados Unidos en el cual se había establecido el Comité de Actividades Antinorteamericanas que fue tras bastante gente en aquellos momentos relativamente oscuros [por ejemplo, gracias a tal cosa se llegó a acusar a Chaplin de “Comunista”]).

En fin, hablamos de una película basada en la obra homónima de Tennessee Williams, obra que en un principio se había montado en el teatro con (casi) la totalidad del elenco que vemos en pantalla. ¡Y qué elenco! Por razones “comerciales” cambio la actriz protagonista para la película. Pues, quien interpreta aquí a Blanche DuBois (nuestra protagonista) no es otra que Vivien Leigh (jeje, nada más y nada menos que la inolvidable Scarlett O`Hara de “Lo que El Viento Se Llevó”). A su vez tenemos en pantalla a un joven que será más conocido para el público contemporáneo y que a un mismo tiempo se hacía estrella, sex symbol y que entrega no sólo una interpretación inolvidable (y terrorífica, a su forma si se quiere) sino llena de músculos y una violencia inherente a unas máximas capacidades actorales bien explotadas. Me refiero a Marlon Brando.

Y no habría que dejar de tener en cuenta, por un lado, que fue Elia Kazan quien junto a Lee Strasberg fundó el “Actor`s Studio”; sino que además sería junto a él que alcanzaría fama otro joven que ascendió como estrella (y en el imaginario colectivo y fílmico nunca envejeció): James Dean.

Pero más allá de éstas consideraciones debiéramos decir que la película nos sitúa junto a una mujer pregunta por un Tranvía. El mismo tendría como nombre Deseo, pasaría por un Cementerio y terminaría en los Campos Elíseos. Este fugaz prólogo nos podrá dejar pasmaos así como la respuesta que se le da a una mujer: “Si, ahí está el tranvía.” ¡Y realmente se llama “desire”! Jeje

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El hecho es que Blanche DuBois se ha de dirigir a la casa de su hermana. Una casa en Nueva Orleans. Una Nueva Orleans muy distinta al mundo del cual nuestra protagonista y su hermana provienen. Ya en una primera secuencia vemos que en un bar con borrachos fuera hay peleas dentro, que casi la atropellan, que la gente habla a gritos y que las mujeres (así también los hombres) no estarán muy bien vestidas, por ejemplo.

Nuestra protagonista, sorprendida por este contexto, llegará así a la casa de su hermana. Su hermana vive en una vecindad con casas y vecinos apelotonados. La poca privacidad, así como un espacio con apenas dos espacios (semi-divididos) serán sorpresa de esta mujer que, a pesar del feliz re encuentro con su hermana no se ha encontrado aún con lo que será la mayor sorpresa del lugar: Su esposo. Este es un musculoso, soberbio y rudo Marlon Brando. Debo decir que, siendo la última película que vi de este señor “Apocalypse Now” es impresionante ver el físico que el muchacho tenía en su juventud.

Físico que estará complementado a una actitud totalmente autocrática, machista e impulsiva que se expresará mejor con golpes y gritos que con la enunciación de palabras. En fin… ¡el sueño de toda feminista! (jeje).

La chica en cuestión empezará a vivir con ellos, conocerá a un hombre maduro que podría ser un buen candidato para seguir un camino (pues nuestra protagonista enviudó joven y hace poco tiempo vio como se perdía la última propiedad que pertenecía a la familia). A su vez, su hermana estará embarazada y lo que iba a ser una visita más o menos corta (aunque no había una fecha de fin específica) se alargará, bastante dolorosamente si se quiere.

Hay que decir que las actuaciones son todas impresionantes, que cada uno de los actores tiene internalizado y comprendido a su personaje de una forma que hoy nos puede ser bastante sorprendente. Y así, la actuación tanto de Vivien Leigh, como de Marlon Brando, de Kim Hunter (la hermana) o Karl Malden serán bastante impresionantes.

Y bastante lo reconoció la Academia, pues tanto Leigh como Hunter y Malden se llevaron sus premios Oscar. A mejor actriz, mejor actriz y actor de reparto respectivamente. Algo tenía que haber en los métodos y la preparación del Actor`s Studio ¿no?

Sin embargo tenemos algunas otras cosas relevantes: Primero hemos de decir que nos encontramos en una película bien “de estudio”. Las locaciones no serán muchas pero la dirección artística del film no dejará por esto de ser bien interesante. A su vez, hay mucho diálogo, lo que junto a las locaciones nos permite entender y pensar que estamos ante una película que viene adaptada de una obra de teatro. Esto no hace que la historia caiga en ningún sentido, ni en términos de ritmo ni de potencia visual. Incluso más, se dice bastante solamente con la imagen y creo que podemos decir que el film llega a generar cierta claustrofobia (lo cual es totalmente lógico con la historia en la cual nos encontramos).

A su vez, se ha de mencionar también tanto a la gran fotografía (hay muchos juegos de luces, y es más, la misma está usada en la historia; ya que, por ejemplo, nuestra protagonista rehuye a estar “demasiado iluminada”) como a la música. Ambas en función de los espacios subjetivos, especialmente el de nuestra protagonista. La extrañeza que su conjunción puede llegar a alcanzar así como su potencia visual-sentimental-dramática-argumental no serán nada menores.

También, estamos ante un buen guión que seguramente provendrá de una buena obra.

Sin embargo, he de reconocer (téngase muy en cuenta que hablo más de medio siglo después del estreno) que me ha chocado algo que, por ejemplo, se le achacaba a Vincent Gallo respecto a “Buffalo 66”. ¿A qué me refiero? Al egocéntrico (y por mi, a pesar de esto muy admirado) director se le achacaba el pretender cierto realismo con buenas actuaciones y en locaciones reales pero con iluminación artificial (que nada tenía que ver con ese pretendido “realismo”). Aquí, a mi me ha pasado (no es la primera vez, otro ejemplo podría ser “El Quinteto de la Muerte”) que me ha chocado un poco el hecho de sentir “tan de estudio” a los lugares vistos. A pesar de que podríamos traer a colación a “Dogville” y preguntarnos si esto, a fin de cuentas, tendrá o no alguna relevancia ¿no?

Por otro lado he de decir que la película me parece buena y muy buena; pero, lamentablemente, no he sido capaz de considerarla-sentirla-vivirla como una “obra maestra”. ¿Le estaré pidiendo mucho? Podría ser…

¡No se me malentienda! La considero una película en extremo valerosa que aborda algunas temáticas bien interesantes y de forma interesante de por sí. He de decir también que me pasó de sentirme incómodo por esa claustrofobia progresiva... A su vez, tenemos los vapores de una sexualidad pseudo-incestuosa que hacen mella en una película que, justamente, en su momento fue un boom en tal sentido.

¿A qué me refiero? A que uno de los grandes méritos de la película y la obra fue abordar la sexualidad de forma tan directa y tan “poco metaforizada”. O sea, no estaría mal recordar lo que Buñuel llegaba a causar bastantes líos con “ese cierto abordaje de la sexualidad” que hacía en cines. Incluso, “Viridiana” que tanto revuelo causó, es una película de 1961 (¡diez años después!).

En fin, lo que quiero decir (y frente a lo cual me he de declarar un inepto simplemente por la perspectiva y el momento histórico en el cual abordo el film) es que ésta película tuvo mucha importancia en el tratamiento de la sexualidad. Es más, sólo se censuraron dos cosas. Una, muy relevante sobre el final (muy relevante a mi entender, pese a que el efecto de contundencia que el film logra es muy fuerte [aunque creo que con el otro lo hubiese sido más]) y otra sobre el marido hace años muerto de nuestra protagonista.

Por otro lado, creo que ésta película se destaca por el nivel del drama que trata (y en esto está incluido el cómo lo hace) y porque es una de esas películas que logra abordar (a mi entender) de forma maestra algo de esas relaciones muchas veces tratadas en el cine (aunque no demasiadas con el suficiente cuidado) correspondientes al cine y a la locura.

Sin decir más diré que les recomiendo el film. A pesar de ello no la considero, necesariamente, una película imprescindible pero sí muy interesante y que, a pesar de los elementos señalados considero que aparecerá como muy actual ante los ojos del espectador (del avisado y enterado, al menos).

“Amores de Diván” de Jan Prušinovský

2010-06-23T00:00:00.005-02:00

Parece ser que el título en español no es demasiado fiel a su original, el seguramente impronunciable (para mí) “Frantisek je devkar” y al cual si alguien es capaz de traducir desde el checo le quedaré agradecido. ¡Y sí! Hablamos ésta vez de una película venida de la República Checa.

República de la cual no se si he visto algún otro film aparte de la excelente y genial “Las Margaritas”, salidas de la mano de tiempos convulsos (pensemos por ejemplo en el mayo del 68) y de la “Primavera de Praga”.

En fin. Parece ser que por aquellos lares hay una costumbre de comedias. Y comedias con algunos personajes particulares. Personajes como mujeriegos empedernidos e “incurables” (¡Qué raro! Casualmente “Las Margaritas” es una película con dos mujeres protagonistas que, a pesar de su psicodelia tan particular [solo por meter un adjetivo] sentimos muy femenina).

En fin, aquí nos encontraremos con una comedia (¿o debiera decir “Comedia Dramática”?) donde también tenemos a un mujeriego. Pero, vayamos por partes.

Primero que nada se debiera aclarar que a todo psicoanalista (o paciente) ávido de conocer a que se referiría tal título hay que pincharle cierto globo antes de que (BOOM!) se pinche sólo. ¿Por qué? Porque poco tendrá que ver el film con el psicoanálisis en sí y… con los divanes (a pesar de que en un plano veamos uno).

Y es que nuestro protagonista aparecerá explicando que se va a Guatemala, que lo contrataron para ir a Perú o que tiene que viajar porque se murió su perro. Distintas razones más o menos delirantes se nos pondrán enfrente, estando él en un bar y teniendo como interlocutora a una chica. Luego a otra. Luego a otra. Y a otra. ¡Y otra más! Pero, en fin, a esta última le explicará que a pesar de haber empezado siendo ella su paciente tiene que ponerle fin a esa relación.

Y nos vendremos a enterar de que el señor en cuestión, más que psicólogo o psicoanalista es psiquiatra (¡igual que en "Stay"!). Y bueno, en términos argumentales se explicará que, no sé sabe bien si por “una extraña disfunción hormonal” este señor necesita sexo en demasía.

El despegue argumental se dará a partir de que se lo denuncie y no se le permita ejercer más (déjenme decir: ¡Por suerte!) su profesión.

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Y no se crean que estamos ante un hombre con el cual nos reiremos por lo que acabo de explicar. No. Estaremos ante una especie de energúmeno con lentes y barba que responderá con total tranquilidad ya sea cuando le digan que tiene que tomar un ómnibus o cuando lo estén acusando de romper con el Código de Ética Médica.
Será, este personaje representado por Josef Polášek un hombre con el cual no tendremos ni la más mínima posibilidad de empatizar.
En fin, a partir de lo ya contado, el hombre ahora desempleado (y después de pelearse con su esposa) es echado de su casa y va a lo de su madre, quien vive con su hermano. Ambos se verán trabajando juntos en una escuela de conducir.

Esta es la Opera Prima de Jan Prušinovský, realizada en el 2008. El joven que ha tenido participación profesional en varias otras cosas y ha estudiado en la Escuela de Cine de Praga pretende abordar varios problemas más o menos sociales y más o menos propios de los tiempos que corren. La pregunta, en todo caso sería ¿Lo logra?

Aquí voy a dar mi opinión personal. Téngase esto en claro pues, a pesar de que lo lamente, me veo forzado a despotricar…
Pues estamos ante un film donde los personajes no es que estén mal actuados, sino que aún peor; a mi entender están mal creados. No se alejan de estereotipos sociales y presentan un universo (tanto interior como exterior) bastante reducido. A su vez, no podremos entender algunos elementos que, posiblemente no sean precisamente “incongruentes”, sino que aparecerían como impuestos. ¿A qué me refiero? Por ejemplo: “Nuestro protagonista es mujeriego. Y ganador.” Pero no lo vemos ganar o hacer si quiera un esfuerzo por acercarse (tanto sentimental como corporalmente) a alguna chica en imágenes. Así, sería impuesto el antagonismo que en tal sentido se genera con su hermano o “lo dominante e invasiva” que es la madre (actuación donde tenemos una mujer más o menos vieja que simplemente recita el diálogo [aunque en tal sentido no hay nada que achacarle] de forma impuesta). ¡Y así con todos los personajes! ¡Y así con la frialdad general del film! En el cual, si existe algún cambio por parte de alguno de los personajes (como ser nuestro protagonista) no podemos notarlo, debido a que no se nos lo muestra. O sea, en ningún momento podemos tener un acercamiento cabal que nos permita hilvanar una cierta comprensión, a menos que ésta venga impuesta desde el (maniqueo) guión.
Podríamos decir, tal vez, que la única que se esfuerza por gestualizar un poco es la (ex)esposa del protagonista. Pero justo ella ¡No es verosímil!
Todo esto me lleva a pensar que estamos ante un grave problema que parece tener una sola denominación: Mala dirección de actores.

Pese a tal cosa, podríamos pensar… “Bueno, pero entonces el guión está bueno.” ¡Y no! No lo está. ¡Incluso diría que es peor que las actuaciones (a las cuales, en última instancia, las podríamos colocar por sobre un “regular”). Pues, a este guión le debemos tantas gratuidades e imposiciones, una “cantidad” tan baja de inteligencia a la hora de pensar ya sean situaciones, como personajes o gags, que lo único que podemos esperar será la música, la fotografía o el ritmo.
Y con el ritmo hemos quedado afuera, pues la misma “lentitud mental” de este guión se nos pone en la cara gracias a un ritmo con intermedios musicales que estará pasando de situación en situación (cada una mala por cierto).
En términos de fotografía, a pesar de la poca iluminación (se nota, en este sentido que no hubo demasiado presupuesto) podríamos esperar algunos ingenios. ¡Pero no! Tenemos encuadres hechos a lo “Bueno, ahora tenemos tal diálogo… Mostrémoslo”, sin preocuparse en ningún momento por “componer”.
O sea, se puede hacer una película de planos fijos con cuadros que no parezcan la gran cosa. Pero si tal cosa se hace, habría de estar sirviendo a algo. Y aquí esto no pasa, solo nos introduce y ayuda en una refunfuñante (nuevamente: mi caso) embolia.
La música enfática y poco imaginativa estará sirviendo de intermedio y estirando este largo de 83 minutos (¡al menos dura poco!).

La verdad, a mi entender nos encontramos con una película lamentable, tanto como película europea, independiente o de entretenimiento (“pretende ser vendida como comedia”). A su vez, me vine a encontrar con que su director viene a explicar con palabras (y por fuera de la película) lo que había pretendido hacer con la misma. Tal vez, se me ocurre, tratando de rescatar los restos de este enorme náufragio (que ha dado pocas brazadas para no ahogarse) cinematográfico.

“La Noche de San Lorenzo” de los Hermanos Taviani

2010-06-21T00:00:00.008-02:00

Ésta película nos introduce, casi a modo de cuento infantil, en una historia, en una noche. La noche de San Lorenzo es la del 14 de agosto y se supone que en ella se pueden ver estrellas fugaces (al menos en Italia, supondremos) a las cuales podemos pedirles deseos que se han de cumplir. Más allá de toda verdad (o no) de tal afirmación, en este film nos encontramos con que se cumple el deseo. El deseo consiste en contarnos ésta historia, que ocurrió en una de éstas noches, pero muchos años atrás…

Así, nos vamos con la imagen al pueblo de San Martino. Este asediado por los alemanes y la inminencia de una amenaza constante representada por camisas negras y bombardeos tiene que tomar una decisión. Parece ser que el día de la liberación está cerca (nos encontramos en 1944) y el cura del pueblo avisa que, para estar fuera de peligro, los pobladores han de juntarse en la iglesia del pueblo. Pues, si no, si se encuentra a algún civil que no esté allí en el momento indicado se le disparará a mansalva. Por otro lado, hay una hora para las explosiones, puesto que las casas de los lugareños han sido minadas.

Ante tamaña situación surgirá un grupo de disidentes que, algunos por diversas razones, no consideran conveniente el refugio propuesto por los fascistas (la Iglesia). A partir de tal cosa nos encontraremos con la conformación de dos grupos: 1. Los disidentes con los cuales estaremos la mayoría de la película y 2. Los que van a la catedral.

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En fin, nos veremos recorriendo caminos campestres de esa Italia, a oscuras y de noche con un pueblo en extraño éxodo. Con personas vestidas de negro para camuflarse mejor, en una tierra conocida y querida que se torna, como las personas en la guerra, amenazante.
Amenazas que a su vez están determinadas por el advenimiento de la esperanza. La guerra está por terminar y se habla de la conquista del ejército aliado, de los americanos y del derrocamiento de los fascistas que, aún no una realidad, parece muy posible.
Es interesante lo que se ha planteado al principio. A algunos pobladores se les ha dicho: La meta es sobrevivir.
Y esa será, también, la pregunta (y premisa argumental): ¿Sobrevivirán?

Diré que la historia está contada desde la perspectiva mágica y más o menos inocente de una niña de seis años en aquel entonces. Esto hace que la historia tenga algunos ribetes de diferente índole, como ser oníricos o surrealistas, mezclados con algunas de las realidades más extremas que se pueden apreciar y vivir (tal vez aún más si la perspectiva es la de un infante) en una guerra.
En términos argumentales ya se habrá entendido por donde va ésta historia.
Historia realizada por los Hermanos Taviani, un par de hermanos italianos que han sabido ser de los más importantes de su país en lo que a cine refiere. A ellos les debemos, por ejemplo, “Padre Padrone” o “Good Morning Babilonia”.
Junto a ellos, en el guión, nos encontraremos con la colaboración de Tonino Guerra (que ha trabajado con Fellini y Tarkovski, entre otros).
A cargo de la fotografía nos encontramos con Franco di Giacomo y, en tal respecto, es a él a quien le debemos algunos momentos bastante interesantes (tengo mis sospechas de cómo se hizo, pero me parece que puede estar bueno que nos preguntemos ¿cómo se han filmado algunas de las escenas nocturnas?).
A cargo de la música tendremos a Nicola Piovani, destacándose la misma, a mi entender, particularmente en momentos (por ejemplo: cuando vemos a alguno que va cantando).
En el elenco encontraremos a nombres tales como Omero Antonutti, Margarita Lozano, Sabino Vannucchi, Massimo Bonetti, Claudio Bigagli, Norma Martelli. Respecto a las actuaciones debo decir un par de cosas: Por un lado, estamos ante un film coral, donde si bien encontramos a personajes (y actores) importantes no encontramos a ninguno que podamos catalogar como protagonista absoluto. Esto nos lleva a un elemento que yo creo fundamental a la hora de entender el film y que refiere a que, a mi entender, el único protagonista absoluto del film es, realmente, el pueblo, la comunidad de San Martino como tal.
Por otro lado nos encontramos con lo que es ya, a mí entender, uno de los grandes problemas del cine italiano: Las actuaciones. Y no es que aquí las mismas estén mal o poco creíbles, pero siempre aparecen elementos “que se resbalan” y que, al menos momentáneamente logran sacarnos de éstas ficciones. ¿A qué me refiero? Por ejemplo a que la voz que escuchamos no esté sincronizada con la imagen.

Lo que yo me llevo en claro a partir del visionado de dicho film son un par de cosas. Por un lado algunas escenas que considero, de por sí, de antología: como ser la del pueblo sentado en la fuente, escuchando explosiones lejanas; o el momento en el campo de maíz cuando se da la escena “más bélica” del film. La misma que tiene elementos impresionantes.
Por otro lado hay que decir que este es un film totalmente complementario a “Novecento” de Bertolucci; y que tal vez más que el otro, de cuenta de la función del “memorar” y del “recordar”.

A pesar de sus grandes puntos a favor también tiene algunos que podrían verse en contra. Respecto a los mismos creo que hay quien podría decirme “Pero esas cosas no son importantes para la historia” o “No es relevante”. Pero hablamos de elementos que, por ejemplo, en un film de Hollywood (aunque no solo ni necesariamente) yo me encontraría señalando. Además de que a la hora de rodar, se supone, hay varios problemas que se pudieron haber “ahorrado”. ¿A qué me refiero?
Me refiero a detalles que tampoco hacen en sí a la historia; me refiero a detalles como a la sincronización de las voces y a problemas de continuidad más o menos graves. Básicamente eso.

También creo que estamos ante un guión bastante especial con una estructura particular que, si bien no es “maestro” logra mantenerse a sí mismo y a nuestro interés.

En fin, yo este se lo recomendaría a algunos como un film digno de ver, siendo propio de temas y personas (el pueblo italiano, la segunda guerra mundial, el cine de los hermanos Taviani). O sea, lo considero un film muy interesante, siempre que esté el interés.

“Crazy Heart” de Scott Cooper

2010-06-19T00:00:00.006-02:00

Si traducieramos literalmente podríamos decir “Corazón Loco”, aunque también podemos conocer a ésta película por “Corazón Rebelde” o “Salvaje”.

Película del 2009 proveniente de Estados Unidos, Opera Prima de un director que fue actor (y, a mi entender se nota). Con un Jeff Bridges protagonziando un biopic de un ser inexistente pero que logra ser (re)creado de forma bastante creíble. El mismo que ha asumido su nombre artístico: Bad Blake.

A modo de sinopsis podríamos decir que el señor Blake es más Bad que señor y que en algún momento fue un reconocido cantautor de música country. La misma que tendrá su peso durante la película, aunque por suerte no el suficiente para aburrirnos con “canciones”. Pues, ante todo estamos ante un drama.

Drama debido a que nos encontramos a un ser que alguna vez fue “alguien” y que hoy en día, alcohólico e irrespetuoso más que talentoso se nos hace deprimente. Aunque hay que reconocerlo: Cuando toca toca.

Este ser de rutas que va de un pequeño concierto a otro parece algo perdido. Tal cosa se hará evidente cuando una reportera tratando de dar sus primeros pasos le haga una entrevista. Ella será interpretada por Maggie Gyllenhaal, quien logra una actuación realmente buena, creible, humana.

En fin, nos podemos sentir asqueados ante el hedor alcohólico que nuestro protagonista irradia a la hora de recibirla con la panza al aire. Pero algo pasará… Una cierta relación sentimental se dará y algunas cosas podrán cambiar… Pero ¿lo harán?

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Pienso que, como muchos, al principio del film me sentí consternado, enojado. ¿Por qué? Porque los rasgos comunes entre ésta película y la anterior “El Luchador” de Darren Aronofsky saltaban a la vista.
Tenemos un personaje que está de vuelta, aquí interpretado por un actor pesado que había brillado en algún momento con su música. En el otro film también nos encontrábamos con un actor pesado (literal) que había brillado en algún momento con sus shows (de lucha libre).
¿Y qué vemos en ambos? Una vida vacía y sin sentido, náufraga, que vive de los restos de un pasado añorado, personajes solitarios y “de vuelta” (eso sí, interpretados cada uno por “grandes actores” [aunque si nos pusiesémos a comparar la “grandeza” de cada uno podríamos encontrar bastantes diferencias]) que se encuentran en un camino de autodestrucción, sobrevivientos con desordenadas y desconexas piezas de un puzzle que no se termina de armar. Y a su vez, en ambas, una pregunta. Una pregunta y una premisa argumental que tanto nosotros espectadores como “esas musas” (en la otra es Marisa Tomei) nos haremos. ¿Habrá salida para estos?
Películas sostenidas argumentalmente desde un registro “testigo” de un proceso que abre una sola pregunta que nos ha de servir como motor principal para seguirla ¿Qué LE pasará al protagonista?

Debo decir que a pesar de éstos inevitables (e impresionantes realmente) parecidos entre ambas podremos descubrir, a su vez que hablamos de películas distintas (a pesar de que de forma más o menos inevitable una comparación entre ambos films surja de forma bastante espontánea si hemos tenido oportunidad de verlos).
Entre sus diferencias nos encontramos aquí con un registro que en términos formales (especialmente en lo que a la cámara y encuadres refiere) supera a su predecesora. Con una puesta en escena que seguramente también, así como una fotografía que gana, aunque por poco (la de “El Luchador” no estaba mal). Sin embargo, ninguna parece hacer un aporte mayor en ninguno de los aspectos referidos.
Sí, creo que le podemos agradecer al film que nos ocupa no dar tanto énfasis a la destrucción de nuestro antihéroe involuntario.
El guión en ambas, en términos estructurales, será más o menos parecido. Aunque aquí (tal vez gracias a la menor cantidad de colágeno en el rostro del protagonista) tenemos un registro sentimental bastante más elevado.
Y es que, es este el gran punto del film (junto a la música de T-Bone Burnett, oscarizada). No sólo tiene un reparto de relativo ensueño que incluye a Robert Duvall, a Colin Farrel, a Maggie Gyllenhaal y al protagonista. Sino que tanto Duvall como Farrel lográn en sus cortas apariciones una credibilidad muy grande (y debo decir que Farrel me sorprendió para bien). Pero el crédito se lo ha de llevar la chica que actuaba en “El Caballero de la Noche”, “Donnie Darko”, “El Ladrón de Orquídeas”, “World Trade Center” y “Más Extraño que la Ficción”, por lograr crear un personaje tan simple y tan complejo, tan real. Quien (hay que decirlo) logra entablar una relación y una química en la actuación muy importante con Jeff Bridges.
Jeff Bridges que después de haber tenido una prolífica carrera se lleva la estatuilla del Oscar, gracias a una realmente buena actuación en la cual también se encarga de cantar (¡Y lo hace muy bien!).

En fin, siento que con estos comentarios no estoy diciendo nada nuevo. ¡Pero es que no encuentro más que decir! Creo que estamos aquí ante una película bastante poco original, pero que logra erigirse en especial gracias al peso de los actores y sus buenas actuaciones (lo cual me hace pensar: ¡Claro! ¡Es lógico que el director fuese actor!). Con un guión, fotografía y etcéteras que no aportarán demasiado; pero que tiene muy buena música, un especial palpitar emocional y la pequeña grandeza de animarse a contar una historia más o menos “cotidiana” o “posible” (o, al menos donde el espectador más o menos maduro, gracias a las “cargas del pasado”, podrá proyectar bastante).
En fin, es una película que recomendaría pero con cierto cuidado, empezándo por descartarla para personas muy cinéfilas y tal vez sí recomendándoselas a personas que estén “de vuelta” (como en el tema de Jarabe de Palo) o que estén cerca de un momento de replanteos.
Lamentablemente, por los demás aspectos (exceptuando nuevamente a la música) creo que no es una película bastante olvidable, sino una película que en unos años ha de haber quedado bastante olvidada (que no es lo mismo).

“Papá está en viaje de negocios” de Emir Kusturica

2010-06-17T00:00:00.016-02:00

Película de 1985, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, nominada a mejor película de habla no inglesa en los Oscar. Hablamos del tercer largometraje de este señor que se ha demostrado prolífico y que ha evolucionado en sus formas de hacer y de decir. Señor que ha visto también ¿evolucionar? o al menos pasar tiempos, tiempos históricos… algunos abordados aquí.

Se podrían encontrar algunos puntos en común con “Underground”, película del director, también galardonada con la mencionada Palma, también abordando una cierta realidad y determinados tiempos históricos.

Aquí comenzamos con una obra que se sitúa en Sarajevo, pese a que lo primero que escuchamos son coplas que podrían ser españolas o mexicanas (en un momento se le pregunta al cantor por qué canta lo que canta y éste contesta que, dados los tiempos actuales, es lo más seguro). Nos encontramos a principios de los años 50 en la antigua Yugoslavia, estamos bajo el régimen de Tito.

Allí nos encontraremos introducidos en la historia desde la perspectiva de un niño: Malik. Niño que verá como su padre “se encuentra en viaje de negocios”.

Nada casual es el nombre del film, que consiste en la explicación que se les daba a los hijos de aquellos padres que, por ejemplo, habían dicho algo que no era del todo simpático al régimen. Régimen que imponía una pena, pena que no podía ser explicada de forma explícita.

En este caso, en una conversación casual en el tren, el “gran error” del padre estará en afirmar que “han ido demasiado lejos”, al ver un dibujo en donde Marx tiene colgado en la pared un cuadro de Stalin.

Leyendo hasta aquí podría parecer que estamos ante una “típica película histórica” que además “aborda las cosas desde una mirada infantil” (se me viene a la mente la película chilena “Machuca”). Sin embargo este es un film de Kusturica, ya con aquellos elementos que nos podrán extrañar, ya con ese sentido del humor que no deja de estar presente en su filmografía.

Se ha dicho que este es un drama, y lo es. Pero no tiene ese “tono dramático” que podríamos imaginar para una historia como ésta.

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Tendremos una fotografía con bastante verde y bastantes colores “terrosos”, la presencia de la música (el hermano del chico toca el acordeón) será un elemento metabólico en la historia, tendremos un ritmo ni rápido ni lento en el cual, a mi entender, importa lo qué se cuenta y cómo.
¿Qué se cuenta? Se cuenta la historia de una familia, de muchas personas, con sus tejes y manejes, con sus idas y vueltas, con personalidades diferentes y formas de hacer que pueden distar; pero que se encuentran, a un mismo tiempo, encuadradas en una situación que está lejos de ser de las más felices que se nos puedan ocurrir. O sea, se incluye en la misma situación y familia al padre del niño, así como a quien lo ha mandado arrestar.

Por otro lado tendremos las actuaciones. Entre las cuales encontraremos la de Miki Manojlovic quien ha actuado en todas las películas del director que he visto y que en esta ocasión hace, nada más y nada menos, que del padre. Nos encontramos con un hombre “vital”, vivaracho, inteligente y jovial. Mirjana Karanovic interpretará a la madre de los pequeños. Es ella quien se ve asediada por la tragedia de ver irse a su esposo y que enfrentará varias situaciones con una fuerza que puede llegar a sorprender. También tendremos por allí a Mustafa Nadarevic y a Mira Furlan, etc.
Si bien las actuaciones son algo estrambóticas y exageradas en general no llegan (ni la película en su tono general) a lo que podría encontrarse, por ejemplo, en “Prométeme”. Sin embargo, podemos notar en ellas cierta exageración y lo que creo, podría ser denominado como “cierto sentido común diferente”.

Creo que lo que tal vez podría señalarse de la película, como elemento “no tan bueno” (ni siquiera errado o mal llevado) podría estar referido a su ritmo. A su vez creo que estamos ante un guión hábil. Encontramos, entre algunos de los puntos más interesantes de la trama, al abordaje de la familia, de las relaciones maritales y amorosas (la historia de nuestro pequeño protagonista es muy enternecedora y creo que quedará en el recuerdo) y de los conflictos y situaciones socio-políticas que están inevitablemente presentes ya en cada pequeño hecho de la vida cotidiana.

La historia tiene la cualidad de, por un lado, dar cuenta del devenir histórico en lo que sería Yugoslavia. Esto, sin dejar de contar una historia humana con mucho humor. A pesar de que no ha sido, al menos para mí, en este momento, una obra reveladora la considero muy recomendable.
Por otro lado, se han de tener en cuenta las diferencias con el Kusturica posterior. Creo que, como muchas veces pasa, es una película que conviene abordar sin sobre-expectativas (ya sea por lo buena que sea o por quién sea su director).

“Cracks” de Jordan Scott

2010-06-15T00:00:00.002-02:00

“Cuestión de familia” dirán muchos sobre esta chica que es hija de Ridley y sobrina de Tony Scott. “Puede ser” me encontraré diciendo por aquí. Pareciéndome que es más importante ver en sí a la película (la calidad de la misma) que los genes desde los que proviene.

Y es que la chica (que nadie dudará en que tenga ciertas ventajas en lo que refiera al “empezar la carrera”) de cualquier forma tiene claro un par de cosas: 1. Hacer cine es trabajar 2. No por la estirpe se puede dormir uno en los laureles.

Es en este sentido, a su vez, que podemos encontrar ciertos aspectos comunes entre nuestra protagonista española y el lugar a donde la novel directora nos va a parar al visionar el film.

Pero para que se entienda un poco mejor es posible que debiésemos decir que estamos en la década del 30, en un colegio-internado inglés donde distintas chicas estudian. La historia se basa en la novela homónima de Sheila Kohler y una de las traducciones que podríamos hacer (aunque pocas palabras tan onomatopeyicamente sonoras como “cracks” encontremos en los alrededores) sería la de “Grietas”.

¿Qué grietas? Pues nos encontramos en un mundo bastante estructurado donde un grupo de colegialas tiene clases de “dive”; de lo que sería, más o menos, salto olímpico. Las clases son impartidas por una profesora rebelde y de mucho mundo, un personaje muy interesante (y uno de los tres pilares de la película) al cual conoceremos como “Miss G”, interpretado por Eva Green (conocida especialmente por su gran papel en la película de Bertolucci “Los Soñadores”). Junto a ella nos encontramos con sus alumnas, entre las cuales Juno Temple hará las deilicias como capitana de grupo y como admiradora número 1 de su amada profesora.

Nos sorprenden algunas cosas ya desde un principio: la fuerza y la dureza con las que estas niñas se tratan, especialmente la actitud de la capitana que establece reglas y da ordenes con una fuerza y una seguridad que, se me ocurre, podrían asustar al mejor escuadrón militar. Notamos cierta rigidez y hay un algo extraño que no termina(mos) de encajar.

En fin, se nos presenta una situación con una escuela en donde las grandes paredes no dejan pasar toda la iluminación, en donde puede ser que haga bastante frío y en el cual estas niñas se encuentran. El por qué cada una estará allí sería algo interesante de saber, pero para saberlo (o, al menos para saber algo sobre esto) habría que ver el film.

La situación estructurada que se presenta cambiará a partir de la llegada de una nueva alumna. Ésta es la española representada por María Valverde. A ella se le anuncia como una verdadera aristócrata, una chica de mundo que llegará a la isla angloparlante sin mucha más referencia que el que sea una escuela muy buena. A las chicas (y, en especial a la capitana) la llegada “de la nueva” no va a caerles muy bien, pero tendrán sobre sí el aviso de la directora de la institución: Ella les pide a las niñas que reciban a la nueva bien.

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Y bueno, la actividad favorita de estas chicas parece ser la de este salto, en el cual, la nueva interna, una vez llegada (y con un físico privilegiado) se muestra ampliamente más capacitada que las demás. Así mientras la profesora empieza a sentir admiración por esta chica, algunos problemillas (como la envidia) empezarán a florecer, haciendo de esta situación (que en un principio, tal vez por ver el cartel podríamos pensar como del tipo de “Mujercitas”) algo más turbio de lo que en un primer momento podíamos esperarnos.

Ciertamente tenemos tres protagonistas fuertes y que funcionan como los pilares de la película. Con un desarrollo de caracteres bien interesante y con buenas actrices que a pesar de todo (no me atrevería a decir donde esta el factor determinante) no llegan a lograr la contundencia que se podría, creo, haber logrado. ¡Cuidado! Esto no quiere decir que estamos ante malas actuaciones, que nuestros personajes no estén bien actuados, creados con cuidado o que no logren una fuerte consistencia; simplemente quiere decir que, me queda la sensación, de que podrían “haber dado más”.
También las secundarias están bien, aunque hay algún pequeño estereotipo que le resta mínimamente al juego. Pienso, por ejemplo en “Fuzzy!”. Ciertamente un personaje secundario interesante (y bien construido) será el de la veterana directora de la institución; quien sea, seguramente, “quien más clara la tiene” en todo el film.
Film que, por otro lado, está plagado de féminas, siendo casi nulas las apariciones de personajes masculinos (que, de cualquier forma aparecen siempre evocados, pensados o imaginados). Habría que aclararle a algunos “machotes” que a pesar de esto el film no es exclusivamente femenino (a pesar de que sí se nota que está hecho con un tacto y una comprensión muy femenina), pues su interés rebasa diferencias ínter géneros. Además de que, claro está, la función de los hombres es muy importante en el film (así esté dada por su ausencia).

Por otro lado nos encontramos con una obra con “paisajes” no paisajística. Si bien, no tenemos grandes prodigios en el sentido de la fotografía, tenemos una fotografía que está pensada para esta historia. ¡Y eso está bien!
Con la música me ha sido imposible no pensar en “Expiación”, película con la cual ésta es deudora, en cierto sentido. Y, teniendo al film de Joe Wright en cuenta (y creo que para quien haya visto la película de este señor el no comparar será dificultoso) tenemos que decir que, en este sentido, la película de Scott no es tan buena.
Respecto a Joe Wright podemos decir que es un señor que se ha manejado en “parajes” con aspectos en común al que aquí nos encontramos. Historias con mujeres protagonistas, con un genial acento inglés (me ha pasado de disfrutar, simple y llanamente, de cómo hablan sus personajes) que logran una solidez (y una perspectiva) que se puede decir es única en el panorama. Ejemplo de esto son tanto “Orgullo y Prejuicio” como la mencionada “Expiación”… “Deseo y Pecado”.
El film de Scott, más tendiente a un cierto “suspense” físico se ve como menor a los dos mencionados.
Nuevamente, contextualicemos, pues esta es una opera prima y la perspectiva es particular. Joe Wright es un hombre con cierta experiencia y con ciertas preocupaciones que se exponen (al menos en pantalla) como diferentes a las de Scott.
Además, me es inevitable no pensar en el ejemplo de Soffia Coppola y su (a mi entender) mediana “Las Vírgenes Suicidas”. Digo, en tal caso nos encontrábamos ante una opera prima de una de las hijas de un director grande de Hollywood que no fue la gran cosa en sí, pero que anunciaba capacidad suficiente como para estar atentos. Y se podría decir que este anuncio superó (al menos mis) expectativas con creces, pues “Lost In Translation” resultó, como poco, un películon realizado con extrema sensibilidad (y varias cosas más).

Finalizando diré que estamos también ante una chica (la directora) que promete. Podemos decir además que estamos ante un film consistente que logra ser, ni más ni menos, una buena película. Tal vez podamos ver en el mismo “ciertos errores” que podrían estar dados ni más ni menos por la falta (falta que puede ser subsanada posteriormente) de un cierto pulso cinematográfico. Pulso que, se me ocurre, puede ser “aprendido”, o captado, pero solamente mediante la experiencia. Solamente mediante el hacer.
En fin, sin hacerlo de forma excesiva y con alguna que otra pequeña precaución recomiendo esta película.

Aquí el Trailer Subtitulado:

“Novecento” de Bernardo Bertolucci

2010-06-13T00:00:00.005-02:00

Con este film nos encontramos ante una superproducción bastante atípica. Del año 1976, no solo es una película que abarca cincuenta años de la historia de Italia, sino que además tiene en su equipo a una serie de nombres que han de resultar, cuando menos, llamativos. Podemos empezar nombrando a Robert de Niro, quien venía de hacer ¡directamente! la segunda parte de “El Padrino” y “Taxi Driver”. Coprotagonizando con él nos encontraremos a un joven Gerard Depardieu. Junto a ellos habrá otro actor hollywoodense, “no tan conocido” pero nada desconocido: Donald Sutherland (y, digamos que su papel en el film es muy especial). También podríamos mencionar a la hermosa Dominique Sanda (quien ha trabajado con Bresson, con Vittorio de Sica, o viniendo más acá en tiempos junto a Marcho Bechis en “Garage Olimpo”), y al “viejo padrone” que interpretará un genial Burt Lancaster.

Pero, podríamos decir que, de ser por nombres recién empezamos. Pues, nos encontraremos también con Vittorio Storaro (que ha trabajado con Dario Argento, fotografió junto a Francis Ford Coppola “Apocalypse Now”, así como “Flamenco” de Carlos Saura [y la fotografía, es fácil decirlo, es uno de los puntos más altos del film; sino el más alto junto con la música]) a cargo de la fotografía. Con el ya clásico Ennio Morricone (que ha trabajado, entre otros junto a Passolini, Gillo Pentocorvo, Brian de Palma, Almodóvar, Marco Bellochio, clásico indiscutible a la hora de musicalizar spaghetti westerns y que a su vez podemos encontrar en films como “Cinema Paradiso”) a cargo de la música.

A su vez, hablar de Bertolucci es un tema, pues aquí, oficiando de guionista (junto a Franco Arcalli) y de (ese nombre tan genial que tienen en italiano para la dirección) regista viene de hacer una película que marcó: “El Último Tango en París”. Además, en su filmografía posterior podemos encontrarnos con películas tales como “Los Soñadores” (la última, abordando el mayo del 68 desde una perspectiva pseudo-simbólica llena de sexualidad que ha encantado a mucha gente y con la cual el presente film tiene algunas “líneas comunes”), “Belleza Robada” con Liv Tyler, “El Pequeño Buda” o “El Último Emperador”.

O sea, se podrá entender que con tanto nombre (a parte yo nunca me ocupo demasiado de la nómina a menos que lo sienta necesario) estamos ante un equipo de “elite” en una superproducción que, si bien co-producida por más de un país logra ser “muy italiana” (lo cual no quiere decir que deje de lado sus “vicios de internacionalidad”) que tiene una duración (¡ATENTI!) de 316 minutos (cinco horas y cuarto).

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Y bueno, después de impresionarnos porque tanto actor se presente como italo parlante podemos decir que nos encontramos en 1945, en el día de la Liberación (Fin de la Segunda Guerra Mundial). Allí pasaran algunas cosas: un joven soldado cantando se encontrará con una sorpresa, unas campesinas corren a una pareja hasta el punto de clavarles los rastrillos en brazos y piernas, y un joven muchacho se encargará de llevar a punta de rifle a un “padrone” que no parecería que fuese a vivir mucho más tiempo. Este Padrone canoso no es otro que De Niro. Con el joven tendrán un diálogo referido a un tal Olmo y allí la historia “recomenzará” a principios de siglo (literalmente).
Con Burt Lancaster como padrone nos enteraremos que se convierte en abuelo, el mismo día en que el más viejo de los campesinos también lo hace. Han nacido Olmo Dalcò (Depardieu), el campesino y Alfredo Berlinghieri, el de la familia de “padrones”.
Podemos decir que nos encontramos en un ambiente rural donde los campesinos trabajan y los hacendados dominan. Las relaciones entre unos y otros serán muy especiales e irán variando con el tiempo y con las personas.
Podemos decir también que Olmo y Alfredo se harán, ya de niños, amigos; a pesar de que como campesino y padrone no puedan nunca dejar de ser enemigos.
Veremos en la película el devenir de los tiempos, con dos guerras mundiales mediante, con el nacimiento y crecimiento de algunos movimientos ideológicos como ser el fascismo (“los camisas negras”) entre los que encontramos como máximo representante a Sutherland (con un papel muy especial que seguramente nos sea difícil olvidar) y otros como el comunismo.
¡Vapuleada la historia de estos 50 años! Donde no dejará de aparecer “el mundo moderno” ni la cocaína, donde veremos el impacto de otras revoluciones (como la industrial) junto a formas bien llamativas de vivir y manifestar(se) la sexualidad.
Bueno, y es que ahí se encuentra uno de los puntos que hacen del director alguien tan especial.
Déjenme decirles que estamos ante una impresionante adaptación de época con impresionantes puestas en escena. Las mismas que disfrutan de colores y texturas, de detalles excelentemente fotografiados por Storaro.
Las actuaciones también estarán muy bien (aunque no creo que ninguno de los actores este haciendo EL papel de su vida) y que encontrará algunos de los puntos más interesantes en lo que refiere a los movimientos ideológicos.
Sobre el guión no sabría decirles si es bueno o no. En realidad, creo que se puede decir, tranquilamente, que malo no es; pero ¡claro! Tiene esa cualidad de extenso. Y cuando algunos lo afirman, a mí al menos me da para preguntármelo ¿No se podría haber ahorrado algo de metraje?

Otro elemento de la película estará en el tratamiento explícito de la sexualidad (el granero, la escena de epilepsia) pero no sólo; pues no debemos olvidar ese tratamiento “más natural” “más de campo” que se da con la vida y la muerte (en una escena vemos como se abre a un chancho y se le van sacando órganos… ¡y les aseguro que la escena es muy real!; esto podría hacernos acordar al principio del “Video de Benny” de Haneke).
Eso sí, quiero señalar una escena que a mi me parece de antología y la llamaré de la siguiente forma: “Cocaína”. Las actuaciones de De Niro y Dominique Sanda son allí y a mi entender, demasiado geniales…

En fin. ¿Entonces qué respecto a la película? Estamos hablando de una película muy imponente y muy interesante, que es una buena película; pero que a mi entender, así como “Doctor Zhivago” se puede hacer algo larga y pesada (de cualquier forma el film de David Lean tenía, a mi entender, algunos problemas considerables de guión). Creo también que es muy interesante (y tal vez hasta imprescindible) a la hora de conocer historia (y, particularmente la de Italia en la primera mitad del Siglo XX).
También he de decir que mi relación con Bertolucci es algo extraña, pues todas las películas que he visto del señor llaman en extremo mi atención y perduran en mi memoria… O sea, creo que logra tocar algunas fibras… Pero… No lo pienso, ni de lejos, como un gran “contador de historias” y su lenguaje de simbolismo se me hace por momentos ya sea algo confuso, ya sea (incluso) algo fácil… Pero no lo tengo del todo claro (jeje, creo que Bertolucci es uno de los pocos directores sobre el cual no podría lanzar una cierta exclamación natural al pensar en su nombre).
En fin, tomando todas estas cosas en cuenta diré que es una película recomendable, pero que puede ser necesario ver con un interés particular o, al menos, teniendo en cuenta su duración.
No la considero una obra maestra, pero si me saco el sombrero ante la tamaña producción que la misma significa.

“Capitalismo: Una Historia de Amor” de Michael Moore

2010-06-11T00:00:00.010-02:00

Pienso que a esta altura ya es un supuesto que sepamos quien es Michael Moore. Cineasta y documentalista que que inició en esto de tener una cámara al hombro con “Roger and Me”, película en la cual iba tras el presidente de la General Motors que es, junto a varias otras de su filmografía, retomada aquí.

Pero creo que hay gran importancia en el supuesto inicial que aquí planteo por varias razones. Primero: Michael Moore ha sido, desde que fue internacionalmente conocido, una figura “discutible” en algunos aspectos.

Por un lado, se puede decir o pensar que es un hombre que ha tenido la suficiente valentía para tocar puertas y con alguna cámara al hombro o por la espalda meterse a investigar en situaciones que, al menos por lo que vemos, la mayoría no nos animaríamos a hacer. Y, dígase lo que se quiera, éste señor ha hecho tal cosa y en parte por eso ha conseguido fama internacional.

Alguna vez escuché decir que era preferible ser odiado (o amado) a ser indiferente. Y, creo que en este sentido, Michael Moore podría ser una prueba viviente de tal afirmación.

Es que esa figura de gordito simpaticón, de humor espontáneo, diálogo veloz, cara inmutable y propuesta ardiente tiene que tener, necesariamente, sus atractivos. ¿A qué me refiero? Así como el personaje de Chaplin, Charlot, era un vagabundo que habitualmente se encontraba burlando (aunque tal vez muchas veces de forma pseudo-involuntaria) tanto a policías como a ricos aquí nos encontramos con un gordito con gorra de béisbol que, de alguna forma, al igual que el personaje de principios de siglo XX, podría llevar a que nos identifiquemos parcialmente con él.

Así como Galeano empieza un libro diciendo (no literalmente) “Corriendo tras la pelota logré esquivar a uno, miré al ángulo del arco y a 50 metros del mismo metía el gol por el cual todos me festejaban. Era un as con la pelota. Después despertaba.” pienso en Moore. La imagen de la persona común, de un “desgraciado” que nos caía simpático funcionaba… y funciona.

Y debe haber sido algo escabroso el mantener tal imagen mientras se siguen realizando obras. Pues, así como ocurre muchas veces con grupos humanos (me sale pensar en los Beatles), la “fama” y la “popularidad” han de tener sus implicancias y consecuencias. Y me pregunto (casi afirmando) que estas cosas tienen que generar desgaste y erosión. ¿No?

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Pero para entender el punto al cual me dirijo hay alguna cosa más a tener en cuenta. Pues Moore ya en sus realizaciones dejaba una “cierta marca de fábrica”, la cual, mal que nos pese, es la que ha mantenido hasta el día de hoy y hasta esta última realización. “Documentales” donde el mismo parte de su propia figura para abordar ciertas cosas que pasan en la realidad. Pequeño problema: El cómo afecta o puede afectar esto (¿”mucho”? ¿”de qué forma”?).

Me pregunto por el cómo afecta tanto en lo que se refiere a la forma, a la realización del documental en sí como a aquello que se refiere a la respuesta de un público y una audiencia.
Creo que podemos estar de acuerdo en que Moore logró una síntesis entre ambas (forma y respuesta del público) que, si bien criticable, ha logrado funcionar y ser a un mismo tiempo interesante y eficaz. Se podrá decir que la misma es maniquea, se podrá decir que la misma es narcisista y se podrá decir que la misma es comercial. Y posiblemente todas esas cosas que se podrán decir serán ciertas… pero cabe preguntarnos por un segundo ¿Pero cómo ha llegado este señor hasta dónde está?

Y es que algunas de las críticas que se le hacen al documental refieren a su maniqueísmo, a su búsqueda de la “lágrima fácil” y a algunas posturas que no pareciera terminar de animarse a afirmarse (por ejemplo, en lo referido al tema del “socialismo” o a algunos juicios sobre el “capitalismo” que, uno puede pensar, Moore puertas adentro debe ser bastante más tajante [en juicios y pensamiento] de lo que llega a ser en pantalla grande). Se le crítica pararse con un estandarte, ya sea de “revolución” o al menos “cambio” sin animarse a decir las cosas como tal ni a armar un discurso que omita ambigüedades (tal vez especialmente en el caso de la película que nos ocupa: que tendría aspectos ambiguos de mayor tamaño a las que el cineasta nos tiene acostumbrados).
Pero como contrapeso en la balanza se podrían poner el sentido del humor, el ritmo logrado, la facilidad de acceso a los contenidos de lo planteado en el film para un público mayor, etc. A su vez podríamos preguntarnos por el tema de las taquillas y las ventas, o por las contradicciones de que lo que aparenta ser un hombre común en defensa de “gente común” sea al mismo tiempo (o en contradicción con lo anterior) un devenido multimillonario (que justamente se ha convertido en tal erigiendo unas obras y unos personajes que se siguen manteniendo al día de hoy, a pesar de que ahora tenga menos barba y más años): En fin, de alguna forma, podríamos ver repetirse algunos elementos argumentales que ya en “Ciudadano Kane” aparecían.
En determinado momento de tal film, prácticamente el único amigo que parece quedarle al protagonista le pregunta, lo pincha: “¿Pero no será que vos, con el argumento de estar defendiendo los derechos del pueblo, de la gente, estás defendiendo nada más que tu propio ego, tu propia postura?”
Creo que es interesante pensar éstas cosas en relación al documentalista que nos ocupa.

Sobre la película se ha de decir que aborda algunas temáticas referidas al capitalismo actual (desde el sistema económico en sí, pasando por períodos histórico-presidenciales de Estados Unidos que irían desde el de Ronald Reagan hasta el de Barack Obama, pasando por cuestiones como los “buitres inmobiliarios” o empresas que se benefician bastante más con la muerte de sus trabajadores que con “su vida útil”) con bastante sentido del humor y bastantes cosas que son cuestionables.
En fin, Michael Moore es Michael Moore y creo que estas reflexiones/afirmaciones/preguntas van en pro de una afirmación que podría rezar más o menos lo siguiente: No nos engañemos con Moore, el no nos está engañando con su hacer pues sigue siendo totalmente fiel a sí mismo y en términos de forma su obra sigue funcionando como abierta para un público mayor.
También me puedo preguntar sobre el “cine-denuncia” que pasa de “denunciar a proponer”. Ya bastante se ha dicho que es más fácil criticar que proponer (heme aquí “criticando”, a su vez) y, en este sentido el director pega un timonazo. Ahora, problema y crítica se hace lo que eleva como propuesta. ¿Tendrá razón en algún punto? ¿Qué tan realista es?
A mí, a este respecto, me interesa menos preguntarle al señor Moore que a algunos críticos y espectadores lo siguiente: ¿Pero no será que incluso a nosotros (varias veces fervientes pesimistas por “defecto” [¡que buen doble sentido!]) nos molesta que un “film de denuncia” termine bien, de buen humor y proponiendo?

Creo que no conoceremos en la obra de Moore sus móviles reales. Y muchas cosas que se puedan afirmar en relación a la misma van, si no voy entendiendo mal, muy de la mano, muy relacionadas a las intenciones del cineasta; pero siéndonos las mismas “esquivas”.
Lo que queda preguntarnos es entonces ¿Ha valido la pena el visionado de este film? ¿Valdrá o valdría la pena que más gente lo visione?
Ante tales preguntas me parece que una respuesta podría ser unísono de espectador, conocedores y críticos: Depende. ¿Depende de qué? Del espectador, de la cantidad de información que maneje, de cómo gusta o no de ver abordados ciertos temas, etc.

En fin, lo que yo les puedo decir es que estamos ante un film “discutidor y discutido” que, al menos a muchos, imagino, les valdrá la pena (pena que será con risas y sonrisas) visionar.

“Amarás a Dios por sobre todas las cosas” de Kieslovski

2010-06-09T00:00:00.004-02:00

Ésta es la primera de una obra múltiple de Kristof Kieslowski, realizada para la televisión. La inspiración de tal idea (del decálogo en sí) viene de parte del guionista Krzysztof Piesiewicz quien a partir de un cuadro basado en uno de los mandamientos (posiblemente uno que aparece aquí) da un empuje para ésta realización múltiple. Realización de diferentes historias de un mismo universo donde (así como en “Azul”, “Blanco” y “Rojo”) distintos personajes se pueden entrecruzar en los diferentes episodios.

¿Es esta una obra religiosa? ¿Una obra cristiana que ilustra los diez mandamientos? No. El hoy fallecido Kieslovski, de origen polaco es considerado un autor. Personalmente debo decir que lo que he conocido de su obra me parece, cuando poco, fantástico. Inevitablemente un señor al cual le agarré cariño y al cual tengo como referencia. Pues, a pesar de su relativamente corta vida (no llego a las seis décadas) hablamos de un señor que dejó una serie de obras que no solo nos llevan a pensar, sino que tienen una palpitación emocional y un abordaje de temas importantes de la vida (paradójicamente y muchas veces no muy abordados) que hacen de este señor y de su cine una cosa única.

Adentrándonos en esta historia concreta podemos decir que nos encontramos con un niño. Pavel tiene diez u once años, es un chico lindo e inteligente que gusta y sabe de usar computadoras (no es menor mencionar que nos encontramos en 1987 en Polonia). Su padre es profesor en la Universidad y se lo describe como a una persona inteligente sobre la cual, a pesar de todo, nos veremos llevados a preguntarnos ¿tiene las cosas tan claras?

Una serie de cuestiones empezarán a emerger cuando su hijo le pregunte por la muerte, o por si existe un alma; cosa en la cual su padre no cree.

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Así, como contrapunto de este padre racional aparecerá la tía del chico, hermana del padre, quien piensa (y cree) de forma algo diferente respecto a las cuestiones que podemos ver plantearse. Es ella quien además permite el abordaje de ciertos temas relevantes como, por ejemplo, la referida a la ausencia de la madre del chico.
Más o menos entre estos conflictos y entre estas temáticas navegará esta (relativamente) pequeña historia.

Sobre la misma podemos decir que tenemos buenas actuaciones (la del niño estará muy bien para ser [valga la redundancia] de un niño, a pesar de que haya algún pequeño instante en que puede no convencer del todo) entre las cuales destacará la del padre.
Los juegos de fotografía ya empezarán a aparecer (me encanta ese plano donde en una de las mitades del rostro del padre aparece una luz verde, que no es otra que la del computador) y una cámara a la cual aún le falta un poco de prolijidad (esto viene a cuenta de varios planos “movidos” y de cámara en mano) que a su vez contrapesan en la balanza con el sentir que no estamos hablando de grandes presupuestos de producción. El guión es simple pero funciona y la historia es, a mi entender, pequeña, pese a que puede ser vista como muy grande si se quiere.
En fin, estamos ante un film que invita a la reflexión y que como pasa en el cine de este señor palpita una particular emoción.
De cualquier forma no hablamos de una obra maestra y su acercamiento se lo recomendaría, especialmente, a quien tuviese un interés más o menos específico (pese a que sin este interés creo que es una obra a la cual es muy recomendable acercarse).
Es posible que siga comentando el Decálogo. Si a alguien le interesa tal cosa (pues no es seguro que lo haga) que me lo haga saber. ¿Ok?

“Tránsito” de Marc Forster

2010-06-07T00:00:00.001-02:00

Conocida también como “El Umbral” hablamos de una película estadounidense con un título original (así como su cartel) bastante sintético y atrayente: “Stay”.

Su director es Marc Forster, director de “Monster`s Ball”, “Descubriendo la Tierra de Nunca Jamás”, “Más extraño que la ficción” y la jamesboniana “Quantum Of Solace” entre otras. Esta película fue filmada en el 2003 y después de lo que podemos imaginar como un truculento proceso de postproducción tiene como el año de su estreno al 2005.

Ya viendo el cartel varios se emocionarán (yo incluido) pues no sólo hay un diseño interesante (lo que, de cualquier manera ya no nos dice nada sobre una película, más aún teniendo el origen que ésta tiene) sino que tenemos algunas caras de actores que (a mi entender) no sólo son muy buenos en lo que hacen, si no que han hecho muchos trabajos (y han trabajado en muchas cosas) muy interesantes. En fin, no me refiero a otros que a Ewan McGregor (“Trainspotting”, “Tumba al Ras de la Tierra”, “El Sueño de Cassandra”, “Star Wars”, “Big Fish”, “Velvet Goldmine”, etc) y a (la hermosa) Naomi Watts (“Funny Games”, “Promesas del Este”, “King Kong”, “21 Gramos”, “Ring”, “Mullholand Drive”, etc). Coprotagonizando junto a la (literal) pareja protagonista tendremos a un actor del cual conozcamos más posiblemente su cara que su nombre: Ryan Gosling.

Podemos decir que nos encontramos ante una historia visualmente atrayente en la cual todo empieza (o parecerá empezar, al menos) con una rueda (o parte de la misma que no sé nombrar) que se desprende de un auto. Esta primera secuencia, déjenme decirles, es impresionante en términos visuales. Y funcionará como primer elemento para una historia bastante particular.

Ewan McGregor, por su parte es psicólogo-psiquiatra. Vive en un apartamento (lleno de luces y reflejos) junto a su chica: Naomi Watts. Ella es profesora de arte (especialmente de pintura) en una institución donde el joven Ryan Gosling ha tomado clases.

Pero, en fin. Nos encontraremos con que McGregor se encuentra yendo a tratar con el joven. Este joven, introvertido y taciturno, con pinta de inteligente y profundo (me hace acordar a Jim Morrison en la “caracterización” de su carácter [¡que no en imagen!]) le preguntará a McGregor por qué es que ahora él va a atenderlo si había ya otra psicóloga con la cual estaba trabajando. Se dará allí una especie de enfrentamiento entre ambos personajes (entre los cuales se va estableciendo una relación que aún no comprendemos bien) que terminará en que el joven diga algo así como “Me voy para que no me agarre el granizo”. McGregor queda con bastantes preguntas en relación al muchacho (nosotros también) pero algo (cierto, improbable y no anunciado por ningún meteorólogo) ocurrirá: Cae granizo.

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Aclaremos una cosa: Pese a lo anteriormente dicho nada tiene que ver este film con “Next”.
Siguiendo con la sinopsis: La cosa se complicará más cuando en un siguiente encuentro el muchacho le anuncie al profesional (que, al igual que nosotros, recién estará empezando a tratar de entender) que el sábado siguiente se suicidará.

Creo que con eso ya se ha dicho suficiente a modo de sinopsis. Sobre la película hay varias cosas para decir.
Por un lado podemos decir que, en un par de sentidos, “lo que se nos anuncia” se cumple. ¿Por qué? ¿A qué me refiero?
Primero que nada a las actuaciones. Cada uno de los personajes protagonistas (y algunos buenos secundarios también) cumplirán con su interpretación, creando personajes complejos y con una interioridad que nos los hace atractivos y (a su forma) “esquivos”.
Se cumple también en lo que al aspecto visual de la película respecta. Hay que decir que, si bien no absolutamente todos, la mayoría de los fotogramas que aparecerán ante nuestros ojos son dignos de “fotos”. O, mejor dicho (acercándonos un poco a este mundo tan particular): de cuadros. Aquí debemos agradecerle tanto a Forster, como al fotógrafo Roberto Schaefer que logran una labor conjunta muy interesante. Tenemos imágenes desbordantes de color en momentos, algunas de cierta nostalgia (por así decir) en las cuales parece palpitar un “sentir emocional” que no es solamente muy especial si no que nos llega “a elevar”. Junto a esto debemos decir que esta misma fotografía parece (al menos por momentos) propia de las mejores revistas de arte, diseño y arquitectura que podríamos encontrar en el panorama. Además de que tiene una belleza muy particular (aunque recordaré que a mi entender una “buena fotografía” no necesariamente tiene porque ser “bella”). Como elemento llamativo también podríamos mencionar a algunos encuadres oblicuos que aparecen, a algún contraluz o imágenes propias de destellos que se conjugan con efectos digitales que refuerzan estas mismas sensaciones “de color”. ¡Cheers for that! (¡Salud por ello!).

Con la música (a cargo de Asche & Spencer), a mi entender, pasa algo parecido que con las imágenes y la fotografía. Logra una “coloridad” propia y un palpitar sensitivo muy especial. A su vez, podríamos decir que incluye ese elemento (pos)modernoso que logra conjugarse con las imágenes digitales gracias al gran trabajo que la banda sonora implica en lo que a su “particular sonido” refiere. Es más, no dudo en que podría ser una de esas que podríamos conseguir y disfrutar mucho de forma independiente a la película.

Como ya se habrá perfilado en mi comentar también tendremos un complejo trabajo de postproducción, que implica una serie de “efectos” y recursos usados de formas muy especiales. Esta vez no es la idea hacernos saltar, engrandecer a un héroe o crear monstruos (ya sean mutantes o de otra galaxia). No, aquí nos encontramos con algo distinto. Con una edición muy específica que, empezará en determinado momento, a hacernos dudar sobre la “veracidad” de lo que vemos, a “deconstruir” las unidades temporales y espaciales que usamos para seguir la historia. Aclararé que sin embargo no estamos ante un “tour de force” en el cual necesitemos agarrarnos a la butaca.
A su vez, estos elementos, esta “deconstrucción” se dará en consonancia con algunos recursos de cámara y de fotografía que hasta ahora no habían sido mencionados: gran angulares, esa cámara que va pegada al cuerpo (la misma que se usa cuando Gerard Butler va corriendo por el túnel en “Rocknrolla”, por ejemplo).

Recursos que no solo empiezan a “deconstruir” la historia en términos temporales y espaciales; sino que también en algunos de los que refieren a algunos de nuestros personajes.

Y aquí viene la parte dura… Pues, en cierto sentido, todo lo hasta aquí mencionado está muy bien; pero la película se entra a hacer confusa y el guión se empieza a desfragmentar hasta un punto en el cual ya no podemos “seguir la historia”. Al menos no mientras ésta ocurre. El director, narrador o como quieran llamarle se adentra “en su propio mundo” con el film, dejándonos a nosotros abandonados.
Esto no es nada bueno. Y aquí nuevamente hemos de pensar en Forster, aunque también en el guionista David Benioff. Ambos dos que nos dejan solos y que se van a un punto tal que a mí, particularmente, se me hizo parecido al de otra película (película con la cual quede hirviendo de bronca).
No me refiero a otra que a “The Fountain” de Darren Aronofsky (es más, en el visionado de esta película llegue a preguntarme si Aronofsky no había realizado alguna película “de la cual no me hubiese enterado”).
Película, “The Fountain”, con la cual, la que nos ocupa, comparte problemas y errores (aunque de forma algo distinta).

Y es que está muy bien en muchos sentidos. Pero, hay errores en algo que es mucho más fundamental y básico; y que se refiere a lo que (simple y complejamente a un mismo tiempo) significa “contar una historia” (Hitchcock decía cosas interesantes en este sentido).
Pues, la nave se va sin nosotros… Nos deja como espectadores pasivos y náufragos, como fantasmas en un mundo onírico que tratan de encontrar algún recuerdo, alguna imagen, algún hilo de pensamiento o sueños que nos permitan volver a conectarnos con el todo. ¡Y he ahí la sensación de confusión! ¡Y he ahí que, muchos, (imagino) se verán “sin saber bien”; pues espectadores de esos que consideran “que no saben mucho de cine” (ya sea que lo hagan o no, ya sea que supongamos que tal cosa es posible de ser determinada o no) o que leerán todos los elementos que les indican que están ante una obra de calidad se encontrarán sin entender! Y ahí vendrán las preguntas: “¿Habré sido yo que no entendí?” A todos esos espectadores es a los que quiero decir: “¡No! ¡No se preocupen! ¡Su apreciación ha sido muy buena!” (Debo anotar que me apuré a ver la película después de que una amiga me preguntará por la misma y, digamos, “me comentara” [eso sí: ¡sin nunca revelarme la trama! ¡Que me enojaría mucho! Jeje] los problemas a la hora de tratar de hacer lecturas sobre la misma). Esto que aquí afirmo explica a su vez lo que pasó con la película, tanto en recaudación como en crítica. Ahora, esto no es más que mi opinión y la verdad es que algunos comentarios sobre “Lo buena que está la película” me han dejado un poco (permítanme la expresión) “pasmao”. Pues, no me queda otra que preguntarme “Pero entonces ¿Qué es lo que tal persona entendió?”
En fin. Yo creo que la película es menor, en el sentido de que no logra realmente contar “una historia”. Menos aún juntando “el todo”; pues a tal alternativa parece elegir algunos virtuosismos parciales que hacen mella tanto en la historia, como en su visionado y ¡aún peor!: Podrían llegar a hacerlo en la propia apreciación del espectador.

Sin embargo y a pesar de todo esto debo reconocer sus virtudes (música, imágenes, fotografía, actuaciones). Es más, les diré que para mi es una pena que haya pasado lo que pasó con esta película; pues creo que podría haber sido una verdadera joyita.
Por otro lado (y ya terminando) diré que pese a todo yo la entiendo como una película bastante mejor que la de Aronofsky, a pesar de que también puede ser sentida como “pomposa”, “petulante”, “presuntuosa” y “con (falsos) vicios de trascendencia”.
También podría decir que entreveo en ella un mensaje (que no se logra transmitir en su totalidad) que me parece de hecho muy bueno y muy sano; a pesar de que no lo logra. Pero bueno, ¡reconozcamos la buena intención!

Bueno, realmente siento que es una pena… Y no se las recomiendo. Y si la van a ver, tal vez algunas de las cosas que aquí se dicen les sirvan como para verla “con cierta precaución”.
Eso sí: Me atrevo a afirmar que no habrá diseñador, arquitecto moderno e incluso tal vez pintor que no pueda encontrarla interesante.

“Mad Max II” de George Miller

2010-06-05T00:00:00.005-02:00

“The Road Warrior” es la segunda parte de una trilogía australiana que logró fama internacional. La misma nos permite conocer al personaje que da nombre a la obra: Max. Interpretado por quien en 1979 abría una carrera en esto del séptimo arte, Mel Gibson.

Esta segunda entrega es del año 1981 y para verla no es necesariamente requisito indispensable, pero sí bastante recomendable, haber visto la primera.

De cualquier forma aquí tenemos una introducción (que puede resultar “chocante”) donde se nos da cuenta de algunas cosas. Por un lado, de nuestro personaje nos hablará más (y mejor) la película en sí; pero en esta se nos introduce, se nos da más cuenta de ese mundo distópico, pseudo post apocalíptico. Esto está dado porque se nos refiere que “existió un mundo donde dos grandes tribus se enfrentaron”. ¿Dos grandes tribus? ¿Por qué se enfrentaron? Mientras que creo que para poder entender realmente por qué es que se habla de tribus hay que ver la película podemos decir por qué se enfrentaron: Básicamente petróleo y gasolina. Recuerden: 1981.

Se nos presenta este mundo (siendo que en la primera no se nos presentaba y explicaba del mismo más que lo que veíamos en pantalla [y veíamos carreteras, violencia casi gratuita y bastante locura-“Madness”-“Mad”]) sobre el cual llegamos a entender más. Y la verdad es que (como pasa con varias distopias) su planteo argumental tiene bastante sentido. Además da qué pensar y nos puede hacer pensar en qué “se podría hacer” para que una ficción así no se haga realidad.

Tal vez sea un ejemplo algo lejano en este sentido, pero de alguna forma se podría ver (de forma más explícita) en “Dr Strangelove” de Stanley Kubrick algún punto en común, sobre todo en lo relacionado al gran enfrentamiento “entre dos tribus” con consecuencias tan mortíferas como la casi aniquilación (autodestrucción) de los humanos. Por los humanos.

Aquí nos encontramos con un llanero solitario que podríamos denominar tal vez carretero. Nuestro personaje con el mítico V8 (que aparecerá en forma de homenaje en el film de Tarantino “Death Proof”) recorre las carreteras (hablamos de una road movie) en busca de gasolina.

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Tendremos un primer momento (que también oficiará como presentación) en donde después de algún choque Max “vence” a unos chicos que no nos resultarán agradables. Pero con alguno de estos quedará todo bastante mal (aunque el incidental antagonista no llega a jurar venganza explícitamente).
En ese sentido podemos ver un arranque “accional” (aquí no sé si precisamente premisa argumental) que nos llevará a seguir el recorrido con el protagonista. Max se encuentra con otro hombre, a quien, después de eludir en sus trampas y con la posibilidad de perdonarle la vida, hará mostrarle un lugar donde, supuestamente, hay mucha gasolina.
Así es que dos de nuestros protagonistas terminaran “viendo” cómo funciona un lugar del desierto donde se ha instalado una cierta (y particular) comunidad. Comunidad que se verá asediada por “malotes” con líder entre los cuales se encuentra algún “no amigo” ya conocido.
En fin, Max, a cambio de bastante gasolina terminará haciendo un trato con la gente de esta comunidad (que ya de por sí es muy interesante).

Yo creo que cuando hablamos de ésta película hablamos de una película que promete… ¡Y cumple!
Pues, para los gustosos de la velocidad y la acción no faltará divertimento. Sin embargo, lo que yo aprecio más de esta película es su argumento y la forma en que está contada. ¿A qué me refiero? A lo que pasa con nuestro protagonista, con este otro que allí se encontró, con la gente de la comunidad y los “malos”. A cuales son los móviles de unos y otros, al desarrollo de una historia que toma en cuenta aspectos muy humanos como tecnológicos e históricos.
Creo que es una historia (y al decir esto meto en la bolsa tanto al guión como a la dirección) muy bien contada. Y no sólo eso: contada con inteligencia. Una historia a la cual le podemos encontrar mucho sentido.

A su vez, tenemos las actuaciones. Nuestro “tosco” protagonista más que por palabras o sentimientos será recordado por el “no mostrarse”. Creo que esto hace que tanto sus palabras, como sus miradas y acciones (aunque podríamos incluir tranquilamente a elementos que van desde las actitudes hasta su “expresión corporal”) nos sean terriblemente relevantes y creíbles. A su vez, están “ensamblados” en actuación por un Mel Gibson que realmente tiene futuro como actor.
¿Y los otros? Para mi es una película con muy buenas actuaciones en general. Destacará su compañero de ruta (y aire), pero en parte por ser un personaje con “cierta relevancia”. Así también lo hará el niño y el “líder” de la comunidad que… ¿no se parece a Mick Jagger?
Creo que hay quien podría decir que las actuaciones “no son tan buenas”; pero para mí se ha de tener en cuenta que partimos de una película donde las mismas “tienen cierta exageración” especialmente (aunque de igual forma a la primera entrega) en lo que refiere a los malos.

Por otro lado tendremos toda la producción. Esta vez no encontramos solamente autos y velocidad (a los cuales encontramos y… ¡en cantidad!) sino que también que tendremos el tema de la comunidad (que incluye ya sea a las estructuras pseudo-edilicias como a las vestimentas [y el cambio en la de nuestro protagonista es especialmente relevante]), así como a “los malos” y esos elementos aerodinámicos.
En términos de fotografía funciona y bien (aunque no hay un gran énfasis en la misma, énfasis que por otro lado no echaremos en falta y que, estando como astá funciona muy bien con la historia).
En la música tendremos nuevamente a Brian May. El montaje será correcto y tendremos un par de efectos en ese sentido que podrían llamarnos la atención (como la escena en que vemos a nuestro protagonista de espaldas).

Pero, en fin. Creo y considero que estamos ante una película que, sin “hablar a lo grande” (sin grandes discursos) tiene una forma directa en su presentarse que no evita que podamos pensar en ciertos “temas más generales”. Lo emocional también estará presente, no carecerá de humor y todo dentro de un film entretenido y “abierto” (al cual un gran público puede acceder).
Por otro lado quiero decir que para mí, en términos “cinematográficamente epistemológicos” la voz en off del principio (donde también se juega un poco con el encuadre) cobrará su total sentido hacía el final (por eso es que considero que este es un guión realmente bueno, que no precisamente ha sido apreciado como tal muchas veces).

En fin, una muy buena película a mi entender. Eso sí, les recomiendo mirarla habiendo visto ya la primera.

“Legion” de Scott Stewart

2010-06-03T00:00:00.008-02:00

Hagamos algo… tómense al menos cinco segundos para apreciar el cartel de la película. ¿Qué les parece?

Bueno, les diré que no están equivocados, que su apreciación funciona muy bien y que, de ser por esto la película promete… Aunque ya veremos.

Dirige Scott Stewart que (también oficia de guionista y productor) viene trabajando hace años en eso de los FX y los efectos especiales. Aquí nos encontramos con su Opera Prima como director.

La misma cuenta una historia que iría más o menos así: Mientras un hombre cose unas heridas en su espalda nos enteraremos que en una gasolinera y barsucho en el medio del desierto una chica va a tener un bebé.

Ella no está sola, pues uno de sus compañeros (con quien parece vivir en un remolque) parece estar al servicio (no muy explícito, ni claro, ni razonable, al menos en principio) de la chica en cuestión y del bebé que en poco tiempo habrá de nacer (ella está embarazada de ocho meses, con una panza que no impide que se fume algún cigarro).

En fin, allí nos encontramos en un paraje de mala muerte donde tenemos algunos personajes: Uno es el dueño del local, el mandamás que tiene un empleado negro. A su vez, en el local no solo nos encontramos a la mesera (que es la embarazada) sino a una pareja (más o menos burguesa, en especial por la mujer) que está parando allí con su hija. Se les ha roto el auto y mientras esperan a que el mecánico lo arregle (el mecánico resulta ser el incondicional de la chica embarazada, también hijo del dueño del local) discuten sobre “lo poco vestida” que está su hija.

Una joven “típicamente rebelde” que para ser Avril Lavigne le falta ser rubia y ponerse a cantar.

A su vez, llegará al lugar otro visitante en un vehículo. Este señor, también de color tendrá un rol medianamente importante (y más que medianamente introducido a la fuerza) en la trama.

El “disparador” inicial de la trama se dará gracias a una viejita motorizada que llega al lugar. La misma no es otra de (lo que al principio pensamos) una encarnación del Diablo que ataca a los que allí están (comiendo el cuello del integrante masculino del matrimonio ya mencionado).

En fin, a rescatar el día llegará al lugar un tal Michael. El señor que vimos al principio viene a avisarles que el bebé que la mesera parirá es la única esperanza para la humanidad. Ya de paso empieza a armar barricadas para el ataque de “esa especie de zombis” que resultarán ser ángeles.

¿Ángeles? Sí, así como lo leen. Dios se habrá cansado de la humanidad y ha decidido deshacerse de ella. “Así como en el Arca de Noe”.

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Al guionista le podríamos avisar también que existió (al menos en la Biblia) un lugar llamado Sodoma. Y otra Gomorra… pero en fin.
¿A qué nos estamos enfrentando? Nos enfrentamos aquí a una película vergonzosa. Ni más ni menos.
Hacía tiempo no me enfrentaba a una película, no solamente con un guión tan PÉSIMO, sino a un film en todo sentido tan mal estructurado.
Podemos empezar hablando de las actuaciones, todas fuera de tono y en diferentes registros, con momentos más o menos melodramáticos que hubiesen hecho que Bergman quisiera ahorcar al director. Tal vez el único que se salve sea el protagonista (que, a pesar de todo, a pesar de los tiros y las expresiones siempre habla “bajito”): Paul Bettany.
Podemos hablar también del ritmo, apurado y sin sentido, con una espacialidad en extremo confusa que a fuerza de “sorpresas” (que no resultan tales) parecen querer salvar una apreciación de la película, casi como queriéndonos convencer de que no es tan mala. Esto a golpe de gatillo, explosiones, ruidos y efectos especiales. Una puesta en escena pobre en la cual pasaremos gran parte del metraje “estancados” en el mismo lugar. A pesar de esto debo destacar el esfuerzo del fotógrafo por “salvar” lo más posible de este gran naufragio. Pues, habrán algunos juegos de luces que serán lindos de apreciar. Eso sí, como cuadros o fotos en sí, pues no más.

En términos de ritmo y montaje estamos ante una historia muy mal hilvanada que se me hace una de las más estrepitosas faltas de respeto y abuso a la inteligencia de los espectadores que he visto en los últimos tiempos.
A mi entender, y así como pasaba en “Luna Nueva” solo nos podemos sacar el sombrero ante los responsables de las campañas de publicidad que logran que una buena cantidad de público se trague estas bazofias sin que estos pésimos realizadores pierdan dinero (¡y hay tanta gente con ganas de hacer cosas! ¡Además de talento y poco dinero!).

Bueno, creo que no hay mucho más para decir. Exceptuando una advertencia a algún teólogo o cristiano con conocimiento de causa. No sea cosa que vean esto y se quieran cortar las venas o algo.
A ellos, y a todos los demás los encomiendo a que, ya sea que la vean o no (y si la ven lo lamento por ustedes) no gasten dinero en la misma. Una pérdida, no sólo de tiempo, sino de juicio y de respeto.

“Mal Gusto” de Peter Jackson

2010-06-01T00:00:00.013-02:00

De título original “Bad Taste” estamos ante la Opera Prima de un señor que posteriormente sería internacionalmente conocido, especialmente gracias a la saga de “El Señor de los Anillos”.

El mismo que ofició de productor con un joven sudafricano que había dado muestras de talento (y de saber usar efectos especiales). El nombre del chico: Nelly Bloompkamf. La película: “Distrito 9”.

Menciono esto último pensando en algunos elementos comunes que podemos encontrar entre “Distrito 9” y “Mal Gusto”. Pero sobre eso ya diré…

Por ahora estará bien decir que estamos ante una película filmada en 16mm, en la Nueva Zelanda natal del director (algunos impresionantes paisajes puestos en imagen para la saga de Tolkien son también de ésas tierras) que, visto que no podía estudiar “cine” o “efectos especiales” en donde se encontraba termino consiguiendo una cámara de 16mm con la cual empezó a filmar en los fines de semana. Junto a amigos, una buena cuota de ingenio e imaginación, pasajes divertidos, bizarros y propios del cine de acción se filmaban en las casas de los conocidos mientras que los efectos especiales se construían en cocinas como la de la madre del director.

Aunque usted no tenga idea de la película, o incluso siquiera sepa quién es Peter Jackson (lo cual sería raro) podemos decir que lo hasta aquí referido nos habla de una película, un paisaje y un director bastante pintoresco/s.

Y no es para menos, pues financiada por el mismo chico (costó alrededor de 11.000 dólares después de cuatro años) tuvo un apoyo por una institución del país con el cual entró dinero, sobre todo, para la música del film. Diré que el último paréntesis me llevó directamente a la realización de “Eraserhead” por parte de David Lynch. Quien trabajó un buen tiempo en un supermercado mientras costeaba ésa, su primera película.

Y ya que estamos asociando podríamos pensar en Almodóvar trabajando con sus odiados/amados teléfonos que en parecidas condiciones (poco dinero, creatividad, amigos, humor) le permitieron crear ese film (que también tiene algunos elementos bizarros… aunque digamos que en otro sentido) que es “Pepi, Luci, Bom… y otras chicas del montón”. Creo que tomando estos ejemplos podemos decir algo así como “¡Vamos todavía jóvenes creadores! ¡Si las condiciones de creación no están creadas ustedes han de ser capaces de crearlas!” (PD: la redundancia es adrede… [PD2: Redundancia se escribe así… no es “rebundancia”, por si a alguien le interesaba saber]).

En fin, podemos decir que nos encontramos en algún lugar de Nueva Zelanda y alguien desesperado hace una llamada: “Auxilio! Ayuda…

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Resultará que la llamada (que resulta cortada) hará que un grupo de muchachos (en una agenda de teléfono: “The Boys”) vayan a resolver el problema.
Así nos encontraremos con un par de amigos. Uno, en el pueblo fantasma con un intercomunicador y un revolver irá buscando la vida humana o… ¡Extraterrestre! Mientras, otro, va monitoreando la situación y se encarga de tener algunos de los diálogos más estúpidos/inteligentes de la película. Este personaje, que en el correr del film tendrá su gran relevancia se llama Derek. ¿Y quién lo interpreta? No otro que el director (que para aclarar un poco también sirvió de guionista [a pesar de que no había guión en un principio] maquillador, encargado de los efectos especiales y editor]).

O sea, en pocas cuentas podemos decir que estamos ante una película de total clase B. Que viendo su alimenticia trama (que, a pesar de las distancias encuentra algunos puntos de encuentro con “Distrito 9”) se podría catalogar como un ejercicio de terror, pero que resulta (gracias a su tratamiento) en algo que se acerca más a una comedia bizarra.
Y hay cosas que están muy logradas aquí (y en esta ocasión ni hablaré de las fallas… por algunas razones: 1. La película conoce bien todas sus carencias. 2. Aún mejor: se ríe de ellas. 3. Cuando algo se realiza con tanto ingenio, ganas y poco dinero ¿para qué nos vamos a poner a hacer juicios que no vienen al caso?) como ser las escenas de acción (con un buen grado de suspense), por ciertos elementos que podríamos leer como críticos (¿Para qué están allí los alienígenas a los cuales en un principio no distinguimos de los humanos más que por caminar raro y estar vestido de Jean y camisa celeste?), por cosas muy ingeniosas (que alguien me cuente como hicieron “volar” la casa) y por un sentido del humor con el cual; si hemos superado ciertas cosas, podremos reír bastante.
Sobre el humor (y algunos otros elementos) podemos decir que estamos ante una película que casi casi podría ser de “La Troma”. También (y, especialmente gracias a su nombre) podríamos pensar en “Pink Flamingos”; aunque con ésta a pesar de tener algunos elementos en común (calidad de filmación, profesionalidad de varios actores, por ejemplo) se distancia bastante; siendo, sabiéndose y queriéndose mucho más jocosa y menos bizarra.
Además tenemos un elemento llamativo que refiere a que no tenemos personajes femeninos en el film.

Una cosa sí que a pesar de todo diré refiere al “estancamiento” argumental que posteriormente a la presentación de las premisas se da. Si bien están todos los elementos del film presentes creo que tanto principio como final van a ser más interesantes. De cualquier forma… estamos ante una película de 91 minutos.

O sea, estamos ante un film que a muchos les podrá ser muy divertido, muy interesante (aunque tal vez sea más divertido que interesante en sí) y que permite pensar en esa línea que hizo este director neozelandés empezando aquí y yendo a lo que sería su carrera futura (un aliento para varios jóvenes realizadores ¿no?).
Recomendada a los interesados y a los gustosos de películas de culto (ésta lo es) más o menos bizarras. O sea, podríamos decir que es recomendada para todos aquellos que disfruten del género “tripas con humor”.

“Antes que el diablo sepa que estás muerto” de Sidney Lumet

2010-05-28T00:00:00.008-02:00

Ya de por sí un título monumental. El mismo que se hace de tal forma, aún más cuando al enfrentarnos al film leemos “Puedes estar media hora en el cielo…” antes del mismo. Además, una de las pocas películas que no ha visto su título original sometido por el pensamiento de “atraedores de público” y al cual conocemos en una traducción fiel. Tal vez, uno de los pocos que competiría (aunque sin ganar y exclusivamente en lo que al título refiere) con “La Insoportable Levededad del Ser”.

Paradojicamente, estamos ante un film que habla de esta insoportable levedad. Y dejenme decirles que escribo sobre ésta película emocionado, pues, me he encontrado con lo que, estoy seguro, es uno de los grandes visionados que yo he tenido la oportunidad de hacer este año.

Pero antes de eso, digamos que estamos ante una película que parte de una historia familiar. Ethan Hawke y Philip Seymour Hoffman son hermanos. El primero debe varias rentas de su alquiler y se ve en apuros ecónomicos gracias a la pensión que tiene que pagar por el divorcio y por la buena escuela a la cual ha decidido enviar a su hija (buena, pero cara). Su personaje tiene un cargo no muy alto en una empresa. Empresa donde su hermano también trabaja. Eso sí, el tiene un cargo más elevado y de más responsabilidad, pese a a lo cual su vida no sea color de rosa. A este respecto habría que hacer un paréntesis mencionando que estamos ante uno de los comienzos de película más impresionantes (que al menos yo) he visto. Pues, en el mismo nos encontramos a este personaje teniendo relaciones con su esposa, mientras se mira en el espejo y hablan de algún lugar en el mundo a donde ir (jeje, acabo de pensar, justamente en “El Séptimo Continente” de Haneke), que es, en este caso Brasil.

Su esposa estará representada por una Marisa Tomei que, dejenme decirles, no solo está hermosa (al menos en términos físicos) sino que logra una actuación muy buena. ¡Pero bueno! ¡Que sobre esto hablare después! Jeje.

En fin. El hecho es que cada uno de los hermanos estará en necesidad de dinero. Siendo así la situación, el “hermano exitoso” se reunirá con el otro para hacerle una propuesta.

A pesar de la sórdidez que implica enterarnos de que este propone robar la joyería de sus propios padres, apreciamos la inteligencia de la idea debido a que: No habrán armas, no habrán heridos y los dueños de la joyería, gracias al seguro, no perderán dinero.

Pero, como pasa muchas veces, no todo saldrá como lo planeado…

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Creo que con decir esto, respecto a lo argumental basta. Ahora, podemos decir que estamos ante una película de prolija y sobria realización. Muy realista se sitúa en una ciudad de Estados Unidos, pero que, teniendo en cuenta las vidas y situaciones de nuestros personajes, podrían ser muchas otras (ciudades).
No nos encontraremos con una película de ningún tipo de virtusismo o regodeo visual y, a mí entender, esto le suma mucho al film.
Tendremos a su vez, unas actuaciones que resultan meramente impresionantes. Cargando Hoffman con el mayor peso de la película y una interpretación que, de tan buena, resulta/ría difícilmente cuantificable. Hawke no se queda atrás (¡cuando lo vemos gritar en el auto!) ni Tomei, ni Albert Finney, que hará de padre de los dos muchachos.
En fin, que sólo por las actuaciones esta es una película muy destacable y que habría que tener a mano (en el pensamiento).

Pero hay más. Tenemos también, como ya decía, unas puestas en escena relativamente sobrias y realistas, pero que, cada una, logra dar con el punto. A mi entender de tal forma que “el mundo que vemos allí” se acerca muchísimo al nuestro. Y, cuando digo esto pienso en el lugar donde se consume heroína (supongo que va primero porque es el que más me ha llamado la atención), en las “cubiculadas” oficinas, en el despacho (y la casa) del “hermano exitoso”, en la joyería (no encuentro otra forma de decirlo: ¡Muy Shopping!), en el departamente donde vive Hawke, etc.
También tendremos a la música (a cargo de Carter Burwell) que, al menos en mi visión particular, no noté en demasía. Esto es un buen indicador, si lo/la pensamos en relación a su “amalgamación” con la totalidad de la obra.
Por otro lado, ya más llamativo, tendremos al montaje (a cargo de Tom Swartwout), que “va y vuelve” usando un efecto que es parecido a aquello que se usaba en “Easy Rider”.
Junto a este recurso narrativo (pues ya entramos en el terreno de los mismos) tendremos el/los de la fotografía. Fotografía (a cargo de Ron Fortunato) que logra ser, también, muy sobria y muy realista (los planos generales de las calles me hicieron acordar mucho a los de “Blindness”… ¿Se habrá “tocado” la imagen de igual forma?) pero que por momentos (sólo por momentos) sube su exposición. ¿Qué significado tendrán estas subidas (momentos en los que todo se ve mucho más iluminado)? Se los dejo a ustedes…
Así también podríamos mencionar a los movimientos de cámara (una bajada a tierra que veremos dos veces, justamente en un momento donde “todo baja”) y los zooms (que junto al montaje y al recurso mencionado de la película de 1969 nos llevan a “otras partes”).

Pero esta película es muy llamativa en lo que respecta a su “estructura”. Y a la hora de pensar en este elemento se ha de pensar necesariamente en un guión (firmado por Kelly Masterson) que, “tal vez no tan original” en principio tiene una consistencia y una historia ante las cuales habría que sacarse el sombrero. Es cierto que la estructura es parecida a la de “Atraco Perfecto” de Kubrick (donde también se comparte la premisa argumental sobre un atraco que sale mal). También es cierto que a ésta altura ya hemos visto a Tarantino (especialmente “Jackie Brown”), a los Coen (especialmente “Fargo”), y hasta “Amores Perros”.
En ese sentido podríamos decir: “Ufa! No es muy original.” Pero tal afirmación (si bien cierta) a la hora del visionado sería bastante más “intelectual” que emocional. Pues a la hora de verla la seguimos con unas pupilas muy abiertas (o ese ha sido mi caso, al menos).

¿Por qué? Yo creo que porque cuenta una historia muy humana, de sentimientos y actitudes que todos en el día a día podemos ver. Una historia que a su vez resulta de una violencia (y contiene una crueldad) que nos podrán helar la sangre. Que aborda hechos “impresionantes” y “poco habituales” con lo que se me ocurre se podría llamar una “verosimilitud psicólogica” sin parangón. Tal vez sea allí donde encontremos el punto que nos distancia tanto del cine de los Coen como del de Tarantino. A su vez, es posible que sea allí donde encontremos eso que realmente puede hacer que “se nos hiele la sangre”.
Y creo que a pesar de todos sus diferentes elementos ésta película se destaca y vale por ser una historia muy humana. Pero no me quiero quedar solo con ese adjetivo (¡si hasta alguien habrá dicho tal cosa de “Cinema Paradiso”!), sino que aborda las relaciones familiares de una forma tan especial (en este sentido me ha hecho pensar en Cronenberg; aunque en él [si bien no llega al nivel de los Coen o Tarantino] hay un estilo propio y un interés por contar que, tal vez podría reforzar “su planteo” en detrimento de ésta “verosimilitud psicólogica”; y lo digo pensando, por ejemplo en “Una Historia Violenta” [donde también se tocan temas referidos a ser el hermano más chico y/o más grande] y en “Promesas del Este”).
En fin, yo sé que puede sonar muy grande y sé que esta vez estoy “teniendo especialmente” miedo de “ser poco objetivo”. Esto último, simplemente porque la película me ha gustado mucho, me ha llegado y me ha hecho (y me hará) pensar mucho. El director de “12 Angry Men” lo ha logrado nuevamente, y con ochenta años y una filmografía con altibajos va a hacer que yo mire todo lo que ha hecho.
Pero en fin, que desde este rinconcito del mundo donde me encuentro (sea el que sea) les digo que para mí ésta es una Obra Maestra.

“El Expreso de Medianoche” de Alan Parker

2010-05-26T00:00:00.004-02:00

“The Midnight Express” es una película estadounidense de 1978. El director de “The Wall” trabaja un guión de Oliver Stone. Hablamos de una película que ganó dos premios Oscar (al mejor guión adaptado y a la mejor banda sonora) y se basa en hechos reales.

Nos introducimos en una historia en la cual vemos a alguien pegando “algún tipo de sustancia a su cuerpo”. Todo esto ocurre el 5 de octubre de 1970, el día posterior a la muerte de Janis Joplin. En fin, resulta que quien se estaba pegando estas cosas es un joven estadounidense que en la película se llamará Billy Hayes. El mismo es interpretado por un actor que, de no haber sido por su prematura muerte podría haber sido una estrella: Brad Davis.

Nos enteramos que él, junto su novia, están en un aeropuerto de Turquía tratando de volver a Norteamérica. Tendremos un comienzo con suspense, en el cual (junto al protagonista) nos preguntaremos si podrá salir del país.

Siento tener que decírselos así, pero tal cosa no será posible. Y nos quedaremos con nuestro protagonista en el país.

Allí el chico conoce las dantescas condiciones en las que se pueden llegar a encontrar los reclusos en un lugar como Estambul. De cualquier forma al joven se le conseguirá un "buen" abogado que logrará que su pena sea sólo de cuatro años. Las cosas no serán del todo fáciles gracias al tensamiento de relaciones entre el gobierno turco y el presidente Nixon.

En fin, junto a nuestro protagonista nos encontraremos en el encierro. Ante el funcionamiento carcelario y de la justicia en Turquía (que amenaza con condenar al joven a cadena perpetua) una pregunta se pondrá, necesariamente, en el tapete. ¿Podrá el joven salir de su reclusión y volver a su hogar?

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A cargo de la música (que ganó el Oscar) tenemos a Giorgio Moroder. La misma tiene un sonido algo setentoso y bastante experimental, y será una de las primeros elementos que nos ha de llamar la atención en el film.
La puesta en escena es bien feísta y tomando en cuenta algunos ejemplos más o menos actuales podría remitirnos a films que se sitúan en el tercer mundo, como ser (por ejemplo) “Ciudad de Dios”, “Distrito 9”, o “Slumdog Millionare”. La misma nos dejará con una sensación amarronada y polvorienta, de mucho calor y transpiración que, en pocas cuentas, es lo que se vive (y vivimos) en el film.
En las actuaciones encontramos a un par de extras entre los que sobresale el brillante John Hurt y entre los cuales encontramos también a Randy Quaid. ¿Randy Quaid? Si, hoy día más gordito es una cara (y un secundario) que podemos reconocer en alguna película de Hollywood, pero que a su vez es el protagonista de una película de Hal Ashby. La misma que protagonizaba junto a Jack Nicholson (y que, a más tiempo de su visionado mejor se hace): “El Último Deber”.
Por otro lado nos encontramos con un guión adaptado por Oliver Stone que ganó el Oscar. Yo me pregunto si los tiempos cambian o ese año habían salido muy malas las películas, pues he de decirles (y aquí empiezo a despotricar) que a mi me pareció (a lo menos) bastante plano el guión.
A su vez, hablamos de un “estilo de películas” que hablan de “un cierto tipo de situaciones”. ¿A qué me refiero? A que nos encontramos ante una película que va en la misma línea de las (posteriores): “Regreso al Paraíso” e “Inocencia Robada”.
El tipo de situaciones se refieren a las de unos “buenos chicos” norteamericanos que, por alguna u otra razón (una posible se llama: Vacaciones) se encuentran en algún país de oriente. Allí, puede ser que traten de llevarse del mismo algo de (por ejemplo) hachís (como en este film) y que sean arrestados y tratados por la dura justicia del mismo. Nosotros, lo que debemos hacer es sentirnos identificados, pensar que podrían ser nuestros hijos, nietos o nosotros mismos y congraciarnos con estos “inocentes chicos” a los cuales se los carga con una pena mucho más grande (e irrazonable) de lo que debieran soportar.
Como intuirán, tal argumento ya de pique (aunque depende de cómo sea tratado) puede hacerme sentir nauseas. Pues acaso ¿Qué ha pasado? ¿No ha empezado a aparecer el tercer mundo en “cines internacionales” gracias a la particular (y parcializada) visión del "primero"? ¿Quién se congracia acaso por los montones de personas y naciones que están mal, son pobres, etc, etc?
Un par de cosas. A este respecto, les recomiendo (si, se que puede ser “pesada de ver”) “Policía Adjetivo”. Otra: Oliver Stone posteriormente a la realización del film ha declarado arrepentirse de dar una imagen tan mala de Turquía. ¡Que bueno es Oliver!

En fin, hay otros aspectos del film que aún no he abordado porque, lisa y llanamente me han parecido mal llevados.
Para mi estamos ante un protagonista que no actúa. El muchacho no hace más que pararse ante cámara, “ser lindo” o “gritar” o “estar loco” según el momento. Esto sin mencionar que en momentos habla (vi la película en su idioma original) y ni siquiera modula demasiado.
Por otro lado tenemos una fotografía “feísta” (y, a mi entender) “facilista” que le debemos a Michael Seresin. A su vez, la música (que nadie duda sea una banda sonora muy interesante de escuchar de por sí) en momentos no “se encastra con el film en sí”.
Pero bueno, que mi crítica más rotunda va pensada hacía el responsable de todo esto. El Señor Parker (y nada tiene que ver con Spiderman). Pues, de este muchacho ya he visto algunas cosas. Y…

Voy a aclarar una cosa: Con el siguiente comentario tal vez me ponga a varios lectores “en contra”. Entiéndase que estamos hablando de apreciaciones personales.

Y no le perdono que haya arruinado lo que podría ser una Verdadera Obra Maestra como es “The Wall” (que no está del todo mal, pero es una película “de paso” en la cual yo veía tantas… pero TANTAS POSIBILIDADES!!!! [PD: Ahora, los que piensen que quien escribe está loco tengan en cuenta que posteriormente al visionado de la misma me encontré con que Roger Waters opinaba lo mismo; aunque sospecho que no podía dar cuenta de “su bronca” sobre el tema en público…]). A su vez podemos encontrar algún otro trabajo con su firma (pienso en este momento en “Las Cenizas de Angela”) y se pueden llegar a ver algunas constantes.
Dirección, cuando mucho: Correcta. No tenemos ni una visión propia ni un tratamiento propio de los temas. ¿Habrá algo que este señor realmente tenga para decir? ¿O simplemente tendrá “buen ojo” a la hora de embarcarse en ciertos proyectos?

En fin. Ya metiéndome concretamente con la película voy a plantear (en especial en lo que a la dirección respecta) un par de problemas. Por un lado nos encontramos ante un film donde, a mi entender, tenemos varias partes (como ser, la música, las actuaciones, la historia) pero que no logran nunca llegar a convertirse en “un todo”. Hay gente por ahí que plantea que “El todo es más que la suma de las partes”… Por otro lado, tenemos un uso de la cámara, de los encuadres, de los zooms y de los tamaños de planos que inevitablemente hace que me pregunte: ¿Acaso había algún criterio? ¿Al menos algo de inteligencia?
Y esto último lo digo pensando, por ejemplo, en esa “primera escena de suspense”. ¿Se imaginan lo que hubiese hecho un Brian de Palma (por no decir un Hitchcock) con la misma? ¿Hasta qué punto estamos ante un film desaprovechado?
Otra cosa (¡pero a quien le importa a esta altura!): ¿Han visto la cantidad de errores de continuidad?
¡Y ni hablar del tratamiento de los turcos, esos rostros exagerados y enfeados! Las actitudes y las lecturas que se da lugar a sacar: (las cuales y a pesar de que suena duro serían) “Son todos tontos” (usando una palabra suave).

En fin, una película que me ha dejado de bastante mal humor. De cualquier forma tengo que reconocer que mejora hacía el final y bueno… Que se la ha de tener en cuenta como “Película de cárceles” junto, por ejemplo, a “Escape de Alcatraz” y “Sueños de Libertad”.
No la recomiendo.

“El Cuarto Tipo” de Olatunde Osunsanmi

2010-05-24T00:00:00.006-02:00

También conocida como “The Fourth Kind” estamos ante una película bastante especial. Al principio de la misma se nos parar enfrente Milla Jovovich para decir que se usan grabaciones reales en la película, algunas que pueden ser bastante “perturbadoras” (lo cual [aunque, como siempre, depende del espectador] es bastante cierto).

El título se refiere a una clasificación (aparentemente) realizada en 1972. La misma se refiere a los tipos, a las categorías de “encuentro” y “contacto”. ¿Encuentro y contacto con qué? Ya se entenderá.

El primer tipo se refiere al que se da cuando, por ejemplo, vemos un OVNI. El segundo tipo se refiere a cuando se recoge alguna evidencia de un encuentro. Al hacer contacto con extraterrestres, estaríamos hablando de tercer tipo. Y cuando ya hablamos de abducciones… pues nos referimos al cuarto tipo.

Ya se irán dando cuenta entonces que estamos ante una película que aborda temáticas relacionadas con extraterrestres.

Sobre la calidad del film en sí creo que se podrán decir muchas cosas, se puede discutir mucho. Creo también que las premisas de las cuales se parte son interesantes. A su vez, creo que si alguien la quiere ver como quien ve un ejercicio de terror diferente a “El Juego del miedo 88” estará bien ubicado.

Es más, yo me enfrenté al film después de que un amigo me dijera/pidiera que la viese.

Y, ciertamente estamos ante una película bastante particular.

Lo que voy a hacer a continuación es dejarles el trailer. Posteriormente a eso abordaré la película desde y para la perspectiva de alguien que ya la haya visto. O sea, si no la vieron y no quieren acceder a los spoilers no lean.

Hasta aquí sólo diré una cosa más respecto al film y refiere a lo siguiente: Gasten lo mínimo posible al verla.

Trailer:

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Atención: Lo siguiente revela elementos importantes sobre el argumento del film.

Varios problemas se generan con ésta película. Lo que muchos se preguntarán (aunque muchos otros no) apenas terminado el visionado se refiere a sí las imágenes que acabamos de ver y se presentan como reales realmente lo son.
Dejando está cuestión picando voy a abordar la película en sí.
Primero: tenemos un elenco que incluye a la “Juana de Arco” y ex esposa de Luc Besson Milla Jovovich. Creo que su belleza nos atraerá. Además, si tenemos algo de confianza en ella (además de que seguramente la “conozcamos” o “reconozcamos” al principio del film) podemos tener un “viajecito” entretenido con el film. Co protagonizando nos encontramos con Elias Koteas (ya empieza a aparecer como uno de esos “secundarios” que va a adquirir cada vez más “primer plano”, creo, en lo que refiere al mainstream hollywoodense). También estarán por allí Will Pathon y Alisha Seaton entre otros.
Segundo: El director de origen nigeriano Olatunde Osunsanmi es quien aparece realizando la entrevista a la psicóloga protagonista (y no me refiero a la encarnación que de ella hace la actriz rusa). En su haber nos encontramos con otra película: “WithIN”, realizada en el 2005 hablamos de una película de terror.
Por otro lado tenemos todo un tema con el material de archivo, con el material “ficcional” más o menos reconstruido y la forma en la cual los elementos se enmarcan y se usan.
O sea, nos encontraremos primero con la presentación de la actriz, quien afirma que el material “ficcional” se basa en grabaciones reales. En la película se mezclaran varias veces éstas grabaciones con el material “real”. Es más, llegamos a tener momentos donde el cuadro está dividido en cuatro segmentos.
Respecto a la parte ficcional en sí podemos decir alguna cosas: Las actuaciones llegan a cumplir, la fotografía es correcta excepto en los momentos en que quiere dar a entender algo de forma enfática. Así como la música y las imágenes aéreas podemos notar que estamos ante una película que es, en ese sentido “efectista” y que, a fin de cuentas, se está “regodeando” en el tema tratado. Esto podría llevar a que (nuevamente) nos volvamos a preguntar ¿Pero es esto real? ¿Si esto pasara realmente podría ser tratado de tal forma? Ante tal cosa yo me atrevería a responder que, viendo “lo mal hechos” que están un montón de películas y audiovisuales en la actualidad tal cosa podría ser cierta. Incluso, hasta podríamos preguntarnos si tal cosa no podría ser “mal hecha” adrede justamente para que (teniendo en cuenta el problema de las calidades que acabo de mencionar) podamos preguntarnos sobre su veracidad (aunque este pensamiento ya se me hace algo demasiado enreverado y poco posible…).
Por otro lado, se nos presentan pruebas respecto al pueblito de Alaska donde la acción se sitúa y las “cosas que allí hace años ocurren”. Si ustedes, al igual que yo, no tienen demasiado conocimiento sobre ese lugar llamado “Nome” estaremos en una situación parecida.

En fin, mi intención hasta aquí ha sido la de, digamos, tratar de “hacer pensar” a algunos posibles espectadores.

Ahora, les diré que en la película ni siquiera las imágenes que se nos presentan como reales lo son. Parece ser que la gente del pueblo se sorprendió al ver en la película un “Nome” que no era el verdadero. “¡Qué lindo que es ése, a pesar de que no exista!”. Y es que hablamos de una película que fue rodada en California y Bulgaria. La duda entre realidad y ficción (o debiera decir en lo que respecta a “ese extraño entroncamiento ficción-no ficción”) se desvanece cuando nos enteramos de que todo ha estado al servicio de campañas de marketing para que las personas pudiesen creer lo que ante sus ojos (y oídos) se presenta como “plausible”. Esto corresponde a “nuevas” y (a fin de cuentas) cada vez más violentas estrategias de mercado. Ésta es, en ese sentido, una película original.
Pero bueno, a mí que me gusta ver cine “que me aporte”, siendo ya desde la visión de “un autor” o no esto me ha venido a caer bastante mal. ¡Y ojo! Con esto no quiero decir que no me gusta emocionarme e incluso “no tener idea de lo que está pasando”... ¡Pero no así!. Pues así se degrada al espectador, se le está faltando el respeto a mi entender. Y no sólo eso, se lo está pensando como un simple “consumidor”. No sé ustedes, pero yo no quiero, no me siento, ni pretendo ser o convertirme en tal cosa.
Tal vez tal crítica pudiese ser matizada si el film realmente “aportara” algo; pero yo no me llevo mucho más que lo siguiente: Jovovich sigue viva y es una chica muy linda. Se han diferenciado cuatro diferentes tipos o categorías de encuentros con extraterrestres.
En un posterior análisis: Hay gente que está dispuesta a hacer bastante por “fama” y “dinero” y hay bastante gente a su vez (y esto me preocupa más) que está dispuesta a aplaudir a esa gente por tal cosa.

Llegando al punto final me parece que se puede entender porque, muy enojado, digo que no se gaste dinero en el film. Por otro lado, tengo que reconocer que estamos ante un “film original” pero, lamentablemente, más en su campaña de publicidad y en su forma de “hacerse plausible para un hipotético espectador” que en otros aspectos. En ese sentido creo que sería interesante tener en cuenta a “Alien” y la excelente (pensándola en relación a ésta película aún más) “F de Fraude” de Orson Welles. Si es por el tema de los extraterrestres me sigo quedando con “Archivos X”.

Y aquí va la “prueba fehaciente de que es una ficción” (jeje sé de alguna persona que se ha tranquilizado un poco con esto ¡!): Click aquí.

“Eran diez indiecitos” de Rene Clair

2010-05-22T00:00:00.006-02:00

De título/s original/es “Ten Little Indiands” y “And there were none” nos referimos a una película realizada en 1945 por un director prolífico y creativo. También conocida como “Diez Negritos”.

La película se basa no en una novela, sino en un libreto de Agatha Christie y nos introducirá en un misterio: Nos situamos en un bote en el cual hay ocho pasajeros. Los mismos llegan a una isla donde hay (unicamente) una gran casa. Esa noche los invitados cenarán con el anfitrión: el señor Owen.

El mayordomo, que junto a su esposa se encuentra allí, anunciará que el señor Owen llegará más tarde de lo esperado (justo a la hora de la cena) y los invitados han de pasar el día allí.

Cosa extraña, recién cuando el juez decide romper el hielo los mismos se ponen a hablar. Pues, los invitados no se conocen entre sí. Así nos iremos enterando que hay allí un médico, un “Príncipe” que toca el piano, un avejentado General, una mujer que pasa el 80% de su aparición en pantalla tejiendo, un joven avispado, un “detective” no tanto, una joven bastante hermosa y el ya mencionado juez. Algo extraño se da, pues, en forma de prólogo no planeado la joven se acordará de una rima infantil que el príncipe tocará en el piano. La cancioncilla (más oscura de lo que se podría esperar para “ser infantil”) es justamente “Ten Little Indians”.

La canción describe como diez pequeños indiecitos van muriendo uno a uno. Esto en principio no será tan extraño (aunque inevitablemente, como espectadores, “debiéramos estar bastante atentos”) pero pasará a serlo cuando nos enteremos que a cada uno de nuestros diez personajes se le acusa de un crimen “por el cual no ha pagado”. Los personajes están estancados en la isla sin contacto con el exterior ni forma de salir de la misma. Y, además de las desconfianzas y de las sospechas que comienzan a emerger tenemos una estatuilla con diez indiecitos, dándose de forma simultánea la rotura de una y la muerte de uno de nuestros personajes, como bien anuncia la canción.

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Tal vez, alguien que lea esta sinopsis podría pensar en que estoy contando demasiado. Tal cosa no es así, pues estamos ante el disparador de esta trama bastante propia ya de por sí de la escritora británica.
El misterio se pondrá en el tapete y empezaremos en una especie de juego, en una especie de “juego mental” (“Game of the mind”) a ver como poco a poco desaparecen personajes. Podríamos decir que estamos en una trama que media entre el “Gran Hermano” (siendo el salir de “la casa” mortal) y una película “slasher” que difícilmente podríamos catalogar como “terrorífica”. Pues, no hay presencias sobrenaturales ni monstruos con máscaras, muñecos con cuchillos o juego de telekinéticos.
Se nota el peso de la escritora en la película, y a pesar de que no he leído ni la novela ni la obra homónima (de teatro) imagino que la misma debe estar bastante respetada.

Por otro lado tenemos a la película en sí. Y creo que esto es muy relevante en tanto Clair logra una obra con personajes humanos, con los cuales, mal que bien, empatizamos. Habrán dimensiones humorísticas (que le quitan peso a la sordidez de la trama) y un tratamiento “amigable” de personajes inmersos en una situación que lo es poco. Esto, quiero imaginar, puede resultarnos, como espectadores, algo conflictivo.
Estamos ante un guión depurado, dinámico y claro con muy buen ritmo. Pues, ésta es una historia que realmente seguimos con interés. En cierto sentido debo decir que me ha hecho pensar en “12 Angry Men” aunque considero a la película de Sidney Lumet superior, a pesar de todo.

En fin, estamos también ante un ejemplo de cine negro donde se usarán recursos narrativos bastante simples y efectivos. Hay varios juegos de luces, como en “M, el Vampiro” escucharemos a alguien silbar, etc.
El elenco es coral y cumple. A pesar de esto (y a pesar de que tenemos personajes bien dibujados y actuados) yo sigo preguntándome si un grupo de personas en una situación como ésta se comportaría como nuestros personajes lo hacen (pero ya veo que esto es un problema que se me va haciendo con Christie, tal vez dado por una diferencia en términos de idiosincrasia y por no poder pensar tan “lógica y fríamente” a un mismo tiempo).
También hemos de decir que es una película en la cual nos podemos quedar pensando bastante, cuando ya ha terminado “la historia en sí”. Pues se plantean un par de cuestiones que serán, a lo menos, interesantes.

En fin, una película que no está en el bendito/maldito libro de “1001 Películas Que Hay Que Ver Antes de Morir” pero, que (espero que algún hipotético lector este de acuerdo conmigo) podría estarlo perfectamente. Muy recomendable.

“The Happening” de M. Night Shyamalan

2010-05-20T00:00:00.005-02:00

También conocida como “El Incidente” o “El Suceso” nos referimos a una película del año 2008 protagonizada por Mark Wahlberg y dirigida por el creador de “Sexto Sentido”.

Shyamalan se ha vuelto, a estas alturas, un señor problemático en varios sentidos. Que me refiera a él como “problemático” no va por el lado de que sea un director que gusta del misterio, de lo ominoso, que se meta con miedos profundos y los trabaje de formas “peculiares” (¿o debería decir lisa y llanamente originales?). Va por el lado de que, no sabiéndose muy bien “a qué va” este señor que fue conocido realizando una película de fama mundial (y no he hablado con nadie que no tenga estima por “Sexto Sentido”) se ha hecho problemático en lo que respecta a la continuación de su filmografía.

Pues, después de la mencionada película nos encontramos con otras películas a su nombre: “El Protegido”, “Señales”, “La Aldea”, “La Dama del Agua”, etc.

Sobre las mismas puedo darles mi opinión. Siendo la única que aún no he visto (aunque si he escuchado como se acordaban de los familiares de este señor y no con mucho cariño respecto a) “La Dama del Agua” puedo decir que tanto “El Protegido” como “La Aldea” son películas que ME ENCANTARON. Y, particularmente (aunque parezca que no esté demasiado de acuerdo con la mayoría del público actual) “La Aldea”.

Eso sí, con “Señales” sí se me empezó a complicar la cosa.

Y esto no es poco relevante en relación al film que nos ocupa; pues, creo que hay mucho que se retoma en esta película en relación a “Señales”. Creo que ambas tienen un diálogo muy fluido y podríamos acercarnos a un mejor entendimiento habiendo visionado ambas.

Pero antes, debería decir que en esta película nos encontramos en el Central Park de Nueva York. Un día normal: gente en el parque con sus perros, personas caminando o haciendo deportes. Amigos que se juntan a hablar e incluso algunas estudiantes conversando. Todo normal.

Ahora, repentinamente vemos que los árboles se mueven y algo ocurre. Mientras una chica (que está con una amiga) mira azorada los hechos nosotros nos preguntamos “¿Qué está pasando?” (y Shyamalan sabe como hacer que nos preguntemos este tipo de cosas; pues, estamos ante uno de esos señores que han tomado y reformulado “ciertas enseñanzas” que ya Hitchcock filmaba). La gente (con mucha vida y mucho movimiento) se ha quedado parada estática en su lugar, casi como si se hubiesen congelado. Ella mira a su amiga sorprendida y le habla. Esta responde con un par de sílabas, las mismas de la última frase que afirmó. Sílabas que vuelve a repetir.

Ante la mirada de su amiga (y de nosotros) la amiga se saca un broche de pelo y se lo incrusta en la garganta (nuestras reacciones pueden parecerse a las que alguien tiene ante el primer visionado de “Un Perro Andaluz”).

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Resultará que nos encontramos ante una especie de “epidemia” por la cual, muchas personas en un determinado lugar dejaran de reaccionar como lo hacen habitualmente para dejar emerger la autodestrucción sin ningún tipo de trabas. Suicidios colectivos (aunque individuales) y (¡lo más terrible!) ascéticos ocurrirán ante nuestros azorados rostros. Es impresionante la secuencia de los pies con el arma que un policía acaba de usar.

Mientras esto ocurre nos encontraremos en una clase donde Mark Wahlberg (muy prolijito el chico) trata de enseñarle ciencia a un grupo de jóvenes. La clase será cancelada ante los extraños hechos. Las especulaciones comienzan: ¿Ataques terroristas? ¿Guerras biológicas? ¿La fuerza de la naturaleza?
Con más preguntas que certezas seguiremos la historia de este particular profesor, que se verá viajando en busca de un lugar seguro junto a su mejor amigo que profesa matemáticas en la misma institución que él, la hija de éste y la joven esposa de nuestro protagonista.
¿A dónde nos llevará todo esto? Buena pregunta.

Con esta especie de introducción argumental ya podemos entrever algunos elementos de la película. Una situación apocalíptica que se presenta. Un grupo de personas con la cual vivimos tal situación, al tiempo que se nos sigue dando cuenta del avance de eso que parece traer la muerte inminente.
Es allí donde podemos encontrar varios parecidos. Primero con “Señales” (con la cual también habrán otros parecidos argumentales y preocupaciones más propias de quien también oficia como guionista y productor), aunque podríamos mencionar ya sea a la más cercana “Guerra de los Mundos” de Spielberg o a la recientemente comentada “The Host”.
Con ésta última (lejana en muchos sentidos) comparte una característica especialmente: Los diez o quince primeros minutos del film serán de antología.

El amigo del protagonista es interpretada por John Leguizamo que, se ha dicho, actúa mal. Lo mismo se ha dicho de Wahlberg y la chica: Zooey Deschanel. Yo no me atrevería a afirmar que tal cosa no ocurre, o sea que no “actúan mal”. Tampoco me atrevería a afirmar que los actores están mal dirigidos o que no son buenos. Lo que si me atrevo a afirmar es que las actuaciones y nuestros personajes “son raros”. Pero esto, que muchos ven en un primer momento como una “contra” a mi me salta como un elemento particular. Pues, Shyamalan es un hombre muy capaz y muy singular en su hacer, así que ¿Sería tan extraño que nos coloque ante personajes que, justamente, nos descoloquen?
Esto que planteo como pregunta tiene, para mí, su respuesta. Creo poder entrever porque Shyamalan ha hecho tal cosa. Pero no lo voy a decir (al menos no directamente) porque en parte creo que el autor apunta a que el espectador pueda reflexionar sobre ciertas cosas así como a que puedan darse diferentes lecturas. Entre las cuales la mía dista de “ser correcta”. Tan solo es una.
Pero, en fin, a lo que voy con esto es a que me parece dudoso que estemos ante actuaciones malas. Sí son extrañas y distantes y sí la cara del profesor de matemáticas puede no gustarnos… Pero ¿acaso no puede ser esto intencional?

Por otro lado tenemos una fotografía bastante “naturalista” que se coloca frente a muchos paisajes verdes (habrá un por qué argumental para tal cosa) y que más allá de ello no me parece muy destacable. Es más, creo que en lo que refiere a fotografía y a encuadres no estamos ante una gran película (aunque tenemos momentos que se pueden considerar geniales, como la escena en la que el amigo va en el auto a buscar a su esposa; y otros bastante menores).
La música estará bien y en términos sonoros tendremos algunos elementos bastante interesantes (¡muy buena la acústica de “la otra habitación”!) y que Shyamalan (como lo hacía cuando un niño asustadizo que veía fantasmas iba al baño) sabrá usar para hacernos saltar de la butaca cuando a él se le de la gana.

Creo sí que es necesario pensar ésta película en relación a “Señales”. Esto no sólo por algunos parecidos en términos argumentales (ver el proceso de deducciones y pasos frente a esa amenaza inminente) sino por algunos elementos de significado que aparecen.
Por un lado, algunas preguntas quedarán planteadas ¿Por qué ha sucedido tal y cual cosa? ¿Hay razones? ¿Qué se hace con ello? ¿Y los afectos? ¿Y las personas que se quieren y que están? ¿Y la fe? ¿En qué creer?
También se podrán ver en el film algunos elementos referidos a la puesta de atención en lo que a la naturaleza y al papel que el hombre en relación a ésta está teniendo. Si bien tal línea puede estar planteada no creo que sea la principal aquí (y después de quedarme pensando he llegado a algo que quedaba en puntos suspensivos en relación a “The Host”, donde esto sí es relevante…).
Creo que el planteo del director va por otro/s lado/s (aunque bajo ningún concepto excluya a varios de los ya mencionados). Y se ha de tener en cuenta que cuando me refiero al planteo del director sí estoy pensando más o menos específicamente en las dos películas mencionadas (“Señales” y ésta) pero creo que hay algunas cuestiones que son coextensivas a toda su filmografía.

En fin, me pasó al ver “Señales” (película que tampoco tengo por las nubes) que me encontré con que se estaba planteando una situación sobre la cual poco se había hablado. A mi entender un gran tema de la película estaba en lo referido a la “fe” y al “creer”. Es más, para mí había un momento central donde se planteaba tal situación y no me refiero a otro que al de “la charla que se da, de noche, en el sillón”.
A su vez, “esta cierta cinefilia” puede que sirva para algo; pues para mi (¡atención a lo que voy a decir ahora!) ésa discusión y la cuestión planteada estaba en relación directa con otra película. ¿Qué película? (Quiero pensar que Shyamalan es, a lo menos, algo cinéfilo). Me refiero a “Luz de Invierno” o “Los Comulgantes” del sueco Ingmar Bergman.
En ésta nuestro protagonista era un cura (digámoslo así:) que había perdido la fe. ¿No representa Mel Gibson en “Señales” a un cura acaso?

Digamos que estoy tratando de dar “ciertas orientaciones” para poder pensar mensajes tal vez esquivos y tal vez difíciles. No creo tener la razón en ningún sentido y creo que hay múltiples formas de entender los planteos que se nos presentan; pero bueno, tal vez a alguien le esté facilitando herramientas de análisis o a algún otro lo pueda estar animando a la discusión.

También se ha de tener en cuenta (y se podrá más o menos llegar a pensar habiendo leído el comentario hasta este punto) que a mi no me interesa simplemente “divertirme” o “entretenerme” frente a una película (aunque no dejo de considerar que esto es muy importante, yo también me puedo aburrir muchísimo y hay veces que puedo pretender [ni más ni menos] “pasar el rato”). Pero, en fin, con este señor (como con otros varios) lo que trato de hacer es (desde mi humilde posición y entendimiento) tratar de entender qué se me quiere transmitir.
Creo que algunos cineastas (contemporáneos o no) han “dicho” cosas que realmente pueden ser, son, serán o intentarán ser muy importantes para los seres humanos; a pesar de que no siempre se entiendan o no siempre “sean escuchadas”. Pero bueno…

Tal vez para sorpresa de algún lector pasaré a decir que la película es, a mi entender, interesante en lo que refiere a la filmografía y al entendimiento de su director. Ahora, pensando en una película de “entretenimiento” o un ejemplo de “cine catástrofe” como tal la misma se quedaría corta. O sea, considero que la tendría que ver quien tenga un interés más o menos específico o quien esté dispuesto a atenerse a ciertas consecuencias (como, básicamente, que no le guste).
O sea, se la recomiendo a quien le interese de forma medianamente específica.

“Mad Max” de George Miller

2010-05-18T00:00:00.007-02:00

Creo que se puede afirmar tranquilamente que esta película es una extrañeza. No porque sea de 1979, ni porque sea la primer película en la que actúa Mel Gibson, película de procedencia australiana (Mel Gibson es estadounidense) y opera prima consistente en una road movie realizada por un paramédico que había ahorrado para la misma. Tampoco creo que sea por el extraño futuro pseudodistópico que nos presenta ni por los estrambóticos personajes vestidos en cueros desarrapados nómadas de la ruta. No creo que sea una extrañeza por ninguna de estas cosas, sino por la conjunción de las mismas (y algunas otras).

En esas otras podemos incluir el hecho de que, de forma totalmente inesperada y como quien no quiere la cosa la película se hizo de fama mundial, un éxito de taquilla que fue doblado al inglés, aunque ya se hablara en inglés. Una película que nos puede hacer recordar a Sergio Leone y que en varios aspectos tiene una estructura (y una narrativa) de western.

A modo de sinopsis podemos decir que nos paramos unos años adelante (jeje, la magia del cine: siendo cual sea el año en que veamos la película siempre es en un futuro próximo). En estos nos encontraremos con una persecución policíaca en la ruta. Aparentemente un maníaco que se hace llamar “El Jinete Nocturno” anda como loco por la vida. Y esto de por sí no sería un problema demasiado grande si este señor no hubiese matado recientemente a un joven policía. En fin, tendremos una escena de “persecución conjunta” muy buena en la cual nuestro protagonista termina salvando el día.

Posteriormente a esta introducción de adrenalina y velocidad nos enteramos no sólo de que Mel Gibson (que interpreta a un joven llamado Max) tiene una hermosa esposa y un hijo, sino que quiere dejar su trabajo. Por otro lado, entre tantas otras ya, se le ha hecho una amenaza. Los amigotes de “El Jinete Nocturno” van tras él. Él no lo cree, y con tanto estrés (y trabajo) se tomará unas vacaciones con su chica. Mientras, pasaremos tiempo con estos motoqueros nómades, estrafalarios, mal educados, con algunas perversiones sexuales y algo de maquillaje (la mezcla de lo que sería un glam con un sans-culotte, sólo que en motocicleta).

En fin, como podrán imaginar… Habrá problemas.

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Y así es que nos encontramos ante una película que, digamos “da lo que anuncia”. Adrenalina, velocidad, sexo (y debo comentar que me ha llamado poderosamente la atención la forma en que vemos “piernas”), explosiones y acción serán propios de la misma. Por suerte esto no es todo y tenemos secuencias no sólo que muy románticas, sino también jocosas y en extremo humanas. Es más, hay que decir que con la mixtura lograda mediante el uso de éstos “climas” se potencian varios elementos. Entre ellos nuestro sentimiento en relación a lo que allí pasa y, a su vez, el suspense.

Una buena realización. Propia de ésas primeras obras que se saben baratas y se las ingenian para salir del paso lo mejor que pueden. Un Mel Gibson seleccionado de casualidad (le iban a dar un papel pensando en que estaba deforme después de una golpiza) y la música en la que figura Brian May (no el de Queen, sino un compositor de música para películas australiano) que hace muy bien su trabajo.
O sea, en términos de realización, puesta en escena y ritmo estamos ante una apuesta muy disfrutable y muy ingeniosa.
A pesar de esto hay que decir que el guión no llega a ser tan hábil como se podría esperar y que tenemos algunas cosas que, no es que no estén cuidadas, pero digamos que… es en ellas donde se nota el presupuesto (el director puso una camioneta suya para que fuera destruida en una escena). Otra cosa que nos puede llamar la atención se refiere al hecho de que nuestro protagonista no quiso un doble para las escenas de acción.
También pueden llamarnos la atención algunos elementos metatextuales (pues, hay parecidos a otras películas) como ser “La Naranja Mecánica” o, por decir una, la protagonizada por Clint Eastwood “Por un Puñado de Dólares”.

En fin, recomendada a quien le interese y le parezca que le puede gustar. Se ha de tomar en cuenta que es la primera de una trilogía (que ya me encargaré de comentar…).

“La Isla Siniestra” de Martin Scorsese

2010-05-16T00:00:00.008-02:00

También conocida como “Shutter Island” nos introducimos en la historia a través de un barco. En él viajan dos detectives, dos marshalls que saben cómo hacer su trabajo.

Este es el caso de uno, “una leyenda”, que aparece vomitando en el baño de la embarcación, gracias “al mareo” y la cantidad de agua.

Llegan a la isla donde nos encontramos con un hospital psiquiátrico (bueno, un manicomio) atestado de “locos peligrosos”. Siendo la mayoría de los reclusos-pacientes gente que ha matado a alguien. La investigación se da, en principio, porque de forma muy extraña, una interna de la institución ha desaparecido (como si se hubiese desvanecido por las paredes).

Sin mucha más información que ésta y guiados por un Ben Kingsley que las hace de director-doctor del hospicio empezamos a sospechar de la extraña maquinaria-burocracia y de los “secretos” que allí se esconden (o no).

Como se habrá podido apreciar varias veces en diversos ejemplos de cine negro la investigación comienza con ciertas “resistencias” y pocas pistas. Pero bueno, nuestro protagonista se nos presentará como un tipo inteligente y avisado.

Lo que no quita que tenga en mente algunas imágenes del pasado que a fin de cuentas conforman el patrimonio de memoria (y también tendrán que ver con el por qué él ha elegido tal investigación) de nuestro protagonista. Las mismas se refieren a las abismales cantidades de cuerpos vistas en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial como a los recuerdos del amor que sentía por su esposa, quien murió en un incendio.

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No interesa decir más de la trama en sí. Si interesa decir que estamos ante un reparto de excelencia que incluye a Leonardo DiCaprio, al ya mencionado Kingsley, así como a Mark Ruffalo y al bergmaniano Max Von Sidow. Sin embargo, y aunque no podamos achacarle nada de malo a las mismas, para mí podrían haber sido más convincentes, en especial en lo que refiere al protagonista.
DiCaprio que de cualquier forma se presenta como un actor hecho y derecho, actual fetiche de Scorsese, para quien llena la pantalla por cuarta vez después de “Pandillas de Nueva York”, “El Aviador” (donde podremos encontrar algún que otro elemento en común con este film) y “Los Infiltrados”.

Un Martin Scorsese a su vez que con una carrera hecha y derecha (aunque también izquierda en momentos) logra “ir hacía otros lados” y, como ya lo ha hecho varias veces (y casi siempre) “nuevos parajes” en lo que a su filmografía respecta. Esta vez tomando la novela homónima de Dennis Lehane (escritor de Best Sellers que ya han sido llevados a la pantalla tanto por Clint Eastwood en “Mystic River” como por [más desconocida la película, pero ¿menor?] Ben Affleck en “Gone, Baby Gone”).
A su vez, en lo que refiere a Scorsese podemos ver algunas líneas de continuidad (aunque habrá otras de ruptura, si se quiere) en lo que refiere al tratamiento de “la locura” y del enfrentamiento a “personajes outsiders” (por decirlo de alguna forma). En alguna que otra escena onírica podremos pensar en “Vidas al Límite”, el film protagonizado por Nicholas Cage (y miren su título original: “Bringing Out The Dead”) donde caía nieve “pero al revés”.
Pero de Scorsese ya se ha hablado y se viene hablando y se seguirá hablando (lo cual me parece genial) bastante. Así que no seguiré por esa línea.

Sí nos encontramos con un guión elaborado y complejo. Y con una fotografía que va pasando de un tono más grisáceo a “soleado” bien aclimatado, justamente, con el estado del tiempo.
En términos de imagen estamos ante una buena película con una producción que no sólo es adaptación de época (¿ya dije que se sitúa en la década del 50?), a pesar de que no plantea “nada demasiado nuevo” en este sentido.
Lo que sí me atrevería a criticar son, justamente algunas de las escenas oníricas donde (para mi gusto) se abusa de los efectos digitales.

El guión tiene una estructura interesante que creo logra dejarnos con una sensación de cierta incomodidad. A su vez, me interesa señalar otra cosa (aunque está “muy por el aire” si se quiere). “Los infiltrados” (para el que no lo sabe) es una remake de una película oriental y aquí (y, a pesar de que se base en una novela) la estructura me ha hecho pensar concretamente en un anime. Su director se llama Satoshi Kon y el anime “Perfect Blue”. Además la filmografía de éste director incluye temas que se pueden encontrar en común con lo que a “The Shutter Island” refiere (y, tal vez, junto a “Perfect Blue” debiéramos mencionar a otra de sus películas: “Paprika”).
En fin, me parece posible que Scorsese haya visto tal/es película/s antes. A su vez, me parece extraño haber sentido con ambas (la que nos ocupa y “Perfect Blue”) ciertos “fallos” bastante parecidos (por los aciertos creo que puedo confiar bastante en Scorsese, que ya ha sabido llegar por su cuenta a bastantes)

Bueno, siendo así yo les digo que se las recomiendo. No es la mejor película del director, pero realmente tiene un ritmo y una tensión que atrapa y que nos permite tener un visionado de calidad.

Aquí el trailer (aunque el comentario, para quien ya la haya visto sigue más abajo).

Otra cosa que quería mencionar se refiere a algo que en su momento me había llamado la atención: Los errores de continuidad de “Los Infiltrados”. ¿Pero qué es lo que me ha llamado la atención para que mencione esto? Simplemente el hecho de que me sorprendió ver, al principio de la película varias incongruencias en ese sentido. A su vez, tenemos algunos efectos de montaje y cámara algo extraños. ¿A qué me refiero?
¿Se han fijado acaso en los “extraños” movimientos de cámara que se hacen cuando el policía presenta los pabellones? ¿O en los “saltos” que hay en el diálogo en el barco? Otra: Cuando nuestro personaje y su compañero están acostados en una cama marinera la cámara se irá acercando a cada uno en un montaje paralelo; pero esta secuencia ¡está algo desprolija!
Cuando se entren a mezclar flashbacks también podremos sospechar alguna cosa.
Ya más adelante en el metraje: Cuando DiCaprio está persiguiendo “al piromaniaco”, en un momento aparece por un pasillo, casi choca contra la pared grita y sigue corriendo. Pero lo llamativo del caso está en que la misma toma se repite de forma exactamente (o, al menos “casi casi”) igual. Algo similar pasaba en "Ghost In the Shell II: Innocence", casualmente: otro anime.
Tal vez podríamos pensar en alguna que otra película en relación a ésta, como ser “El Club de la Pelea”, “El Resplandor”, “Atrapado sin salida” y ¿por qué no? La ya mencionada “El Aviador”.

En fin. Creo que hay varios elementos en los cuales nos podemos quedar pensando. ¡Me despido!

“Carrie” de Brian de Palma

2010-05-14T00:00:00.008-02:00

Basada en una de las primeras novelas de Stephen King, con nombre homónimo nos encontramos no sólo con una película propia del mundo de este autor (aunque también de su director) sino que también le encantó al autor de la novela (lo cual podría considerarse ya de por sí un buen indicador).

Carrie es la historia de una adolescente que, ante el “despertar” hormonal ve varios conflictos ya presentes en su propia vida, reavivados de forma extrema. Así, la joven “no muy linda”, de ojos extraños, el “chivo expiatorio” y “freak” del colegio al que concurre se verá casi implosionando gracias a diferentes presiones entre las cuales podríamos enumerar las de sus relaciones sociales (en la high school donde, cuando poco, es una chica muy poco popular) o la convivencia con una madre que adorando a Dios parece haber dejado de lado algunos elementos propios de la “vida mundana” (y humana). Entre estos podemos encontrar el no explicarle a su hija lo que es la menarca o eso que les pasa a las mujeres aproximadamente cada un mes.

En fin, en este panorama (tenemos una escena inicial, a mi entender magistralmente filmada que no quiero “explicar” para que pueda ser apreciada) de burlas, ella (que a fin de cuentas nos llega a caer bien y muy) se encontrará con ciertos elementos paranormales que le complicarán bastante las cosas (aunque no sólo). Pero, bueno, que esto sí lo puedo decir: ¡si está en la tapa del libro!: Carrie se enmpezará a preguntar (y nosotros con ella) si no tiene ciertas capacidades telekineticas (“Telekinesis”: Dícese de la capacidad de poder mover y manipular objetos con la mente).

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Brian de Palma es un director reputado y con fama de perfeccionista. En su carrera (que pegó un gran salto con ésta película, la cual resultó ser un éxito de taquilla en 1976) nos podemos encontrar con películas diferentes, algunas loables y otras tal vez no tanto. Se dice de él que en su primer etapa retomaba los pasos de Hitchcock (cosa que yo no había podido apreciar de forma tan patente como aquí) y también se le ha achacado alguna vez “imitar mucho e inventar poco”. Yo no he visto gran parte de su filmografía, pero me animo a decir que no es tal el caso (aunque comprendería que en determinado momento de su vida el señor éste hubiese estado viviendo con una mirada bastante cariñosa a la taquilla).
Pero sí afirmo que Brian de Palma no se queda en el “imitar mucho”. Lo digo pensando especialmente en su última película: “Redacted” donde se animaba a abordar la realidad de la Guerra de Irak de una forma original y que se presentaba como arriesgada. De hecho, de este riesgo nos habla su recudación en taquilla. Sin embargo, en la película podíamos encontrar un “compromiso” con el hacer y bastante originalidad para el panórama (la vi en un momento donde andaban pululando varias películas actuales, norteámericanas y con un perfil más bien crítico sobre el tema, de entre las cuales me animo a recomendarles la de Paul Haggis “En el Valle de Elah”).
Además, en ese “riesgo” encontramos la experimentación, experimentación que no en pocos casos (y pensando especialmente en el cine) ha llevado a cosas novedosas realmente valiosas. Por ejemplo, uno de los primeros elementos usados en las películas fantásticas de principios de siglo XX fue el de hacer “desaparecer” a alguien.
Pongámosle que tenemos dos personajes. Uno tiene una varita mágica y, al tocar al otro este desaparece. George Melies descubrió tal cosa por error, cuando se trancó una cámara grabando una película, un actor salió de escena y se siguió filmando… Luego, al ir a editarse la secuencia se veía como el mismo “desaparecía” magicamente.

Pero en fin. No es esto lo único que podríamos decir de De Palma; pues nos encontramos ante un señor que sabe usar ciertos recursos y que en su primera etapa (con la película estamos en ella) hacen gala. Los mismos se refieren, por ejemplo a la sangre, a la partición del cuadro (que me encantó en una película anterior: “Hermanas”), etc.
Un señor que sabe manejar al espectador. A fin de cuentas (aunque en medios distintos) como también lo ha sabido hacer King (aunque a algunos les pese).

Pero bueno, mirando a la película podemos decir algunas cosas. Sissy Spacek realiza un protagónico que marcaría su vida y, fue ella quien tuvo que convencer a De Palma de que era la indicada ¡Y si lo será!
Los registros de actuación a los que su personaje llega son realmente impresionantes. Y es más, a ella le debemos algún momento que se ha catalogado como de los más impresionantes del cine de terror. Junto a ella estará su religiosa madre, intérpretada por Piper Laurie, quien creo que realmente logra sacarnos de las casillas (lo cual es muy bueno siendo el personaje cómo es). Miss Collins será intérpretada por una correcta Betty Bucley que andará interactuando con varios estudiantes. En el elenco también nos encontramos a un John Travolta que, casi el más rebelde de todos, está muy bien.
En fin. Podemos decir respecto a las actuaciones que ya en términos generales están muy bien y que además de esto nuestra protagonista se luce (yo creo que será inolvidable).
A su vez, nos encontramos con la (muy hitchcockiana) música de Pino Donaggio; que así como a un gato nos hará erizarnos a más no poder en alguna ocasión. Es más, De Palma hubiese vuelto a trabajar con Bernard Hermann (con quien había trabajado ya, quien a su vez había musicalizado, por ejemplo: “Psicosis”) pero este había muerto. ¿Podría ser que la música de ésta película funcione en parte como homenaje a él?

En la fotografía un Mario Tossi no se lucirá en un principio. O sea, viendo la película podemos pensar que todo parece de bastante bajo presupuesto (y para los paramétros temporo-espaciales tal cosa sería bastante cierta). Pero, el tema es el lucimiento que se da cuando éste es necesario. O sea, ya al principio podemos intuir que no estamos ante cualquier cosa; así, la “exgerada” y “maniquea” puesta de escena (y fotografía) en la casa de Carrie estarán, en realidad dando con el punto justo (digo, por el tono, por cómo funciona la película). Pero el momento de lucimiento y goce visual será el que nos encontraremos durante la escena de la graduación y esa escena donde nos quedan imágenes en la retina que pueden marcar tanto como algunas de “Alien”.

También me interesa mencionar que estamos a un mismo tiempo ante un guión “simple” pero hábil, que nos engancha con una historia que logra ser bastante seria, aunque tiene sus fugantes en lo que respecta al sentido del humor y a una humanidad que yo creo, de alguna forma, hace “más universal” al film. Esto sin quitar que en algún momento podemos llegar a preguntarnos si no estamos más que frente a una simple “High School Movie”. Y, dejenme decirles: No…

En fin, nos encontramos con una película que tuvo una planeación “al dedillo” y que al día de hoy no es sólo un gran ejemplo si no un film que ha influenciado bastante.
En esta ocasión yo también me siento menos “hábil” y, menos objetivo porque me ha pasado con la película una cosa que a fin de cuentas es bastante simple: Me ha encantado (y ese último susto me dejó, no sólo con las patas en el techo sino que también pensando bastante, jeje).

¡Se las recomiendo!

“Up In The Air” de Jason Reitman

2010-05-11T00:00:00.007-02:00

Después de haber visto las dos películas anteriores del director podíamos quedar con un sabor de boca algo extraño en relación a él. Es que “Gracias Por Fumar” resultaba tan buena que encontrarse con “Juno” era, al menos para mí, un golpe en la boca del estómago, por no decir más abajo.
Pero bueno, vamos al cine, nos sentamos en la butaca y esperamos. Lo que primero impresiona es su introducción. Con una música que podría ser muy “Juno” (un folk de tono algo triste, aunque de sonido bien actual) vemos la edición de esos paisajes aéreos, de esas nubes, de esos cortes que pasan a una y otra imagen, a uno y otro lugar.
Cuando menos hay que reconocer que la presentación es interesante (aunque también podríamos verla ya sea “medio desconectada” o “como llamativo prólogo”).
Después nos encontraremos, no con George Clooney despidiendo gente. Nos encontramos mirando a diferentes personas y sus reacciones cuando se enteran que han sido despedidas (la gran mayoría: de trabajos donde han pasado de 7 a 20 años). Y he aquí un elemento llamativo, ésta gente se nos hace “común”, en extremo real. Si no somos alguien así, seguro conocemos a alguien que lo es.
Después sí, nos encontraremos con un Clooney que irá presentando cómo es su vida, como la vive y como la disfruta. Su hogar está en los viajes, está en los aviones, en los aeropuertos y los hoteles. Un “SemiDios” del pasar constante que se siente libre con su/s tarjeta/s magnética/s.
Un hombre al cual le pagan por hacer un trabajo que los jefes, habitualmente, no quieren: Despedir gente.

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Y tenemos que reconocer, que en su trabajo, nuestro protagonista de estilo y orden, de mochila ligera y gusto de vernissage es muy bueno.
Lo vemos conseguir una chica. Lo cual cuadra bastante con la imagen que nos hacemos de él. Casualmente la misma, es una azafata muy atractiva y muy bien interpretada por Vera Farmiga. Ella llena la pantalla en sus apariciones y después de deshacer a dúo alguna anónima cama quedarán en verse nuevamente.
Pero el problema para nuestro protagonista surge porque lo hacen ir a la central de su empresa. Son tiempos de cambios y una jovencita interpretada por quien se manda otra actuación monumental (Anna Kendrick), va a mejorar la “calidad” “ahorrando costos” en la empresa. ¿Cómo?
Estos señores del aire, ahora podrán hacer su trabajo de despidos con lo que sería, casi, una cámara web. No necesitan tener en frente a la otra persona (persona que por otra parte, ven una vez, para despedir y nunca más).

Clooney se opone encarecidamente a tal medida. Nosotros sabemos cuáles son sus razones personales, pero él argumenta que tal trabajo no se puede hacer con este “nuevo método”. Así, junto a ésta chica que ha estudiado psicología y parece haber aprobado con nota máxima cada uno de sus estudios empezará un viaje en el cual nuestro protagonista “le mostrará sus métodos de trabajo” (y así, hará ver porque “la gran idea” no sirve... O al menos esto es lo que se propone...).

Se me ha ido un poco a largo lo referente a la sinopsis, pero digamos que ésta es la premisa argumental para una película, cuando menos, muy interesante.
¿Por qué? Podríamos hablar de su fotografía, de quien se encarga Eric Steelberg, podríamos hablar de la música y el montaje o de esos impersonales lugares que podrían ser catalogados, justamente, como “no lugares”.
Pero la grandeza de este film está dada por otras cosas, a mi entender. Primero, las geniales actuaciones. Y no podemos dejar de pensar en los tres protagonistas mencionados, además de un Jason Bateman que hace muy bien de jefe. Sino también en absolutamente TODO EL ELENCO.
Tenemos que tener en cuenta a cada uno de ésos extras que son despedidos. Algunos actores profesionales, otros que no lo parecen, algunos con unos minutos frente a la pantalla, otros con segundos…
Y si hablamos de que las actuaciones están muy bien no sólo tenemos que pensar en las actuaciones, sino en la dirección de los intérpretes.
Por otro lado tenemos elementos que yo entiendo como dignos de mérito y aplausos: Un guión inteligente, con muy buenos diálogos, que logra ser llevado, que logra ser puesto en pantalla con un ritmo (he aquí el segundo elemento) con el cual funciona de forma totalmente interdependiente (y eso es definitivamente bueno para nosotros-espectadores).

Y es que hablamos de una película que no sólo tiene sentido del humor (y, digamos que hay de esos pases “más bien gamberros” que ya veíamos en “Gracias por Fumar”), sino que eleva una o varias retóricas sobre “el hacer empresarial-profesional”. Pero ¡ho! Que la película introduzca a personas, que conozcamos a personajes humanos y contradictorios, capaces de equivocarse (e incluso ¡milagro!: de reconocerlo) entra a sumarle al contenido de una forma muy contundente ¡y humana!
Y es que, más allá de los diálogos y la inteligencia tanto de la película, como del guión y de los personajes; yo creo que su gran mérito (y ventaja) está en que logra una (gran) transmisión emocional. La misma que no elude ninguno de los otros aspectos, sino que se va armando a través de los mismos.
En fin, cuando hablo de esta “transmisión emocional” en realidad me estoy refiriendo a algo que, a fin de cuentas, se puede decir con mucha más simpleza: Es una película que nos llega.

¡Y la verdad es que si proviene de Hollywood o es independiente a mí me tiene sin cuidado! Pues creo que su importancia (y su grandeza) está dada justamente en eso: Es una buena (o muy buena debería decir) película.

Esto no quita que yo me haya quedado con la sensación de que el director ha visto admirado el cine de los Hermanos Coen (el personaje de Clooney tiene “demasiados” elementos en común con el de “Crueldad Intolerable”, al señor de bigotes que aquí vemos como capitán ya lo habíamos visto en “El Gran Lewobski”, etc.). O de que hayan algunos temillas que se podían ver en forma parecida en otras partes (pienso en las tarjetas y “en la figura exitosa” que Christian Bale interpretaba en un film de muy diferente tono: “Psicópata Americano”).

Sin embargo se logra un todo que se sostiene y que transmite. Que con inteligencia, carisma y humor logra una película que puede hacernos reflexionar mucho; una película en cierto sentido triste (¡aunque no solo!) que realmente logra algo que hace tiempo no me pasaba con el cine norteamericano actual: ¡Nos llega!

Esperando que quede claro que la recomiendo mucho mucho, aquí va el trailer: